ULTIMÁTUM AL CINE --- CINE DE TERROR, FANTÁSTICO, SERIE B, GORE, CINE CUTRE... Y MÁS

Reservoir Dogs (Quentin Tarantino, 1992)

2011-09-06T23:19:00.007+02:00

Muchos conocerán a Tarantino por la brillante Pulp Fiction, quizá su obra más conocida y ultraelogiada. Pero si me preguntas a mí, Reservoir Dogs es muchísimo más película. Siendo tan (o más) personal que Pulp Fiction, tiene ese toque indie y barato que la hace aún más entrañable. Porque Reservoir Dogs será muchas cosas, pero sobre todo es una lección de cine de alguien capaz de lo mejor. Y aquí, en sus comienzos, parecía tocado por una varita mágica.
En esencia, la historia es la de un "simple" atraco. Y es una historia bien sencilla, no es algo poderosamente original y nunca contado, qué va. Siete hombres (que se nos presentan en el prólogo en medio de una delirante conversación sobre el Like a Virgin de Madonna como metáfora de las pollas grandes), un robo de diamantes. Todo sale mal, hay un topo policía en el grupo y el atraco acaba siendo un baño de sangre. Reunidos poco a poco en el punto de encuentro (una funeraria abandonada en medio de un polígono), los ladrones supervivientes tratan de discernir qué fuck ha pasado, quién fuck es el fucking traidor (si lo hay), y la situación no podrá ir fucking peor. O sí. Pero esta historia no es lo importante, sino cómo nos la cuenta Tarantino. Esto sí que es cine de autor, en el que el director no solo es importante, sino que lo es todo. Con su fuerte influencia de Grupo Salvaje, sus larguísimos diálogos entre personajes sentados en mesas, su manejo brillante del tiempo de la narración que salta de pasado a presente a su antojo sin ser jamás confuso, su estructura casi por capítulos y su empleo soberbio de la música (una música perfecta para este guión, llena de temazos intemporales), Tarantino demuestra que él es la película y la película es él. Lo amarás o lo odiarás, pero Reservoir Dogs no sería lo que es si la hubiera dirigido cualquier otro. Poquitos cineastas pueden decir eso.
Poco a poco, el guión se va esclareciendo, tejiéndose como tela de araña bien hilada, presentando a los personajes misteriosos y definidos a la perfección y resolviendo las relaciones entre ellos. Todos son importantes, pero sobre todo te calarán el Sr. Blanco, el Sr. Naranja y el sádico hijo de puta del Sr. Rubio, cuya escena de tortura al policía a ritmo del Stuck in the Middle With You de los Stealers Wheel es de lo mejor que se ha rodado jamás, y eso que ni siquiera vemos la tortura en sí. Y por supuesto el gran final, la primera vez que Tarantino usaría una de sus escenas ya marca de la casa, ese diálogo tenso entre personas apuntándose con pistolas unas a otras. El desenlace, brutal y perfecto, redondea una película a la que podríamos llamar perfecta pese a sus 252 fucks. ¿Crees que exagero? Fuck you, pues entonces es que no la has visto.

Están vivos (John Carpenter, 1988)

2011-09-04T20:32:00.004+02:00

No me canso de decir que John Carpenter es un director sobrevalorado. O quizá debería matizar: es un director perfecto para rodar cine en los setenta-ochenta, pero que no ha sabido adecuarse a las nuevas generaciones y cuyas últimas películas han sido bastante fulañeras. No se le puede reprochar nada en un título tan de los ochenta y tan de culto como su Están vivos; o, como se la suele conocer, "la de las gafas de sol con las que veías a la gente con cara de calavera". Seguro que así nos suena a todos.
Carpenter no puede negar en esta cinta la influencia de la magnífica La invasión de los ultracuerpos, pues la idea es muy similar aunque se desarrolle de otro modo. Se trata de la invasión de una raza extraterrestres viviendo entre nosotros, ocupando puestos políticos y económicos de primer orden, y teniendo a la humanidad como mano de obra esclava... sin que ni siquiera lo sepamos. Mediante una emisión de ondas que alteran la consciencia, las personas viven su anodina vida y lo ven todo normal: anuncios, revistas, libros, TV, a sus congéneres... No se dan cuenta de quiénes son monstruosas (y divertidas de aspecto) calaveras alienígenas, o de que los mensajes subliminales de obediencia, trabajo, reproducción y sumisión están en todas partes. Muy a lo V, un pequeño grupo de resistencia trata de destapar la verdad y puede ver a los aliens y su mascarada gracias a unas gafas. Pero toda historia necesita un héroe, y aquí entrará el mejor llamado antihéroe anónimo de la película: un obrero de la construcción, prácticamente un vagabundo (intepretado por el wrestler Rody "El gaitero" Pipper antes de humillarse y revolcarse por el fango con ESTE PUTO PEDAZO DE MIERDA), que se convierte en el único capaz de salvar a la humanidad y alertarla de la invasión en la que viven, algo que Carpenter siempre intruduce también de una forma muy dramática, sin que el héroe se salve y sin que nadie sepa ni de su hazaña ni de su sacrificio. Muy como MacReady en La Cosa, vaya. La verdad, cinta muy entretenida y con muchísimo encanto, todo un clásico de la ciencia ficción que ya no se puede hacer, pero que siempre se puede revisitar con buen espíritu ochentero.

Destino Final 5 (Steven Quale, 2011)

2011-09-04T20:11:00.005+02:00

La primera Destino Final fue una de las ideas más originales dentro del boom del slasher teen post-Scream, gracias a su fantástica idea sobrenatural de la muerte como un personaje propio y auténtica antagonista de la saga que caza uno por uno a los supervivientes de tragedias que se hayan librado por una premonición, burlando así al llamado "plan de la muerte". Semejante argumento propiciaba muertes de lo más originales y rebuscadas (algunas demasiado), y mantenía siempre la atención del espectador y un genial puntito de tensión. Con cada secuela la cosa fue a menos, aunque siempre manteniendo un correcto nivel que nunca cruzó la barrera de la vergüenza ajena, conservando siempre la dignidad de la saga. Me alegra comprobar en esta quinta -y, aparentemente última- parte, que la maquinaria sigue en forma. Destino Final 5 no es original estrictamente hablando, porque es un replay de la idea de la primera, segunda, tercera y cuarta. Un grupo de personas, aquí trabajadores de una empresa en un viaje de esos tan raros de convivencia que solo hacen en América, se libran de morir en el derrumbe de un puente porque uno de ellos tiene un pálpito de lo que va a ocurrir. Por cierto, que esa escena del puente es simplemente brutal, la mejor de la saga, con muertes salvajes y unos efectos muy logrados. A partir de ahí, lo de siempre, aunque quizá en esta peli haya más autoparodia que de costumbre, y se agradece (la muerte del de la acupuntura, por ejemplo, es más ridículo que terrorífico, y la de la gimnasta, totalmente inesperada de ese salvaje e imposible modo... pero que mola que te cagas). Lo mejor, aparte de que no te aburres jamás y de las buenas muertes, buen ritmo y esa mezcla de tensión y risas, es su final, broche de oro a una saga que ha aguantado cinco entregas y que hace un perfecto "clic" cerrando el círculo que comenzó con la primera y convirtiéndose inesperádamente en precuela. Muy, muy bien. Igual que los créditos, con esa recapitulación de las mejores muertes de toda la saga. Lo único reprochable es que la peli está rodada y preparada totalmente para un visionado 3D (tripas saltando a la cámara, salpicones, cosas así), y se hace un poco rarito su visionado normal, aunque no es mayor problema. Así que diversión asegurada para los amantes del terror al uso, gamberro y sangriento, y quién sabe si habrá otra Destino Final pese a que esta parezca ser absolutamente definitiva. Yo, si continúan, seguiré viéndolas.

Bajo cero (Adam Green, 2010)

2011-09-02T15:24:00.002+02:00

Después de El arrecife, toca otro survival de terror psicológico. Aunque no sabía muy bien que estoy iba a ser tal cosa, porque en la sinopsis solo se decía que un grupo de amigos quedaban atrapados en un telesilla y tenían que decidir si morir congelados o aventurarse al suelo donde les esperaba otro peligro mayor. La cosa me sonaba a una de mis queridas monster movie de mierda, pero qué va. Es una buena película totalmente realista y creíble en muchos aspectos, en especial en el comportamiento de los personajes y en sus conversaciones. Es un poco espeluznante esa charla que los tres amigos mantienen al principio de su calvario, hablando de cuál es la peor manera de morir, y uno menciona que atacado por tiburones en alta mar sin saber lo que te viene por debajo del agua. Eso mismo pensaba yo, pero quizá la intención del director y guionista es la de darnos con su película otra alternativa a los que pensábamos que esa era la forma más horrible de morir. Esta película juega con esa descorazonadora idea del “tan cerca pero tan lejos”, y de que la situación en sí no parece tener un peligro implícito. Pero poco a poco vemos los efectos de la congelación (tremenda la escena de la mano de la chica), y cuando uno de los chicos se la juega a saltar, vemos lo erróneo de su idea. Duele. Duele mucho. Aunque reconozco que se nota un montón el efecto a lo Tom Savini de esas dos piernas rotas, lo que importa es el hecho. Y luego la cosa aún empeorará más con la presencia de lo que en la sinopsis decían que era el “otro peligro mayor”. No era difícil de imaginar, la verdad. La nieve, la noche, las montañas, el bosque… era lógico pensar en una manada de lobos. Lobos que contribuyen a animar un poco el ambiente, porque pese a ser una idea terrible y angustiosa, una película entera sobre tres personas atrapadas en un telesilla podría ser un coñazo, aunque no lo es. Pero bueno, sin enrollarme más, la película me pareció realmente buena, con personajes muy bien definidos (gracias a tres actores más que correctos) y momentos dramáticos y duros. De nuevo, como en El arrecife, el final es muy similar, aunque no indignante como en la otra, pero igual de poco alegre. Pero bueno, en situaciones de supervivencia extrema como esta, lo normal es que las cosas no salgan bien.

El arrecife (Andrew Traucki, 2010)

2011-09-02T15:03:00.003+02:00

Un puñado de actores más o menos solventes y una buena idea (aunque ya explorada en Open Water y su secuela no directa, con las que es imposible no establecer paralelismo) es todo lo que Andrew Traucki necesitó para llevar a cabo una de las películas más tensas que he visto últimamente. Eso y, por supuesto, su buen pulso narrativo tras la cámara, porque esta historia podría haber sido algo totalmente anodino sin un buen director al mando. Es uno de esos casos en los que, sin efectos especiales, sin presupuesto y sin decorados, el talento convierte una gran idea (supuestamente basada en un hecho real) en una buena película.
Y es que el argumento de El arrecife no puede ser más inquietante. Cinco amigos que, navegando en un yate por aguas australianas y pasando un buen rato, chocan contra un arrecife y vuelcan. Varados en alta mar y a merced de la corriente que los lleva mar adentro, tendrán que decidir si quedarse encima del casco de la volcada embarcación o si aventurarse a nadar las 10 millas que los separan de una isla antes de que la mayor distancia y el cansancio se lo hagan imposible. El problema: las aguas australianas son territorio de tiburones, y uno de ellos, nada menos que un gran tiburón blanco, seguirá a los protagonistas durante su peligroso viaje a nado. La tensión comienza desde el primer momento que uno de ellos se lanza al agua. No vemos aletas ni enormes fauces, pero sí que se puede sentir ese miedo a lo que no se ve, quizá uno de los peores miedos posibles. Es un entorno hostil para el que el hombre no está preparado y en el que no tiene ninguna posibilidad de un combate justo, ni ninguna escapatoria, así que el primer ataque del tiburón es terrible. Y eso que uno de los chicos sabe muy bien cómo desenvolverse en alta mar y lidera a sus amigos, pero aún así no hay forma de ahuyentar a un asesino nato como un tiburón blanco, y solo la suerte decide quién va siendo devorado. Pese a todo, los supervivientes de cada ataque deben seguir avanzando (la escena nocturna es desoladora y aterradora, porque ¿acaso hay algo más acojonante que el mar negro y abierto?) aunque van cayendo irremediablemente, siempre manteniéndose la angustia y la credibilidad en el comportamiento de los actores. El final quizá sea lo peor, porque te pone de mala hostia que la cosa acabe como acabe solo porque la rubia sea una maldita inútil integral. Pero está claro que la película no pretende ser feliz, y es un gran ejercicio de cine que demuestra que, en ocasiones, lo barato no está reñido con lo bueno.

Frequency (Gregory Hoblit, 2000)

2011-09-01T19:25:00.005+02:00

Frequency es una película de ciencia ficción absolutamente comercial y para toda la familia. No exenta de ciertos efectismos y con un guión repleto de lagunas, es, no obstante, totalmente disfrutable en conjunto sin que sobresalga ninguno de sus aspectos. La dirección no es portentosa ni la cinta lo requiere; las interpretaciones, las justas, encabezadas por un actor venido a menos como es Dennis Quaid (aunque ¿alguna vez estuvo ido a más?) y otro actor limitadísimo como es Jim Caviezel, que siempre será recordado por haber sido el Cristo de Mel Gibson en aquella polémica y maravillosa película ultragore en el nombre de Dios. Los dos actores cumplen, pero poco más. Y es que el mayor o único acierto de Frequency es su original idea de enlazar dos épocas, pasado y presente, a través de una radio de aficionado gracias a una extraña aurora boreal que permite tan imposible conexión. A través de las ondas se encontrarán padre (Quaid) e hijo (Jesucristo), separados treinta años en la distancia. Y el bueno de Caviezel querrá impedir que su padre muriera en el incendio que le costaría la vida, y al lograrlo cambiará toda la corriente temporal desencadenando nuevos recuerdos y acontecimientos distintos, que harán que el guión se dirija en su tramo final hacia una especie de investigación contrarreloj para atrapar a un escurridizo asesino en serie que acabaría con la madre de Caviezel. Digo que el guión es tramposo porque deja cabos sueltos con eso de que parece que solo el personaje de Caviezel recuerda todo de sus múltiples "vidas" (la primera y real y las siguientes que va recordando con cada cambio que entre él y su padre realizan en el pasado), pero como decíamos es una película divertida y con muy buen ritmo, te encariñas con los estereotipados padre e hijo y te alegras con ese final efectista e imposible en el que al final dan con el modo de que todo salga de la mejor manera posible. Y oye, de vez en cuando está bien que una de ciencia ficción no te haga pensar demasiado ni verse de experimentos genéticos, así que Frequency es una buena alternativa.

Visitors (Richard Franklin, 2003)

2011-08-30T15:22:00.004+02:00

Desde su papel en Pitch Black, la guapa australiana Radha Mitchell ya ha protagonizado diversos filmes de terror, ciencia ficción o temática sobrenatural, convirtiéndose en una especie de scream queen fácilmente reconocible. Visitors es una película de 2003 que navega entre dos aguas igual que su protagonista navega en alta mar. La película no se decide, y camina por la línea del drama, el thriller sobrenatural y el terror sin decantarse por ninguna, y el producto resultante no es nada del otro mundo. Básicamente, la historia es la del personaje de Mitchell, Georgia, una intrépida navegante que pretende batir un récord de vela cruzando el océano en solitario. Pero durante la peligrosa travesía la protagonista tendrá que hacer frente a sus fantasmas, y de una forma bastante literal. Supuestamente el guión plantea la duda de si las presencias que están visitando a Georgia son auténticos fantasmas o si son producto de cierto síndrome de aislamiento en alta mar, algo que queda despejado al final de la película. Lo peor es que está rodada con mucha parsimonia, y el guión no tiene chicha para mantener el interés del espectador. Es muy lenta y aburrida, y sus noventa minutos se antojan tres horas. Además, la siempre molesta presencia de Dominic Purcell da aún más aspecto de serie B a esta serie B, pese al esfuerzo de Mitchell por tratar de que la peli funcione y no sea un telefilme. Si resistes despierto, quizá el giro final pueda hacerte pensar que la película ha merecido el visionado. No fue mi caso, pero reconozco que al menos no es tramposa. Pero a mí, lo que más me queda de esta peli, es la sensación de que es tan aburrida como debe ser en realidad cruzar el mar en velero. Igual es que querían transmitir eso, quién sabe.

El club de los vampiros (Gilbert Adler, 1996)

2011-08-30T13:49:00.005+02:00

La verdad, siendo una película de Historias de la Cripta y teniendo como idea central un puticlub repleto de vampiras, me esperaba que esta peli fuera muchísimo más divertida. No está mal, pero me parece mucho mejor en todos los aspectos la otra incursión cinematográfica de la serie, aquella llamada Caballero del Diablo. Y eso que esta cinta se esfuerza por ser un homenaje a la caspa de los ochenta que tan buenos ratos nos hizo (y nos hace) pasar, rescatando incluso algunas caras conocidas como a uno de los dos insufribles Coreys, a una vigilanta de la playa reconvertida hoy en día en diva del infracine (¿no habéis visto Drácula 3000? ¡Pues no sabéis lo que es la felicidad!), y mi favorito, Chris Sarandon, el mítico vampiro Jerry Dandridge de la más mítica aún Noche de miedo. Sí, esa Noche de miedo que ahora han remakeado con el insufrible Colin "Remakeboy" Farrel destrozando el papel que en su día hiciera Sarandon. Y no la he visto aún, pero me la suda. Seguro que es una puta mierda de remake porque con Noche de miedo no se juega.
Pero volviendo a la peli. En mi opinión, quiere meterse con tantas cosas y tocar tantos palos, que se deja demasiados frentes abiertos por el camino. Vampiras, putas, religión, pandilleros, un detective venido a menos... Hay momentos que te ríes, otros con buena dosis de sangre y sí, hay muchas tías en pelotas al más puro estilo de los ochenta y hasta sale uno de los enanos de Willow, pero la peli es atropellada y bastante absurda. Vamos, que cualquier capítulo de Historias de la Cripta era mucho mejor, hasta el punto de que lo mejor de la peli es el inicio y el final y gracias a la gamberra y macabra presencia del siempre cabroncete Guardián de la Cripta. Que por cierto, es igual que mi ex-jefe, solo que éste no se desmaya comiendo paella.

Blood Creek (Joel Schumacher, 2009)

2011-08-30T13:48:00.004+02:00

Joel Schumacher puede definirse como un director muy inconstante. Tan pronto ha sido capaz de meritorias cintas como Jóvenes Ocultos, Línea Mortal o Un día de Furia, como de ajusticiar sin piedad la franquicia del Hombre Murciélago con dos entregas de Batman a cada cual más penosa. Supongo que su transición hacia la serie B ha sido tan progresiva que ahora, viéndolo recaer en un film de esta clase, ni siquiera sorprende. Hasta se le ve a gusto.
Porque eso sí, nos encontramos ante una serie B con cierta clase. Algo así como si Guardiola entrenara a un tercera regional. No lo van a hacer tan bien como para ganar, pero seguro que se notará el buen hacer de quien está detrás. Blood Creek comienza con una escena fantástica a modo de prólogo, en blanco y negro y filmada con buen pulso e incluso algunos planos muy logrados. Después, ya en tiempo presente, saltamos a la historia del protagonista, un correcto Henry Cavill (el próximo Superman) en uno de sus pocos papeles principales. El chaval se lo curra y se lo toma en serio, y aunque el papel no es para lucirse ni mucho menos, lo saca con solvencia. El que está de patíbulo como de costumbre es ~~Lincoln Burrows~~ Dominic Purcell, actor a quien le perdí totalmente el respeto tras verlo de vampiro pecholobo en Blade Trinity, y al que ya acabé de enterrar en vida tras ver la bochornosa The Gravedancers, una de las mierdas más grandes y despollantes que he visto nunca. Sorprende encontrar también aquí a un actor en alza como es Michael Fassbender (Centurión, X-Men: Primera Generación) en el papel del nazi-nigromante-brujo-monstruo que obtiene poderes oscuros gracias a unas piedras rúnicas. El desarrollo de la cinta me recuerda en momentos a La noche de los muertos vivientes por el asedio en la casa, y a Jeepers Creepers por el monstruo antagonista. Incluso su final podría recordar al de El misterio de Salem's Lot por eso de que Superman acabe convirtiéndose en una especie de caza-nazis-demonios. En definitiva, con un buen pulso narrativo, buenas dosis de tensión y sangre y una historia que aúna nazis con lo sobrenatural y hasta con zombies, Blood Creek es una horita y media de diversión sin más pretensiones que las de ser serie B de la buena.

Conan, el bárbaro (Marcus Nispel, 2011)

2011-08-29T15:51:00.003+02:00

La expresión "nacido en el campo de batalla" se convierte en el prólogo de esta película en algo literal que ya me ganó en esos primeros minutos. Y es que Conan, el bárbaro arranca una secuencia arriesgada y salvaje, en la que vemos al bebé Conan nacer por cesárea (su propio padre se encarga, espada en mano, de abrir a su esposa) después de que su madre reciba una mortal estocada en plena batalla. Brutal, amigos. B-r-u-t-a-l. Después comienza la parte del Conan adolescente, con gran protagonismo de Ron Perlman como su padre, líder cimerio e instructor del pequeño Conan en el arte del combate y el acero. La muerte de su pueblo y de su propio padre impulsarán a Conan a ganarse la vida como ladrón, pirata y aventurero (muy en la línea del cómic, mucho más que la cinta clásica), y de ahí ya saltamos a la parte principal de la peli, la protagonizada por el nuevo musculitos Jason Momoa. Este actor cumple con creces, la verdad. Vale que la peli de Arnold es mítica y épica, y que ésta quizá solo es una cinta fresquita de aventuras y acción salvaje, pero este Conan es más guerrero, más luchador, más físico e igual de bárbaro. Aunque para ser cimerio tiene una pinta de gitano que no se la acaba, pero bueno. A la historia no le busquemos tres pies: el ya adulto Farruconan va a por el asesino de su padre, ahora convertido en rey gracias a una máscara que concede poderes oscuros, y ayudado por su hija bruja. Por el camino, Conan librará un montón de batallas y le quitará la pureza a una doncella, como no podía ser menos. Pero también hay tiempo para frases machotas tipo "yo amo, vivo, mato, y me doy por satisfecho", y a mucho, mucho acero, brujería y sangre en las violentas peleas. ¿Es peor que la original? Según se mire. Distinta, seguro. Pero este Conan es un Conan de cómic y aventuras, una digna obra retro de espada y brujería con los medios actuales y con un protagonista que solo sabe poner una cara, pero al menos es la cara que requiere su personaje. Yo me lo pasé muy bien, no esperaba más.

Diario de un rebelde (Scott Kalvert, 1995)

2011-08-29T12:40:00.005+02:00

Viendo Yo, Cristina F., recordé otra película de ese estilo que en su día me gustó mucho más. Más incluso que la mítica Trainspotting, quizá el máximo referente en este subgénero de drogas y jóvenes. Evidentemente hablo de Diario de un rebelde, adaptación cinematográfica del libro autobiográfico de Jim Carroll, un poeta, músico y escritor americano que ha fallecido recientemente a los 60 años, pero cuya historia sí que se convirtió en un ejemplo de cómo tocar fondo (pero fondo, fondo) y salir del hoyo. Encontramos en esta cinta un reparto espectacular, ya no solo por los varios actores conocidos que protagonizan, sino por la calidad de todas las interpretaciones. Un inmenso Leo DiCaprio es Jim Carroll, marcándose quizá uno de los papeles más destacados de su carrera. Y es que nunca me cansaré de decir que el intérprete de Titanic y Romeo + Julieta ha podido cometer durante un breve período de su carrera el error de convertirse en un ídolo de carpeteras, pero a la vista de sus trabajos serios no cabe duda de que es un actor como la copa de un pino. Y ya lo era aquí, como demuestra en este papel cargado de registros, de sufrimiento y de angustia. Tremenda particularmente la escena final en la puerta de casa de su madre, una secuencia fortísima y dolorosa que muestra cómo Jim ha quedado reducido a un despojo humano, y que plasma el dolor de una madre por su hijo. Es preciosa y terrible, realmente impactante, pero muy humana, creíble y natural. Mención especial también para el gran papel secundario que se marca Mark Wahlberg en uno de sus primeros trabajos post-modelaje. En fin, una gran película que aúna dramatismo, crudeza, gran trabajo actoral y el mensaje de esperanza de que salir de la droga es posible. Aunque mejor no entrar.

Yo, Cristina F. (Uli Edel, 1981)

2011-08-28T01:39:00.000+02:00

Christiane F. tenía 14 años cuando se metió su primer chute, y pocos meses después se estaba prostituyendo para poder pagárselo. Esta terrible sentencia resume lo que las dos horas de duro metraje de esta película pretende ofrecernos. Y lo hace sin concesiones, sin remilgos y sin censuras, primeramente porque su propia protagonista tenía 15 años en el momento de filmarla, y aunque no aparece en situaciones sexualmente explícitas, sí que hay momentos en los que resulta incómodo verla en ciertas situaciones. Pero está claro que una historia autobiográfica tan dura como la de esta joven alemana no podía andarse con rodeos, y su mayor virtud es plasmar en pantalla esa crudeza y sordidez del mundo en el que la chiquilla se va metiendo cada vez más. Al principio todo comienza como un tonteo para impresionar a un chico, pero tras un concierto de David Bowie, Christiane decide picarse la vena por primera vez. Y a partir de ahí, no hay marcha atrás. Cabe destacar que no proviene de una familia destruida -aunque sus padres están separados- y que el dinero no falta en su casa. Pero como tantos jóvenes, cree (y así lo repite varias veces) que ella controla absolutamente su cuerpo. Qué gran falacia, pues nada sino la heroína controla todos los movimientos de la pobre muchacha. Una de las escenas más duras es la del intento de desintoxicación que ella y su novio pasan en casa, tras lo que sigue una descorazonadora recaída de la que ya sí que no hay vuelta atrás. El papel del novio también es terrible, todos los de la pandilla, de hecho, actuando como chaperos para pagarse el vicio, una verdad a medias que queda ya revelada del todo a última hora. El final de la cinta es quizá demasiado abrupto, como si se hubieran quedado ya sin nada que mostrar y, para no hacerse repetitivos, cortaran de golpe. Y bien está, porque después de más de dos horas de ver a una chiquilla destruirse a sí misma, es más que suficiente. Sobre todo sabiendo que Christiane no es de las que salió mejor parada, así que al menos su historia queda para la posteridad. Qué triste pensar en cuántas Christianes habrá por el mundo.

Ghost Rider (Mark Steven Johnson, 2007)

2011-08-28T01:13:00.001+02:00

Nicolas Cage siempre quiso protagonizar una de superhéroes. Y cuando por fin lo consiguió, fue este pedazo de cacho de trozo de mierda de 110 millones de dólares. Lo más inexplicable no solo es eso, sino que recaudara unos 230 pese a que fans, crítica y público la despedazaron con toda la razón. Solo se me ocurre una solución: que somos todos gilipollas.
Enfundado en una hilarante peluca negra, Cage se convierte en Johnny Blaze, un chulazo motorista temerario que hizo un pacto medio engañado con un demonio llamado Mefistófeles, con la honorable intención de curar el cáncer de su padre. Y lo consiguió, pero como el demonio siempre es más listo que tú, el padre palmó a las pocas horas en un accidente de moto, y Blaze quedó a la espera de que Mefistófeles reclamara su alma cuando considerara oportuno. Para semejante papel, Cage interpreta poniendo caretos y pareciendo subnormal, algo profundamente desconcertante. ¿Lo hace porque quiere o se lo pidió el director? En cualquier caso, muerte a los dos, ya. Cage se pasa de rosca con la gesticulación, la sobreactuación y la imbecilidad, y es imposible tomar en serio su primera transformación en Motorista Fantasma, y eso que se supone que es un tío que se está retorciendo en llamas. Es de absoluta vergüenza. Y mejor no hablemos de sus absurdos dedos acusadores. ¿De qué cojones iba eso?
Pero pese a todo, Cage no es lo peor de la película. No, en serio. Eva Mendes está de horca, lo único que hace es enseñar progresivamente más canalillo con cada nuevo vestido, lo que me lleva a pensar que si la película hubiera durado media hora más, habría acabado en pelotas. Los villanos no pueden ser peor, una panda de demonios que parecen los Black Eyed Peas, y que para que se sepa que son malos, ponen caretos demoníacos CGI mirando a cámara. Pero el cum laude de la mierda se lo lleva Sam Elliott, que hace de primer Jinete Fantasma y que protagoniza el mayor WTF de la película... y quizá de la última década. A saber: los dos jinetes cabalgan/ruedan hacia San Venganza (sí, el puto pueblo se llama San Venganza...), y cuando llegan a las puertas, Elliott dice que había guardado su última transformación para aquel momento... y se pira. O sea, que en vez de echarle una manita a su colega en la batalla definitiva, lo lleva a las puertas de la muerte y hasta luego y suerte.
En fin, un auténtico disparate al que solo se le puede conceder que es entretenida y que los efectos del Motorista están bien hechos. Por lo demás, esto es una inmunda bazofia al nivel de Elektra y Catwoman, así que me imagino que para los marvelianos de pro, Ghost Rider debe ser algo de lo que no se habla, algo así como los alemanes sobre lo ocurrido entre 1939 y 1945.

Código Fuente (Duncan Jones, 2011)

2011-08-27T01:40:00.000+02:00

Duncan Jones debutaba con lo que muchos consideraron una obra maestra, aunque a mí solo me pareció una película original y diferente que dejaba patente el buen hacer de su director para contar una historia compleja. Ahora, con 30 millones de dólares de presupuesto y un buen par de actores, Jones vuelve a las andadas con la ciencia ficción en la que debutó tan cómodo, pero le aporta también un punto de acción y thriller a la carrera en el que también se desenvuelve muy bien. Además, la mejor virtud de Código Fuente es que está enfocada a un público más amplio que Moon, y será entendida y disfrutada por mucha más gente. Y eso está muy bien porque no desmerece la inteligente idea de ciencia ficción que hay tras la película: una máquina que permite a una persona revivir los últimos 8 minutos de vida de otra persona, aprovechándose del residuo energético que queda en el cerebro y de cierto halo que persiste de un hecho ocurrido, al que se compara con la tenue luz que deja una bombilla durante un corto tiempo cuando se apaga. Jake Gyllenhaal se mete en la piel de un piloto que se encuentra, de pronto, viviendo esos 8 minutos una y otra vez, tratando de impedir que se produzca un segundo atentado que acabaría con muchas vidas, pero condenado a revivir la explosión de un tren sin poder impedirla, sirviéndole solo para averiguar dónde será la siguiente. Poco a poco, el brillante guión nos va introduciendo en la historia del piloto, en su verdadero estado y papel dentro del código fuente, en su lucha por detener lo inevitable y salvar una situación que, en principio, es insalvable al haber ocurrido ya. ¿Parece complicado? Pues lo es mucho menos de lo que parece, lo que pasa es que Duncan Jones sabe contar las cosas mucho mejor que yo. No os perdáis el final, excelente, esperanzador, de pura ciencia ficción y coherente con el resto del guión. Y es que podríamos decir que Código Fuente es una especie de Atrapado en el tiempo pero a mayor escala y que cambia la fantasía por la ciencia ficción. Y ambas comparten ese espacio para el final feliz que te dejará con un buen sabor de boca.

La matanza de Texas: el origen (Jonathan Liebesman, 2006)

2011-08-27T01:11:00.000+02:00

Los clásicos no deben remakearse. Eso es un hecho. Porque casi siempre sale peor el remake que el original. Pero a veces el resultado es hasta decente, como el caso de la más que buena Halloween, el origen, y ahora también el de esta precuela-origen del título de culto de Tobe Hooper. Esta cinta arranca con nada menos que el nacimiento del mito, y cuando digo nacimiento, quiero decir parto. Literalmente vemos el grotesco alumbramiento del futuro Leatherface, en medio de un matadero sucio y nacido de una mujer a la que llamar fea es insultar a la fealdad. E igual que el Michael Myers de Rob Zombie, este Leatherface se convierte en un gigantesco hijo de la gran puta (curiosamente es el tío que hacía del wrestler ruso Zangief en aquel bodrio de Van Damme llamado Street Fighter: la última batalla), medio chalado pero sin el medio, y con una deformidad facial que le hace llevar siempre máscaras que después irá perfeccionando gracias a su nueva... afición. Pero ¡ay, si solo fuera Leatherface el que está como una regadera! Su familia no es menos, y la sucesión de asesinatos, muertes y torturas no paran. Además, se logra crear una atmósfera malsana, oscura y grotesca muy similar a la primera, algo que es todo un acierto, y se logra un punto mayor de repugnancia muy a lo Las colinas tienen ojos, ya me entendéis. Hay sangre, casquería, dolor y mucha mugre. Este es un aspecto que parece estar cobrando fuerza en esta clase de pelis, el hecho de pintarnos a la familia asesina lo más fea, guarra y revolcada en la inmundicia posible, para que te causen repugnancia y terror a proporciones iguales. En cualquier caso la película cumple, entretiene, sufres por los protagonistas y el final es demoledoramente desesperanzador y a la vez aplastantemente lógico y coherente. Porque no os olvidéis: esto es una PRECUELA. Así que todo lo que ya conocemos, estaba por llegar.

Evil Things (Dominic Pérez, 2009)

2011-08-26T17:35:00.000+02:00

Me juré a mí mismo tras ver esta puta mierda que el género mockumentary y yo habíamos terminado, pero luego voy y me bajo la siguiente mierda que cuelgan en peliculasyonkis. Tengo un problema, lo sé.
Esta película no tiene absolutamente nada de nuevo, ni de especial, ni de nada. Aunque eso no puedo criticarlo, porque me lo olía. Pero al menos, normalmente, estos mockumentaries cámara en mano suelen tener esos 5 minutos finales salvables, con un plano secuencia de infarto, en el que entre gritos, oscuridad y remeneo de cámara, al menos se pasa un mínimo de tensión. Pero aquí ni eso. Aquí la historia no tiene nada de sobrenatural, lo cual ya me engañó totalmente desde el principio. Más bien es una road movie en la que un misterioso acosador acecha a los protagonistas cuando éstos van a pasar un fin de semana a una casa en las afueras. Lo primero y más inexplicable (pero ya una constante imprescindible de este género) es por qué uno de los jóvenes no deja de grabar hasta las cosas más absurdas. Pero esto es un rollazo de la hostia, parece un vídeo casero hasta el último momento en el que vemos la incursión del asesino en la casa, pero incluso en esos últimos momentos del clímax final, jamás hay sangre, ni acción, ni tensión. Una vez más se emplea también el recurso de la cámara con visión nocturna, pero la falta de recursos cinematográficos y de empleo del suspense o de la tensión hace que la escena no diga absolutamente nada. Sí, todos mueren y punto; y a ti, como espectador, te la va a sudar. Así que te pasas 85 minutos esperando los 5 minutos finales, y luego resulta que ni siquiera te salvan la película, luego este esperpento no tiene ningún, pero ningún aliciente que justifique su visionado. Avisados quedáis, pero seguro que entre vosotros hay más de un masoca como yo.

Demolition Man (Marco Brambilla, 1993)

2011-08-25T16:51:00.000+02:00

Esta es otra de esas películas que marcaron a los chavales de mi generación, los que en los noventa ya teníamos edad de ir al cine con los amigos. Acción, humor y tipos duros protagonizando una historia ambientada en un futuro no demasiado lejano, con Stallone y Wesley Snipes como bueno y villano, respectivamente. Stallone es John Spartan, un nombre cojonudo para este policía rudo que acaba congelado en una crioprisión por culpa de su archienemigo, Simon Phoenix. Pero claro, cuando el futuro se ha convertido en un lugar poblado por lelos que cantan sintonías de anuncios de TV, sin violencia ni medios para combatirla, con sexo cibernético, multas por cada palabrota y Pizza Hut en todas partes, es necesario combatir el fuego con el fuego y John Spartan tiene que ser descongelado para luchar de nuevo contra Simon, que ha sido traido de vuelta por alguien que quiere aprovecharse de él como te podrías aprovechar de soltar un pitbull en un gallinero. Y es que en ese contexto, Simon dice muere más que nunca.
Lo mejor de esta película, aparte de su acción sin freno llena de peleas, tiros y explosiones, es su sentido del humor. Spartan es todo un pez fuera del agua, un machote a la vieja usanza puesto en libertad en un mundo de mariconas. Y ese punto es el más divertido, con Stallone alucinando con cada nueva chorrada que descubre en ese nuevo San Angeles, usando el papel de las multas para limpiarse el culo y haciendo jerséis de calceta como parte de su reprogramación cerebral. La verdad es que es difícil criticar esta cinta en términos cinematográficos. Supongo que nada es demasiado bueno, ni la dirección ni las actuaciones, pero todo es tan noventero, divertido y ceporro que este, para mí, es uno de los clásicos indispensables de mi generación. Además, llevo media vida tratando de saber cómo coño se usan las tres conchas de los cojones.

Hellboy (Guillermo del Toro, 2004)

2011-08-25T16:28:00.000+02:00

Los nazis querían un demonio y obtuvieron un demonio, pero éste fue recogido por los aliados y criado por un buen hombre que lo trató como un hijo y no como un ser de las profundidades del infierno. Así que este gigantón rojo, enorme, maleducado y grosero, con ácido sentido del humor, enorme apetito y amante de los gatos, se convirtió en una especie de antihéroe que de mayor lidiaría contra fuerzas sobrenaturales desde la organización en la que trabaja. Siempre que no se le olvide limarse bien los cuernos con la radial, porque si no... Houston, tenemos un problema.
Esta es la idea general de Hellboy, adaptación del popular personaje de cómic llevada a cabo por el director que pareció nacer para ello: Guillermo del Toro. Quién mejor que él, con su estilo tan particular y fantástico de dirigir y crear atmósferas irreales para transformar en cine una historia donde el bueno es un demonio. Y quién mejor que Ron Perlman para interpretar a Hellboy, si el hijo de puta ya tiene la cara de Hellboy. Otro de esos casos de born-to-be.
La historia, fuertemente fantástica y cargada de humor, no reniega de sus raíces de cómic. De hecho, la película se antoja como un cómic, y como tal hay que tomarlo. No es un thriller, no es terror, no es ciencia ficción, pero posee esa amalgama de fantasía, humor, romance y acción salvaje que caracteriza la obra de Mike Mignola. Con sus correctísimos secundarios (salvo Selma Blair, que aunque guapa parece que va siempre con cara de fumada), el reparto también es punto fuerte en esta obra, que jamás aburre, que se completa con unos buenos efectos especiales (si bien no extraordinarios), un genial maquillaje de los protagonistas monstruosos y un montón de diversión socarrona.

La teniente O'Neal (Ridley Scott, 1997)

2011-08-23T16:10:00.002+02:00

Yo es que no me puedo creer que el director de esta película sea el mismo que el de Gladiator. O que el oficial en jefe sea el magnífico Aragorn de la trilogía de Peter Jackson. ¿Qué les pasó en 1997? ¿No encontraban más proyectos y se metieron en la primera mierda que les ofrecieron?
Muchos me condenarán por esta crítica, pero de verdad, es lo que siento. La teniente O'Neil es un puto panfleto pro-feminista y pro-militar. En sus dos horazas de metraje te viene a insuflar en el cerebro, en plan subliminal como el mensaje de reclutamiento de Los Simpsons, que ser un Navy-Seal mola que te cagas. Y si encima eres un Navy-Seal sin badajo y con un buen par de peras, ya eres lo más de lo más. Eso sí, aunque para ello tengas que comportarte como un auténtico transexual hormonado, hacer más dominadas que Ronnie Coleman y espetar improperios como "chúpeme la polla". O sea, a ver si lo pillo: ¿la mujer en el ejército es lo más... siempre que se comporte como un jodido marimacho? Me lo expliquen otra vez. Mí no entender.
Ahora vamos con lo bueno. ¿Es aburrida? No, por favor. Es entretenida a más no poder. ¿Interpretaciones? Pues las justas y necesarias. Demi Moore jamás ha interpretado en su vida o sea que aquí no iba a ser una excepción, y Viggo Mortensen hace lo que buenamente puede y hasta te crees que es un supermegatópico oficial jefe machista y sexista que no tolera la presencia femenina en su unidad. Todo esto es remeneado con más alegados pseudopolíticos sobre las lesbianas en el ejército, y lo que obtienes es una cinta bien dirigida que hace las delicias de muchísimas mujeres (la mía, por ejemplo, tiene esta película en un pedestal) y hasta de muchos hombres que buscan un rato de acción militar. O sea que esto será cosa mía, pero yo veo esta película y me parece una mierda. Bien presentada, pero mierda al fin y al cabo. Lo único que sí que es digno de elogio es la preparación física de Moore y que pudieran rodar la escena del corte de pelo en una sola toma. Aunque por la pasta que le pagaron por ello... ¡Aniram alne etatsila!

La isla de los condenados (Scott Wipper, 2007)

2011-08-22T15:36:00.000+02:00

Como Chuck Norris, Van Damme, Chuache y compañía están ya un poco talluditos, el moderno cine de acción se está abasteciendo de los nuevos mamporreros del wrestling. Si en mi época eran Hulk Hogan y el Último Guerrero, los Sacamantecas y el Cariñoso o Jake "Snake" Roberts y el Enterrador, ahora otra generación de moles de cuadrilátero saltan de su ring de pega a las pantallas de cine. O bueno, casi siempre a las estanterías del videoclub, para qué mentir.
Steve Austin es uno de esos casos de wrestler reconvertido en actor. Con su 1,90 y 115 kilos de pura hipertrofia, era carne de cintas directas a DVD. ¿Que interpreta como los cojones? Bueno, y qué, citadme un solo actor español bueno. ¿A que cuesta? Pues dejad a Austin en paz, que también tendrá su corazoncito. A punto de reventar, eso sí.
La idea de La isla de los condenados es una especie de fusión entre Battle Royale (que casualmente vi hace poco) y el Gran Hermano. Se trata de una especie de retransmisión por internet consistente en soltar en una isla a un montón de presos condenados a muerte para que se maten, con la promesa de que el superviviente y ganador será indultado. Todos son técnicamente hombres muertos, de ahí el vacío legal del que se aprovecha el organizador de la movida. Pero claro, entre tanto asesino, violador y terrorista también está el bueno de Austin, culpado de cosas que no cometió, y que se convertirá en héroe improvisado frente al malo malísimo que la cinta requería: Vinnie Jones, el ex-futbolista también reconvertido a actor. De deportistas va la cosa.
Qué decir, semejante argumento da para lo que da. Acción, violencia, muertes, un puntillo de tensión y muchas hostias. Además, en sus 113 minutos el director aprovecha mucho mejor sus recursos que Battle Royale, y es muchísimo más divertida y cafre. Quizá también porque resulta más fácil empatizar con una cinta occidental que con la sobreactuación japo. A saber. El caso es que sin ser una obra maestra, lo mejor que se le puede decir a esta película dirigida por casi un debutante y protagonizada por un wrestler y un ex-futbolista, es que está bastante mejor de lo que cabría esperar. Un chute de testosterona, adrenalina y Winstrol directo a la vena.

El planeta de los simios (Tim Burton, 2001)

2011-08-21T15:19:00.001+02:00

Motivado por el peliculón que resultó ser El origen del planeta de los simios, me decidí a revisitar toda la saga. Pero empezando por de la que peor concepto tenía, aquel burdo esperpento que Tim Burton se sacó de la manga hace unos años en forma de remake-reboot-resodomización. Porque eso es lo que recordaba de esta peli, que era una basura infecta de la que solo se salvaba el maquillaje de los simios (bajo el cual había actores de la talla de Michael Clarke-Duncan, Helena Bonham-Carter o Tim Roth). Protagonizando estaba Marky Mark, y tras la cámara, como decía, el estrambótico Tim Burton, un tipo raro que sin embargo realiza películas que suelen encantarme. Además, un amigo me comentó que seguro que la película había mejorado con el paso de los años, y que sin duda me gustaría mucho más. Qué coño, me dije, pues vamos a verla. En peores garitas hemos hecho guardia.

Qué cabrito, mi amigo. Cómo me la metió doblada.

Pues no, no ha mejorado. Quizá solo un poco, porque al recordarla tan nefasta me pareció al menos entretenida. Pero sigue teniendo muchas carencias, sobre todo interpretativas. Y eso que los monos lo hacen bien, pero ver aquí a actores de renombre caracterizados con kilos de maquillaje y prótesis interpretando a los simios, solo me ha hecho apreciar todavía más el genial trabajo de Andy Serkis insuflando vida a su César CGI-motion capture en la precuela de Rupert Wyatt. Esta película es un film de aventuras al uso, al que no le falta ni siquiera la rubia tía buena y medio lela, pero carece absolutamente de ninguna épica. No emociona cuando debe, la acción tampoco es fantástica y el guión es un calco del original de los sesenta, salvo el final, que es de cosecha propia... y vaya telita de final. Indigno, rarísimo, forzado, un auténtico WTF de final en toda regla. Decir como únicos buenos puntos que la ambientación y el maquillaje son, efectivamente, tan buenos como los recordaba. Pero poquito más. Para todo lo demás, la de Charlton Heston. Y para ver un reboot bueno, la nueva. He dicho.

Dragon Fire (Rick Jacobson, 1993)

2011-08-20T15:11:00.001+02:00

En los noventa, muchos fueron los que quisieron cogerse al carro del amigo Van Damme. Y no me refiero a inflarse a putas y farlopa (que también), sino a “triunfar” como “actores” del cine de acción. Recuerdo de aquella época alguna que otra peli que llegó a ser un puntazo momentáneo, pero que se esfumaron tan rápido como despuntaron. Por ejemplo el Arma Perfecta de Jeff Speakman o la Solo el más fuerte de Mark “Bailando con las estrellas” Dacascos tuvieron su momento, pero nada comparado con las Kickboxer o Contacto Sangriento del belga hiperflexible y megamusculado. En 1993, un amigo y yo descubrimos otra de aquellas intentonas de crear un nuevo Jean Claude. Copiando el esquema de torneo guarrete de Contacto Sangriento y todos los tópicos del género (prota que busca a un familiar/amigo/amante asesinado por un campeón muy malo que además le matará al colega que hace en el torneo durante el cual también tendrá tiempo para calzarse a una rubia), nacía esto que fue llamado Dragon Fire. Protagonizó un tal Dominic LaBanca, artista marcial de estilo indeterminado que daba el salto de ser coordinador de dobles a protagonista de una serie B absoluta, desconocido por aquel entonces y desconocido después. Y es que el chaval pegaba bien, pero le fallaba el físico, que ni de lejos era tan imponente como el de Van Damme, y que pese a ser un luchador con estilo, no se le veía excesivamente estético pegando. Como malo malísimo teníamos a Michael Blanks, enchufado hermano de Billy Blanks, otro de esos actores que logró hacerse una carrera en el cine marcial de los noventa, muy por debajo de la “primera división” pero lo suficiente como para haber vivido de ello. Algunas de las frases del guión de Blanks son escacharrantes, como cuando alude a la serpiente que le cuelga entre las patas, o todo el rollo de “fuerza máxima, fuerza extrema” que los luchadores repiten mientras se dan de leches. Además (esto me encanta) el personaje de Blanks se llama Ahmed Mustafa, pero él no se quita en toda la película un cacho de colgante de oro tipo motherfucker con las iniciales MB. Las suyas, claro. Pero se ve que ve que en Dragon Fire, el atrezzo te lo traías de casa.
Dicho esto, huelga decir que toda la peli está impregnada de un cutrismo extremo, muy a lo Cannon pero quizá incluso más. La fotografía es oscura, los luchadores secundarios carecen de técnica y de carisma, las coreografías no son buenas ni están bien filmadas, y las interpretaciones son lamentables. Mención especial al vende-clínex que le ponen como colega a LaBanca, que parece sacado de un concierto heavy guarro. Le falta la litrona al hijoputa. Y también a la pelea final, rodada con el puto culo y con la derrota más gilipollas que podáis pensar. En fin, reconozco que yo también flipé con esta peli hace casi 20 años… pero joder, es que fue hace casi 20 años. Y nos guste o no, como Van Damme no hubo otro en los noventa, por más que lo intentaron encontrar.

Battle Royale (Kinji Fukasaku, 2000)

2011-08-18T14:33:00.000+02:00

Imaginad Humor amarillo pero con bajas. Bueno, con más bajas, quiero decir. Imaginad que en vez de a Takeshi disparando balas de corcho o haciendo que concursantes ridículos corran sobre zamburguesas y se den el hostión padre, aquí tenemos a Takeshi metiendo a un montón de estudiantes en una isla, cada uno con un arma, con la misión de matarse entre ellos o morir. Esa es, básicamente, la premisa de Battle Royale, cinta de culto (y desvarío absoluto) del cine oriental de los últimos años, cargada de gore a su estilo (nada demasiado salvaje, la verdad) y de sobreactuación japo a saco. Qué malos son los actores japoneses, por Dios. No hay por dónde empatizar con esta gente, constantemente estaba deseando que se mataran entre ellos o que cayera una jodida bomba nuclear y acabara con toda la puta isla.
Pero bueno, reconozco que la idea es buena, muy original. Ambientada en un futuro cercano en el que la violencia es tal problema que el gobierno toma medidas absolutamente grotescas, como las de escoger a una clase de instituto al azar para enviarla a combatir a muerte en el juego llamado Battle Royale, la película se torna casi creíble en su argumento. Pero claro, no en sus interpretaciones, ni en las relaciones que surgen entre los personajes, más estereotípicos que nada (no falta el típico loco que se inscribe voluntario al juego por el placer de matar, ni el ganador enviado a la fuerza por segunda vez). Además, casi dos horas es un metraje peligrosamente largo para un film de estas características, que podría haberse ventilado con más dinamismo y menos rollo en 85-90 minutitos. Resumiendo, aunque sea una de esas pelis que todo el mundo te dice que hay que ver... pues qué quieres que te diga, yo si me la hubiera perdido tampoco hubiera pasado nada.

Los Pitufos (Raja Gosnell, 2011)

2011-08-16T14:08:00.000+02:00

Esto es lo que se ha merendado a Green Lantern en taquilla este verano. Y después de haberla visto, una vez más no lo entiendo. ¿Es buena Los Pitufos? ¡Joder, no! ¿Pero es mala? Pues hombre, mala tampoco. Es lo que es, y supongo que es todo lo buena que puede ser una película sobre duendecillos azules que viven en setas gobernados por un patriarca barbudo (cual clan gitano), luchando contra sus hormonas para no acabar haciendo una bacanal azul con la única pitufa hembra del pueblo. Porque este aspecto siempre ha tenido cojones, no me digáis que no. Aunque aquí lo medio expliquen, yo sigo quedándome con la duda de cómo es posible que no se la cepillen todos.
Como puntos a favor, podríamos destacar la caracterización de Hank Azaria como Gargamel, muy lograda y similar a la de los dibujos. Los propios pitufos también están bien hechos, aunque la animación y la interacción con los actores reales no es ninguna maravilla (y el 3D no lo he visto pero dicen que es bastante fulañero). Ah, y los actores... pues hacen lo que pueden. Neil Patrick Harris está solvente, pero por exigencias del guión su papel está muy lejos de resultar tan divertido como el que interpreta en Cómo conocí a vuestra madre. Simplemente cumple el típico rol de adicto al trabajo al que los pitufos le insuflarán con su visita el valor de la familia, etc., etc. Por suerte para los diabéticos, no está contado de forma demasiado empalagosa, los pitufos son moderadamente divertidos y Gargamel es un malo muy suavecito, que la peli es para niños al fin y al cabo. Pero bueno, no diré que no sea entretenida. Pero ¿como para recaudar más que Green Lantern? ¡¡¡No me pitufes!!!

El origen del planeta de los simios (Rupert Wyatt, 2011)

2011-08-15T13:44:00.000+02:00

Ya han pasado más de 40 años desde que Charlton Heston, a lo pecho lobo, se las viera por primera vez con aquel planeta dominado por simios inteligentes en el que los humanos se habían convertido en seres inferiores condenados a la esclavitud. Aquel planeta que era el nuestro, claro, pero en un futuro indeterminado. Pues bien, con todo lo que la moderna tecnología informática y de motion capture puede ofrecer hoy en día, aquí nos llega este verano la historia del origen de todo aquello. Una historia que pretende contarnos cómo los simios llegaron a hacerse inteligentes gracias a un superfármaco para combatir el Alzheimer, y cómo empezó su alzamiento hasta convertirse en especie dominante de la Tierra. Y joder, de qué manera nos lo han contado. Esta es la típica película que te mantiene con el culo pegado a la butaca durante sus dos horas, gracias a una amalgama de elementos que la convierten en el blockbuster por excelencia de este veranito. Tiene emoción, un toque de drama, un buen pellizco de épica, muchísima acción y unos efectos especiales ante los que hay que ponerse de rodillas, además de unos personajes de los que calan. Pero curiosamente no son los humanos, sino los simios animados los que sobreviven en la memoria del espectador. Y no me refiero solo por lo espectacularmente hechos que están, sino por la humanidad que transmiten, sobre todo su protagonista: César. Una interpretación sublime y brutalmente física del rey de la motion capture, Andy Serkis, que logra imprimirle a un gráfico de ordenador más vida que todos los actores españoles a sus papeles. Es controvertido el tema de nominar a un Oscar a un actor que en realidad no aparece en pantalla, pero sin duda el trabajo de Serkis dando alma al chimpancé César es digno del más alto reconocimiento. Hay momentos absolutamente brutales, desde el abandono de César, su inicio de revolución en el refugio (la escena en la que se gana la amistad del gorila es genial), el poderoso grito de "¡no!" que da el pistoletazo a la revolución, o todo el salvaje tour de force final en el que cuando se monta a caballo ya tienes los pelos como escarpias y ya no digamos cuando le habla al oído a quien fuera su amo. Simplemente brutal. Así que supongo que si este verano solo piensas ir al cine una vez, tu elección debería ser El origen del planeta de los simios.

The haunted house project (Deserted House) (Lee Cheol-ha, 2010)

2011-08-10T08:47:00.007+02:00

Bueno, ya es oficial: estoy hasta los cojones de las películas tipo "activity". Paranormal Activity estuvo muy bien, y su secuela incluso mejor en ciertos aspectos, aunque no nos olvidemos que en sí ya eran una reinterpretación de El proyecto de la Bruja de Blair. Pero es que joder, desde que el film casero de Oren Peli la petó, esto ha sido un puto no parar. Entre The Assylum y lo que no es The Assylum, nos han metido con calzador un capazo de refritos-remakes-cortapegas de Paranormal Activity, a saber, desde Paranormal Entity, Paranormal Activity 2: Tokio Night (versión japo que lo de "2" se lo saca del ojo de Sauron, porque no es una secuela oficial sino otra puta explotaition), 8213: Gacy House, que va de la casa maldita (¡¡maldita, Luis!! Si no se llamaría Cortijo el Molino, Finca Maria Luisa...) del asesino John Wayne Gacy, y bueno, no cuento esta mierda tampoco porque no es exactamente sobrenatural. Y seguro que hay más.

Creo que ya está bien, ¿no? ¿No hemos quemado ya suficientemente el género de cámara en mano y falso documental? ¿No es suficiente ya con la tercera secuela-precuela de Paranormal Activity que se estrena este año?

Pues no. Corea del Sur dice que por los cojones. Y es que claro, con el precedente sentado por Oren Peli y los escasos medios técnicos y artísticos que hacen falta, pues ahora cualquier imbécil coge a su novia, a sus amigos y una casa abandonada y los humilla haciéndolos participar en una peli-activity. Esta que vi ayer es insufrible, pero no menos ni más que las anteriores, sino que el problema es que esto ya está quemado. Muy quemado. Ya sabemos que no vamos a ver nada claro en toda la película. Que vamos a oír ruidos fuera de cámara, a ver movimientos mareantes del objetivo, gente gritando y corriendo y escenas totalmente a oscuras con respiración agitada. Como mucho habrá un pequeño tour de force final que durará 5 minutos (y que desde luego no justifican el coñazo de la hora y pico anterior), tras lo cual veremos un careto demoníaco, o fantasmal ante la cámara y se acabó la peli. Todas repiten el mismo patrón. Y chico, yo ya estoy harto. Ya no doy un duro por el género mockumentary de casas encantadas. En menos de 4 años han conseguido encumbrarlo y quemarlo.

En fin, que no veáis esta mierda. Paranormal Activity le pega 20 vueltas, aunque solo sea en originalidad. Pero si quieres originalidad y miedito del bueno, El proyecto de la Bruja de Blair es tu película. No lo dudes.

Super 8 (J.J. Abrams, 2011)

2011-08-09T08:22:00.005+02:00

Ya está pasando. Al señor J.J. Abrams se le está subiendo a la cabeza su estatus de protegido de Hollywood. Esta película ha nacido ya convertida en estrella, pero... ¿qué es más difícil? ¿Sacarse un 10 o que te den directamente el 10 y tengas que mantenerlo? En este caso, la película no lo consigue. No seré yo quien diga que no ha disfrutado con el tono ochentero de la historia, de la ambientación y del guión, cuya relación entre el grupo de amigos prepúberes tanto recuerda a clásicos como Los Goonies, E.T., o incluso It (Eso). Todo está bañado de ese encanto añejo que pretende emular al cine de los años ochenta, y además la idea central de ciencia-ficción también es de lo más ochentera, puesto que no es otra cosa que un alienígena desesperado por volver a su casa después de años de cautiverio y maltrato por el gobierno (lo que justifica su cabreo, claro). Pero donde el de Spielberg era entrañable y tierno (aunque es lo más parecido a un hombre de mierda que he visto), el de Abrams es, claro está, un monstruo a lo Cloverfield. Bueno, supongo, porque como la fotografía es tan oscura como los huevos de un orco, no se llega a ver nunca absolutamente nada con claridad. Un tentáculo por aquí, una boca por allá, una figura acangrejada trepando... Pero nunca un plano claro del bicho. Como siempre, Abrams jugando al despiste para conservar el misterio, pero a mí ese mostrar tan poco ya me empieza a tocar las narices.

Pero no es esa falta de claridad, o el aspecto del monstruo la única similitud con Monstruoso, porque también comparte la parte del rescate. En aquella, un joven enamorado cruzaba Nueva York en pleno ataque del monstruo para salvar a su chica; y en ésta, el adolescente protagonista se mete en la propia guarida del alien para rescatar a la suya. Lo que no comparten ambas es el final, ya que si en la primera era realista y desesperanzador, aquí tiene ese tono feliz del cine de la época que pretende plasmar. Pero vamos, tengo que admitir que le tenía muchas ganas a esta peli, y aunque sí que es un homenaje a ese cine de nuestra infancia, se me ha hecho algo aburridilla, quizá porque carece de algo que aquellas viejas pelis sí tenían: magia. Abrams y Spielberg nos la han colado. Super 8, Super 8.... ¡¡¡¡¡por el culo te la entocho!!!!!

Caperucita Roja (¿A quién tienes miedo?) (Catherine Hardwicke, 2011)

2011-08-09T00:03:00.002+02:00

"De la directora de Crepúsculo", según para quién, puede ser más una advertencia que un slogan publicitario. Pero bueno, igual que me pasó con la peli de vampiros que brillan al sol, me esperaba que esta película sobre el cuento de Caperucita Roja fuera absolutamente insoportable, pero mira... no está mal. Incluso es entretenida a su manera.
Desde luego aquí el cuento está adaptado muy libremente, transformando los elementos populares en más fantásticos. El típico lobo feroz es aquí un hombre lobo asesino, y cómo no, al estar la directora de Crepúsculo por medio, había que meter un triángulo amoroso. En este caso, Caperucita está prometida a la fuerza con un apuesto joven del pueblo, pero en realidad está enamorada y liada con un pobretón leñador. Cuando el hombre lobo empieza a matar, hará su aparición el personaje de Gary Oldman, muy bien llevado, por cierto. Oldman interpreta a un reverendo que tuvo que matar a su propia esposa, convertida en hombre lobo, y que después se convirtió en un reputado caza-lobos. Estricto, severo y despiadado, no duda en torturar a quien considere oportuno, como un buen inquisidor.
Lo bueno del argumento es que no es demasiado obvio. Juega al despiste con buen tino, eliminando de la escena siempre a los cuatro o cinco principales sospechosos de ser el hombre lobo, sospechosos que, por supuesto, siempre incluyen a los dos amores de la Caperuza, a su padre e incluso a su tierna abuelita. Cuando llega el final y se descubre quién es en realidad, no puede decirse que sea una enorme sorpresa, pero al menos es honesto y conserva su punto de misterio. Destacaría también que el guión no se regodea en la ñoñería, que el triángulo amoroso no es lo más importante y que la historia es, realmente, la del lobo y su relación psíquica con Caperucita, así como la del propio misterio de su identidad y la aventura de su caza. También destacar que la ambientación y el diseño de producción es excelente, reflejando muy bien ese aire de cuento no exento de cierto puntillo de crudeza. El justo, eso sí, que nadie se espere una película de hombres lobo a lo salvaje. Además, la banda sonora y la fotografía también son muy bonitas, así que casi me molesta reconocer que esta película está bastante chula, para mi sorpresa. ¿Me estaré amariconando?

La herencia Valdemar II: La sombra prohibida (José Luis Alemán, 2011)

2011-08-08T00:00:00.000+02:00

Nuevos personajes, y por ende nuevos actores, hacen acto de presencia en esta segunda parte. Tras el prólogo-resumen que te cuenta lo más necesario de la primera entrega, toma gran parte del protagonismo el papel del detective interpretado por Óscar Jaenada, un actor que ha ido de más (Camarón) a menos (Piratas... No comments). Aquí, como era de esperar, está para que lo fusilen, como el resto del reparto de actores reciclados de Al salir de clase y Hospital Central. Solo se salva Paul Naschy y porque fue un grande del terror, aunque me da un poco de lástima que este haya sido su último papel, relegado a un simple mayordomo apenas sin líneas ni presencia.
La historia se complica con la aparición de una secta que pretende completar un ritual para traer a un demonio, algo superoriginal y nunca visto en el cine de miedo, ¿a que no? Por supuesto, personajes conocidos de la trama aparecerán como líderes de la secta, en lo que pretende ser un giro de guión sorprendente que no sorprende ni al tato. El ritmo es más lento, las escenas más forzadas (ejemplo: la de la cueva, con su penosa destrucción del puente de piedra y la persecución de ese monstruito digital por los techos) y la fotografía igual de oscura. Además, el final tampoco se salva de la quema, pretendiendo ir de final feliz en el que la maldición se termina y los supervivientes quedan a salvo, y eso sin mencionar la aparición del demonio-kraken-loquesea. En fin, cine español de terror, ¿qué esperábamos? Al menos sirve para pasar el rato, y creedme, las hemos hecho muuuuucho peores.

La herencia Valdemar (José Luis Alemán, 2009)

2011-08-07T23:55:00.001+02:00

Una vez más, el cine español se la juega con una de sus incursiones en el terreno de lo fantástico-terrorífico. Y una vez más, es una cagada. No me malinterpretéis, esto no es una de las copro-ducciones de la Fantastic, pero igualmente estamos ante una mala película alargada innecesariamente en dos partes. ¿Por qué? Si la historia ya no era buena para una sola peli, ¿por qué estirarla para hacer dos?
Esta primera entrega nos cuenta la historia de una tasadora de fincas que es enviada a tasar la mansión Valdemar, sobre la que hay un montón de leyendas. En la mansión, la chavala descubre el cadáver de su predecesor, una extraña criatura y más fenómenos extraños, amén de personajes no menos extraños que los propios fenómenos, como el guarda de la parcela. Mediante flashbacks conocemos la historia del matrimonio Valdemar, obsesionados con el espiritismo y con el libro Necronomicón, y la peli termina cuando la Sra. Valdemar tiene que entregarse al demonio para salvar a su esposo. Mientras, en el presente, la trama sigue con la búsqueda de la tasadora (que a todo esto lleva varios días desaparecida) por parte de sus jefes y de un detective, y termina de una abrupta forma dado que, como decíamos, esto es la primera entrega de una peli en dos partes. La verdad, nada a destacar ni a machacar. La peli es lenta, pero la ambientación no está mal, aunque los actores españoles, como casi siempre, van bastante justos. La fotografía es demasiado oscura todo el rato, pero se entiende en la historia, y los pocos efectos visuales mostrados con competentes. Pero vamos, sin ser mala, tampoco es para tirar cohetes... Pero esperad, que la segunda parte ya se va de madre, para no variar.

Catwoman (Pitof, 2004)

2011-08-06T09:06:00.000+02:00

Para que no digáis que solo me meto con Marvel porque soy de la otra, también tengo caña para la DC. Si Elektra era una auténtica y genuina basura infecta, Catwoman es una infecta basura. Y tú dirás: ¿cuál de las dos es más puta mierda? Pues las dos. Pero yo creo que a Catwoman la veías venir de lejos. Una película por la que todo el mundo ha pedido perdón hasta la saciedad, por la que Halle Berry incluso recogió su Razzie a la Peor Actriz, y tras la cual su director (un tipo de nombre Pitof) no ha vuelto a trabajar. Bueno, seguramente de camarero, pero no en el cine. Y desde luego no en los USA. Ahí no puede entrar ni con visado.

Catwoman escupe, defeca, orina y pota sobre el personaje del cómic. Personaje que no es que sea ninguna maravilla, pero que tiene su punto, aunque en general los personajes femeninos de cómic son una mierda. Pero donde Tim Burton hizo un buena versión y una excelente elección con Michelle Pfeiffer, Pitof erró totalmente en coger a Halle Berry. ¿Por qué una actriz negra? ¿Para ganar más público? ¿Para tener la excusa de emplear musiquita tipo oh-oh-oh-yeah-yeah a lo Beyoncé y de vestir a la prota de forma étnica? Desde el minuto 1 Catwoman se convierte en un alegato de que ser negra mola, y de que si encima eres mujer, pues ya eres la hostia y el mundo es tuyo. Todo a ritmo de coros negros y con los movimientos de culo de la Berry, vestida como un putón y no como una ladrona, que vuelvo a decir lo mismo que con Elektra: está para quitarle el color a lametones, pero no es eso lo que quiero ver en una película "normal". Ya hay otro cine que satisface esas necesidades más primarias.

Pero dos aspectos sobresalen en esta película. Por si el rollito negro y girl power no es suficiente, la película cuenta con los peores efectos especiales que 100 millones de dólares pueden pagar. No es que se note el ordenador: es que es un puto videojuego. La animación de Catwoman por los tejados es vergonzosa, sin palabras. Y luego tenemos la valiosa aportación de Sharon Stone como villana. Una villana (atención, que esto es verdad) que tiene el rostro endurecido como piedra a base de usar una crema antiarrugas, y cuyo plan demoníaco es distribuirla por el mundo. O sea, ¿quién escribió esto? ¿Sigue trabajando? ¿Por qué?

Como siempre, preguntas sin respuesta. Otra película asquerosamente mala sobre una antiheroína femenina, rodada con el culo e interpretada con los cojones. Un esperpento de circo que ya forma parte de esa pequeña historia de mierda que tiene la DC en el cine. Esperemos que Nolan sea capaz de hacer algo mejor con su Catwoman y que algún día, esto, solo sea un recuerdo borroso como los CGI de Halle Berry saltando por los tejados...

Elektra (Rob Bowman, 2005)

2011-08-06T08:39:00.001+02:00

ATENCIÓN, MARVELIANOS: El siguiente artículo puede herir tu sensibilidad. Si eres de los que disfruta del maravilloso sabor del culo de Stan Lee y adoras sacarle brillo a lengüetazo limpio, yo que tú no seguiría leyendo. Estás advertido, lechón.

Que últimamente Marvel parte la pana en el cine de superhéroes, es un hecho indiscutible. Pero hubo un tiempo en el que no solo hacían películas insulsas e infantiles como las dos de Los 4 Fantásticos, sino que hacían auténtica mierda de la peor calaña. Vale, seguro que ahora hay alguno que está diciendo que si Ironman mola, que si Thor, que si Vengadores va a ser un pelotazo... OK. Pero un crimen es un crimen, amigos, aunque después hagas 1000 buenas obras. Y Elektra es un crimen contra el cine, contra la inteligencia del espectador y contra los pajilleros lectores de su cómic de corta vida.

Para más inri, Elektra es un spin-off de otra película a la que catalogar de mala es hacerle un favor: Daredevil. Aquella aberración abyecta en la que Ben Affleck paseaba su caraza por toda la cinta, se enfrentaba a un Kingpin negro e inútil y a un malo ridículo con una diana en la frente. Pero entre todo aquello sobresalía un personaje con posibilidades. Con posibilidades de hacer el ridículo más espantoso, claro: Elektra, una guerrera ninja megaguay y supertiabuenorra que tenía que vengar la muerte de su padre. En esta película propia, Elektra sigue siendo igual de ridícula, vestida con lencería (muy cómodo para matar, lo recomiendan 10 de cada 8 artistas marciales asesinos) y enfrentada a una especie de yakuza sobrenatural. Los malos son otra bizarrada, desde un tipo que proyecta sus tatuajes CGI, una tiparraca que lanza besos de la muerte o un malo final que se mueve muy rápido (?).

El guión es insufrible, la dirección pretenciosa y orientalizada (se ve que el tipo quería imprimirle filosofía ninja y no se le ocurría otra manera que rodando planos de cortinas volando a cámara lenta) y los actores están de patíbulo. Todos. Y no me vengáis con que Jennifer Garner está muy buena y tal, porque sí, lo está, pero si quiero ver tías buenas (y enseñando más carnaza) no me pongo UNA PELÍCULA DE ACCIÓN. ¿Queda claro el concepto, malditos onanistas?

Resumiendo: auténtica basura infecta que nunca debería haberse estrenado en cines. Nunca debería haber existido, qué coño. Esperemos que algún día Daredevil tenga un reinicio en condiciones y le haga justicia a sus personajes. Aunque da igual, porque Elektra es un personaje penoso de todas formas.

Capitán América: el primer vengador (Joe Johnston, 2011)

2011-08-05T08:30:00.000+02:00

¿Recordáis lo que comentaba de Green Lantern? Con esta película he salido del cine igual de satisfecho que con la de Martin Campbell, quizá incluso un pelín menos. Pero ahora veo que en solo una semana y pico, Capitán América: el primer vengador, ya es un éxito; y Green Lantern sigue comiéndose una mierda sin ya ninguna esperanza de remontar.

Para empezar, yo diferenciaría esta película en dos películas muy diferenciadas. La primera parte sería la protagonizada por el Steve Rogers enclenque, un personaje con el que resulta facilísimo empatizar, alguien tan preñado de buenas intenciones y de coraje y sin embargo tan físicamente incapaz de desempeñarlas. Hasta que Rogers sale de la máquina convertido en el supersoldado perfecto, la peli es genial. Los secundarios, excelentes, desde Tucci como el profesor, Weaving como Schmidt o Lee Jones como el instructor militar. Todo funciona muy bien como cine de aventuras bélicas con ese toque retro y patriótico que no molesta, al contrario. Pero con el Capitán América ya en escena (y después de la divertida parte en la que no es más que un monete de feria del gobierno), la peli se vuelve absolutamente diferente, más cargada de acción y más aburrida al mismo tiempo. Ya no ofrece nada distinto. Nada con lo que se pueda empatizar. Los personajes, antes humanos, se vuelven demasiado súper. Superbueno y superpoderoso el Capi; supermalo Cráneo Rojo, que se convierte en un villano de opereta de esos con ansias de dominación mundial y un aspecto que, aunque bien hecho, da menos miedo que su intérprete a cara descubierta (y es que Hugo Weaving es mucho Hugo Weaving). No faltan heroicidades a tutiplén, romances incipientes y el típico amigo del prota que parece condenado a morir desde el minuto 1 para dar el toque dramático. Y así transcurren los últimos 40 o 50 minutos de película, entre explosiones, peleas, vuelos en avión y con el cubo cósmico de por medio. Lo mejor, el epílogo en el que Rogers despierta en nuestro tiempo, y que con una sola frase le devuelve a la cinta su mejor poder: el de ese sentimentalismo no disimulado ("tenía una cita...", dice tristemente desde ese Times Square luminoso de un tiempo presente que dista 70 años de su presente-pasado). Eso, y la cohesión que Marvel ha sabido imprimir a todas sus cintas para llevarlas a un mismo punto común. Gran mérito, buena película. Pero no mejor que Green Lantern, maldita sea.

Dylan Dog: Los muertos de la noche (Kevin Munroe, 2010)

2011-08-05T08:24:00.001+02:00

A ver cómo lo digo sin rodeos...

Menudo trozo de mojón de película que es esto.

Mira, pues no ha sido tan difícil. Vamos a ver... Una parte de mí sabía que si Dylan Dog lleva casi dos años rodada sin haber encontrado un distribuidor en España, muy buena no tenía que ser. Pero la verdad, no me esperaba que fuera tan asquerosamente mala. Y me jode porque sale Brandon Routh y el chaval me cae bien, pero está claro que haber sido el Superman de Bryan Singer no le ha ayudado precisamente a medrar en su carrera si todo lo que puede protagonizar son películas como esta. Como esta, que es total y absoluta serie B, tirando para Z, pero con ínfulas, que aún es peor.

Para empezar, técnicamente la película es un puto desastre. Las transiciones entre escenas y el propio montaje son un disparate, usando unos efectos malísimos. Además, todas las escenas, y no exagero cuando digo TODAS, son introducidas por la voz en off de Brandon Routh contándonos lo que va a hacer, lo que ha hecho, y lo que se le pasa por la cabeza. Todas. ¿Hay algo más molesto que una película constantemente narrada en voz en off? ¿Hay, de hecho, un recurso cinematográfico peor que la voz en off? En serio que por momentos esto me parecía una versión con un poco más de presupuesto de Las aventuras demoníaco-molonas del padre Michael San Chica. Con deciros que el insufrible secundario gracioso (aquí un zombi) es de lo poco que salva la película, os lo digo todo.

En resumen, Dylan Dog es un detective privado de asuntos paranormales, y aquí se ve en medio de una movida en la que los vampiros quieren resucitar a un demonio para controlarlo, dominar a todas las criaturas sobrenaturales y después a los humanos. Muy de Blade, pero más cutre aún. Sí, MÁS AÚN. El pobre Routh (que está hecho un mulo, eso sí) deambula toda la película poniendo cara de palo, con menos expresividad que el gotelé de una pared, tanto que me dio sincera lástima porque insisto en que su Superman me encantó y que me jode que el chaval no haya tenido oportunidad de haberlo repetido. Pero aquí está mal, muy mal. La pelea final es de traca, el doble de la chavala se nota de lejos (ella está seca como la mojama y a su doble por la espalda se le ven los hombros más musculosos que a Jay Cutler), y los efectos, aunque dignos, no son nada impresionantes y todo siempre demasiado oscuro. En fin, supongo que este personaje será mejor en el cómic de lo que es aquí, porque esto es una mera versión serie B, descafeinada y lamentablemente cómica de Constantine, con toques de Underworld y con demasiados fallos. Cine cutre de manual. Con razón no la distribuye ni su puta madre.

Cabin Fever 2: Spring Fever (Ti West, 2009)

2011-08-04T08:06:00.000+02:00

En su día, Cabin Fever (del sobravalorado Eli Roth, cuyo apellido suena a eructo) lo petó, y para muchos se convirtió en una cinta de culto. Para mí no, desde luego, porque me pareció y me parece un castañón de película que no tiene nada de especial para merecer su estatus "de culto". Es decir, que si Cabin Fever es de culto, mogollón de mierdetas directas a DVD también deberían serlo. Y como que no.

Partiendo de esa base que es una primera película bastante floja, me esperaba que esta secuela fuera tan mala que nos echáramos unas risas. Y mira tú, tan mala no es, pero las risas sí que te las echas. Incluso diría que es más gamberra, en el sentido de que no se toma en serio en ningún momento y parece beber del cómic creepy de los ochenta, y de películas cómico-gore-terroríficas como las de Creepshow. No hay más que ver que el empiece y el final está contado con dibujos animados, y queda muy bien. Además, muchas de las escenas gore superan con creces a todo el gore de la primera parte, y hasta en lo tópico del argumento y los personajes (chavales de instituto, el sheriff paleto, las fulanas, un baile de fin de curso...) parece esconderse una nada disimulada burla a los clichés del género. Sí, mientras escribo esto me ratifico en lo que digo, porque escenas como la del guaperas tirándose a la supergorda en la piscina o la mamada con ortodoncia en los servicios confirman que esta cinta pretende regodearse en esas situaciones siempre con el cachondeo por bandera. La ingente cantidad de sangre y asquerosidades varias también parece excesiva a propósito. En resumen, peli de serie B total y absoluta, que no va de cine de culto ni lo pretende y que resulta ser bastante más cachonda y asquerosa que su primera parte.

El monstruo del terror (Daniel Haller, 1965)

2011-08-04T00:05:00.001+02:00

Ver una película de esta época es transportarse a un momento de la historia en el que el cine era muy distinto. Se trataba de contar una historia, y se presentaba de una forma mucho más teatral, más obvia, los malos eran malos y los buenos eran buenos y así nos lo hacían saber. Los enormes decorados de interiores contrastaban con los brumosos exteriores, todo siempre demasiado iluminado con luz artificial cuando debería estar en penumbra, pero así era y así quedaba bien. Entonces, claro. Está claro que hoy en día el cine no sería tolerable de este modo, por eso hay que hacer el ejercicio de viajar en el tiempo para ver una de estas cintas añejas. Aquí encontramos una típica historia de personajes tópicos y situaciones más tópicas. Nadie se creería que los protagonistas actuaran así, con ese prota masculino que tarda media hora en girarse cuando su novia grita espantada, y esa parsimonia ante las situaciones inesperadas que, más que parsimonia, es pachorra pura. ¿Se oye un grito? No pasa nada. ¿Se oye un golpe? Habrá sido el viento. ¿Tu novia te presenta a la suegra, que vive postrada en la cama, a oscuras y tras un velo negro? Pues normal, hombre. Las suegras son así. Pero conforme avanza el guión, la historia se va tornando más rara aún, mezclando meteoritos del espacio con plantas asesinas y criaturas extrañas, y lo que se te queda extraña es la cara, que te quedas como un conejo cuando le das las largas. Ni la presencia de Boris Karloff salva la papeleta, y eso que aunque parezca mentira, esto está basado en un relato de H.P. Lovecraft. Menos mal que años más tarde llegaría Stuart Gordon y le haría un poco de justicia.

Quarentine: terminal (John Pogue, 2011)

2011-08-03T19:06:00.000+02:00

El remake americano de la estupenda [REC] se me antojó absoluta y totalmente innecesario. Era un calco, plano a plano, de la peli de Balagueró y Plaza, y aunque supongo que a los yankis les evitaría el tener que leer subtítulos, a mí me pareció una película sin ningún aliciente. Todo lo contrario que esta secuela, puesto que no es un remake de la secuela española, sino que va en su propia dirección distanciándose totalmente de la dirección tomada por la saga [REC], y convirtiéndose en una película más de zombies-infectados. Dentro de esa línea, la película no es ni mala ni buena, pero funciona, y al menos ofrece al espectador el interés de que no va a ver un remake de [REC]2, sino una película diferente que comienza donde terminaba Quarentine, pero que cambia el escenario y a los protagonistas. El nuevo escenario es un aeropuerto, y los nuevos protas son los pasajeros de un avión, su personal de vuelo, y personal de tierra. De este modo, lo que comienza como Zombies en el avión termina siendo Zombies en el aeropuerto, un espacio que, aunque cerrado, siempre permite más posibilidades que un avión en pleno vuelo. Como siempre, los infectados cumplen su papel. Dan el susto justo, la misión de este nuevo zombi que corre ya no es la de dar miedo como el zombi que camina, sino que éste lo que provoca es que aprietes el culo.

El nivel de gore es normalito, la tensión se mantiene en las escenas clave y los protagonistas son un grupo de desconocidos relativamente cumplidores. Además, sin ser novedoso, el guión se deja seguir, aunque sí toma de nuevo elementos repetidos de [REC] o Quarentine, como la secuencia final con la visión noctura. Una vez más, el final abierto deja la puerta para una secuela que seguro se realizará. Y seguro que será como ésta, directita a DVD y sin pretensiones, pero cine de terror disfrutable, al fin y al cabo.

Green Lantern (Martin Campbell, 2011)

2011-08-03T18:42:00.000+02:00

En la era de los superhéroes cinematográficos como estamos, parece que DC no logra encontrar a su público. Esta película se las prometía como la primera de superhéroes de verdad (de esos fantásticos, con poderes y supervillanos raros) de la DC Comics, y partía con buenos puntos a favor. Por un lado, un curtido director de acción como Martin Campbell tras la cámara; por otro, un actor de moda para interpretar al héroe, un papel que le iba como anillo al dedo (jeje) por el puntito de chulería y macarreta que Reynolds y Hal Jordan comparten; por otro, secundarios interesantes como Mark Strong o Tim Robbins; y por último, un presupuesto insólito para estos tiempos, nada menos que 200 millonazos. Pero la suma de todos estos factores no han servido para que la película triunfe, y a día de hoy ni siquiera ha logrado recaudar lo que ha costado (y sin contar que dicen que el presupuesto de publicidad es de otros 200 millones, con lo que entonces estaríamos ante un sonadísimo fracaso).

Pero ¿es tan mala Green Lantern? ¡Joder, no! Green Lantern es una buena película, maldita sea. Pero por la razón que sea, la crítica la ha destrozado. Quizá porque no soportan a su protagonista, o porque Marvel ya tiene todo el pescado vendido en cuanto a películas de superhéroes y parece que nadie más tiene derecho a recibir elogios. Pero Green Lantern es buena. No es brillante. No es genial. Pero es divertida, tiene buena dosis de acción, un humor oportuno y nada discordante, y una historia que, si bien está trillada, no lo está más que cualquier otro conflicto de héroe-debe-salvar-el-mundo-de-un-villano-malísimo-y-de-paso-llevarse-a-la-chica. Reynolds está muy bien, y hace suyo a Hal Jordan, un piloto temerario que recibirá el anillo de los Green Lanterns y se convertirá en miembro de ese cuerpo de defensa intergaláctica. Los efectos especiales, criticadísimos, son muy buenos. El planeta Oa es tan bonito y alienígena que no sabes dónde mirar, y el uniforme digital de los Lanterns funciona estupendamente como lo que es: una construcción más de la energía del anillo. Construcciones que son imaginativas y muy bien hechas. Así que audiovisualmente, la peli es un festín.

Ahora bien, ¿es todo bueno? No, tampoco. La historia es muy justita. Los secundarios, salvo Mark Strong en la piel morada de Sinestro (verdaderamente genial), muy flojos. El villano Parallax es demasiado intangible, y el villano humano, Hammond, demasiado extraño y de aspecto caricaturesco. La chica de la peli es un florero, bonito pero de un solo uso. Y Tim Robbins es más un cameo, y malo, que un personaje.

Pero quiero hacer hincapié en que esto, como película, no tiene nada de malo. Es cine de verano, un entretenimiento quizá demasiado infantiloide (culpa también de la voz en off con la que empieza y termina) pero totalmente disfrutable, que resume muy bien el origen de un personaje con un universo tan rico como Green Lantern. Vamos, que no tiene nada que envidiar a Thor, las Ironman o El increíble Hulk, películas que siendo igual de sencillas y con un balance similar de aciertos y errores, sí que gozan del beneplácito de la crítica y de buenos cientos de millones de dólares de taquilla. En fin, no lo entiendo. Pero será que la DC todavía está en la parte más fea del juramento de los Lanterns y aún no ha llegado a su "día más brillante", condenada de momento a su "noche más oscura". Y yo no suelo rezar mucho, pero si estás por ahí, ¡sálvanos, Superman!

Paul (Greg Mottola, 2011)

2011-08-02T18:36:00.001+02:00

Los dos gamberros que nos regalaron Zombies Party regresan a la carga con esta película que podría haber sido mucho mejor de lo que es. Y no es que esté mal, pero es que lo tenía absolutamente todo para ser un peliculón pero acaba cayendo en demasiados convencionalismos, algo que desde luego no ocurría con la historia de los zombies y el Winchester.

La historia arranca muy bien presentando a la pareja de amigos en su viaje a la Comic Con de San Diego y su posterior ruta por los santuarios de la conspiranoia alienígena: el área 51, el Buzón Negro, Roswell... En esas que se encontrarán con el tercer protagonista: Paul, un alienígena malhablado, mordaz, guarrete y descarado que me recuerda (supongo que a todo el mundo) un mogollón a una versión CGI del extraterrestre de Padre Made in USA. La verdad es que la comparación es inevitable. Por supuesto los dos amigos y su nuevo compañero serán perseguidos por el gobierno y se les unirá una ultracatólica tuerta (personaje que aporta el contrapunto entre ciencia y religión y que, además, es muy divertida con su manera de emplear los recién aprendidos tacos). Es en esta última parte donde todo se torna más comercial y complaciente, donde incluso se juguetea con la ñoñería un par de ocasiones, aunque el final vuelve a tener su punto divertido con el cameo de Sigourney Weaver, quien recibe en sus carnes nada menos que su mítica frase de Aliens: el regreso: "aléjate de ella, puerca". En fin, una peli que me había generado grandes expectativas teniendo en cuenta quiénes estaban de por medio, porque Zombies Party es todo un referente, pero se nota que aquí la pareja se ha vendido un poco más a Hollywood y que Paul, pese a ser entretenida, jamás será una obra de culto freak como lo fue aquella. Y es una pena, porque podría haberlo sido.

El Señor de los Anillos: El retorno del rey (Peter Jackson, 2003)

2011-08-01T18:21:00.000+02:00

Esta tercera entrega es incriticable. Técnicamente perfecta, con un ritmo clamoroso, secuencias que le dan sentido a la palabra "épica" y una carga de emotividad indescriptible. Esto es cine con mayúsculas y con acentos, vamos. Casi lamentas cuando llega al final, como si hubieras caminado junto a Frodo y Sam el largo y peligroso sendero hasta el Monte del Destino, o si hubieras luchado junto a Aragorn, espada de Isildur en mano, contra las indestructibles hordas del Señor Oscuro.
De nuevo Gollum sigue teniendo un protagonismo fundamental, aunque en esta última parte de El Señor de los Anillos el protagonismo está más repartido y hay momentos memorables para casi todos los personajes. Sí, quizá la peor (o mejor) parte sigue estando con los dos valerosos y dolientes hobbits, con Samsagaz ya convertido en el héroe que tiene que tirar de un Frodo absolutamente consumido por el anillo. Me pone los pelos de punta la escena en la que que Sam se echa sobre los hombros al pobre Frodo que no puede seguir, diciéndole que "tal vez no pueda cargar con el anillo, pero puedo cargar con usted", y tirando monte para arriba. No menos espectacular y emotiva es la primera carga del ejército de Aragorn ante la Puerta Negra, con esa solemnidad que transmite el nuevo rey de Gondor cuando dice "por Frodo" y arranca a correr hacia una muerte casi segura sin vacilar, seguido por todos sus amigos y aliados con la misma decisión de morir luchando. O cuando aparecen las Águilas para dar un respiro al bando de los buenos, dando buena cuenta de los malvados Nazguls. Todo es épico y emocionante. Los efectos especiales, además, me parecieron aún más espectaculares que en las anteriores, desde Gollum, pasando por el aspecto de Mordor, la escena de Ella la araña, o todas las secuencias de combate. Y qué decir del final en el Monte del Destino, donde Gollum acaba convertido en personaje absolutamente trascendente y la lección moral sobre la corrupción del anillo alcanza su máxima expresión. Por supuesto, como en la saga Star Wars con la escena de la fiesta, aquí el epílogo también está cargado de sentimientos, porque el aftermath de una aventura tan grande no podía ser menos épico. Así que cuando Samsagaz cierra esa puerta redonda de su casa en la Comarca, la aventura termina. Y la trilogía se cierra como una de los mejores y más redondos ejercicios de cine de la historia.

El Señor de los Anillos: Las dos torres (Peter Jackson, 2002)

2011-08-01T13:35:00.000+02:00

Si la primera parte de la saga la recordaba muy lenta y me sorprendió gratamente al volverla a ver, esta intermedia la recordaba precisamente como la más repleta de acción y lucha, y por ende, como la más rápida. Pues bien, me vuelvo a equivocar. No me ha parecido precisamente la más rápida, e incluso diría que se me ha hecho un poco más pesadilla que la primera. Quizá todo se debe a que al ser una trilogía con sus tres entregas tan relacionadas que parecen una sola, esta segunda parte carece de un principio y un final, y se me antojó como una sucesión de batallas espectaculares. La batalla del abismo de Helm es un escándalo, eso sí, y rodada de una forma espectacular sin recaer en el abuso de microplanos ni nada por el estilo. Jackson demuestra lo que es rodar batallas épicas con estilo, siempre acompañado de esa pedazo de banda sonora que se merece todos los premios cosechados.
Pero la trama principal, la de Frodo y Samsagaz camino de Mordor, se va haciendo más interesante y dolorosa. El pobre Frodo cada vez se resiente más de cargar con el anillo, cuyo pequeño peso se torna insoportable y le va absorbiendo cada vez más. De hecho, es su fiel Sam quien va empezando a despuntar como el héroe de la historia, aunque en esta película no son los hobbits los personajes más importantes, ni Aragorn, ni Legolas, ni el regresado Gandalf el Blanco, ni las hordas de Sauron y sus Nazguls. Aquí, el protagonista es un personaje digital construido a partir de la brillante interpretación gestual y vocal de Andy Serkis: sí, por supuesto estamos hablando de Gollum. Ese pobre ser retorcido y monstruoso que una vez fuera un hobbit, se debate con su esquizofrenia mejor que cualquier actor de carne y hueso, y roba cada plano en el que sale. Y así, mientras todas las piezas se van colocando hacia el último tirón, volvemos a estar ante otro pedazo de historia del cine contemporáneo y un clásico instantáneo.

El Señor de los Anillos: La comunidad del anillo (Peter Jackson, 2001)

2011-07-26T08:58:00.001+02:00

Cuando Peter Jackson anunció que adaptaría al cine la vasta obra de Tolkien El Señor de los Anillos en forma de una trilogía, los frikis del mundo se la machacaron a dos manos. Y no es para menos, porque esta obra de culto de la literatura fantástico-épica se ha convertido también en tres de esas películas imprescindibles, acaparadoras de premios y de buenas críticas a la par, y sobre todo en tres filmes que dan sentido a la expresión mil veces utilizada en cine “de factura impecable”. Mira cualquier película de El Señor de los Anillos y entenderás qué es una película de factura impecable.

En esta, comienza la épica más épica de la historia con tres horas (en su versión normalita) de presentación de personajes y con las primeras enzarzadas de los buenos contra las hordas de Sauron. Conocemos la historia de la forja del anillo único, de cómo fue utilizado para controlar a todas las razas de la Tierra, desde humanos a elfos, y de cómo el rey humano Isildur logró derrotar al señor oscuro (que no es Voldemort, jeje) pero, por su codicia inherente al ser humano y la influencia del anillo, se resistió a destruirlo. Así se da pie a la historia de Bilbo Bolsón, que lo encontró y lo guardó y en esta primera entrega se lo entrega a su sobrino Frodo, que recibirá la difícil misión de llevarlo. Matizar aquí que, entre tanto personaje guay y guerrero como Trancos (más tarde Aragorn), Boromir (épica la escena de su muerte), Gandalf (no menos épica la suya) o Légolas, el pobre hobbit Frodo parece un mierda seca, pero nooooo… llevar el anillo requiere de una voluntad de acero que solo un hobbit posee, ya que el anillo corrompe y tienta hasta al más fuerte, y llevarlo es una auténtica carga. Ese es el heroísmo de Frodo, que si en esta primera parte solo se atisba, luego lo veremos con más claridad, si bien su fiel amigo Samsagaz será siempre, en mi opinión, el auténtico héroe de la odisea de los dos hobbits.

Pero mientras se forma la compañía del anillo y atraviesan sus primeras dificultades, Sauron se fortalece y al final la única decisión posible es lanzar el anillo al Monte del Destino, único lugar donde podrá ser destruido. Todo esto en tres horazas de metraje que no se hacen nada pesadas (aunque hace 10 años, cuando vi en cine esta película, recuerdo que sí se me hizo, hay que ver cómo cambian los criterios), y con una fotografía, maquillaje, efectos especiales, banda sonora y un cuidado de cada plano que convierten a esto más que en cine, en una obra de arte. Y el viaje solo ha hecho que empezar…

Stake Land (Jim Mickle, 2010)

2011-07-25T08:50:00.000+02:00

Generalmente, las producciones de terror de bajo presupuesto suelen ser serie Z per se. Podría nombrar muchos ejemplos de carroña cinematográfica rodada por cualquier grupo de amigos con ínfulas de cineastas, con resultados a los que llamar vergonzosos es un insulto a la vergüenza. Por eso, nunca deja de alegrarme que un producto independiente como Stake Land pueda mirar por encima del hombro a muchas producciones caras de terror de estudio. Porque esto es una gran película de vampiros influenciada por muchas otras, pero con su propia personalidad. Para construir la imagen mental, pensad en películas como 28 días después, El misterio de Salem’s Lot, Vampiros de John Carpenter, La carretera y Soy Leyenda. Pues de todas ellas toma elementos. Pero no como hace The Assylum, en plan corta-pega fulañero. Lo hace, insisto, con su propio estilo, con personalidad, con carisma y con una excelente mano narrativa. Todo un logro para una cinta que solo se ha estrenado en 5 salas y que jamás verá la luz por los cines de nuestro país.

La historia es, por encima de todo, una road movie, pues todo el guión consiste en el viaje hacia Nuevo Edén de dos personajes: un rudo y experto cazavampiros sin nombre, al que solo le llaman Míster, y un joven llamado Martin, acogido por Míster cuando el chaval pierde a toda su familia en una brutal escena inicial en la que el director no se corta en mostrarnos a un vampiro devorando a un bebé, un momento realmente impactante (aunque nada grotesco) que ya te hace coger confianza en las posibilidades de la peli. A ellos se une un tercer miembro, una monja violada por miembros de una secta religiosa nacida tras el apocalipsis. Pero ¿qué apocalipsis? Pues un apocalipsis vampírico, claro. De repente, los vampiros asaltan el mundo y se comen a casi todos los habitantes, pero no se explica por qué ni necesitamos saberlo. Simplemente ocurre. Ojo, porque estos son unos vampiros geniales, clásicos pero tuneados, y no a la manera de “brillo y no me quemo y soy guapísimo y molo mogollón”, no. Vampiros sucios, medio vampiros, medio zombies, que arden al sol y solo pueden morir con un clásico estacazo en el corazón. Quizá por eso la película sufre un bajoncillo cuando el líder sectario se convierte en un vampiro inteligente, pero a esas alturas de la movida ya estaba enamorado de la cinta y me daba igual. Además, cuenta con un gran final y con dosis grandes de sangre, interpretaciones mucho mejores de lo que cabría esperar, y un aprovechamiento bestial del seguro ajustado presupuesto. En definitiva, así empezó Sam Raimi y mírale ahora, así que por favor, hago un llamamiento a los estudios de cine del mundo: dejad de darle pasta a Michael Bay y dadle una limosnilla a Jim Mickle. Peliculones de terror garantizados.

Cuento de Navidad (Paco Plaza, 2005)

2011-07-23T11:16:00.000+02:00

Jaume Balagueró y Paco Plaza son dos nombres bien conocidos por los fans de terror patrio gracias a su pelotazo llamado [REC]. Pero cuanto más profundizas en la filmografía de cada uno, más cuenta te das de quién tiene el talento. Y no es Plaza. En este corte de Películas para no dormir, Plaza dirige un guión de Luiso Berdejo, alguien que seguro creció en los ochenta influenciado por V, It (Eso), la serie B de zombis, el giallo italiano, Karate Kid y hasta por las reposiciones de Verano Azul, ya que todos estos elementos se amalgaman aquí con más o menos tino.

La historia gira en torno a un grupo de niños que encuentran a una ladrona que ha caído en un agujero, y como dos de ellos son más malos que un dolor de muelas, deciden dejarla ahí y chantajearla para que les diga dónde escondió el botín. Una auténtica torture porn en plan soft, porque la mujer, aunque sea una criminal, las pasa putas de hambre, dolor, y caídas dentro del pozo en el que está, mientras que los chavales la putean de mil formas. ¿He olvidado decir que todo sucede en la época de navidad y que ella va vestida de Santa Claus, como mandan los cánones del slasher? De todos modos, de los 72 minutos que dura, los primeros 60 son lo que os acabo de contar, con solo una cosa ligeramente trascendente, que es el rito vudú que le hacen los dos niños más cabrones a la ladrona para convertirla en zombi, después de haberlo visto en una película cuyas secuencias protagonizan Elsa Pataky y Loquillo, momentos absolutamente bizarros de ver. Solo los últimos minutos tenemos algo de slasher, sin más muertes que la de la propia ladrona, eso sí, y nada demasiado grotesco, y con una patada grulla gilipollas de por medio y todo. Pero hay que reconocer que la última escena le da un empujón al producto, por eso de que el postre es lo último que se te queda de una comida. Y en este caso, el postre es lo único sobrenatural y de auténtico terror, y hasta te parece un final justo y apropiado para esa panda de hijos de puta de niños. Menos Moni, claro.

Troya (Wolfgang Petersen, 2004)

2011-07-22T11:09:00.000+02:00

Troya le da un sentido a la palabra de cine épico. Pero le falta un poco de alma en casi todas sus escenas, y no sé por qué, porque lo tenía todo para ser el peliculón que no fue. Tenemos a un director bastante solvente como Petersen, a un reparto lleno de buenos actores, un presupuesto brutal de 175 millones y una historia clásica fascinante llena de personajes a los que aportar tridimensionalidad. Y en cierto modo, todo se logra, y Troya se alza como una gran película de decorados soberbios, puesta en escena magnífica, batallas espectaculares y algunas escenas memorables, pero… igual es que sale Orlando Bloom y se carga la película. Porque no me jodas, Paris es el tipo más imbécil, cobarde, y estúpido de la historia del cine épico. Un niñato tirillas que por su enchochamiento logra que se carguen a su hermano y hasta su patria. Tócate los huevos. Vale, que históricamente fue así, pero me resulta insufrible ver como toda la historia trata de una guerra por deshacer el entuerto del puto niñato. Pero bueno, por otro lado tenemos a Eric Bana como Héctor y a Brad Pitt como Aquiles, ambos geniales en sus papeles y protagonistas de una pelea magnífica que da pie a una escena posterior de Peter O’Toole con Pitt que es de una sensibilidad exquisita, y que sirve de punto de inflexión para el personaje del fiero Aquiles. Menudo guerrero que pintan aquí a Aquiles, invencible, técnico, nacido para el combate. Y se lo tiene que cargar el gilipollas de Paris, pero claro, desde lejos y a flechazos.

En fin, que Troya es una buena película de épica comercial de dos horas y media que no se hace nada aburrida, con una factura técnica inmejorable y, al menos, dos buenas elecciones de entre los tres papeles más importantes. ¿Qué le falla para no ser una obra maestra? No sé, amigos… Pero aún siendo buena le falta algo, ese puntillo que parece que, en este género recuperado, solo tiene Gladiator.

Hitch: especialista en ligues (Andy Tennant, 2005)

2011-07-21T10:58:00.000+02:00

Will Smith protagoniza una película en la que vuelve a lanzarse el mensaje de que es muy guay, de que mola mucho y de que es el mayor y más irresistible follapavas del mundo, como ya se intenta dejar claro con el póster en el sale tan molón y sonriente. Y se lanza a ritmo de comedia romántica en la que interpreta a un tipo que vive (y vive de puta madre, ojo), como “doctor de citas”, logrando que hasta el más imbécil pueda ligarse a la tía de sus sueños. Pero no nos engañemos, porque tras esta gilipollez de argumento lo que se esconde es… pues una gilipollez de película. ¿Qué esperabais? La típica comedia romántica en tres actos con final feliz incluido y escena de boda y bailecito durante los créditos. Lo más gracioso son algunos momentos entre Hitch y su gordo padawan, con los que llegas a reírte, porque lo que es la relación entre Smith y Eva Mendes tiene menos atracción que un imán y un trozo de madera. Además, la Mendes está buena y tal, pero ¿no os da la sensación de que se ducha cada 29 de febrero?

En fin, no puedo hacer una crítica en condiciones de una película tan tópica e insulsa. Mira que me gusta Will Smith, pero esto no es ni su típico cine de acción ni sus típicas paridas tipo Men in Black. Esto es cine tipo telefilme que, incomprensiblemente y solo por la presencia de Smith, recaudó casi 400 kilos. Si es que el príncipe de Bel Air se ha convertido ya en rey de Hollywood…

Los ojos de Julia (Guillem Morales, 2010)

2011-07-20T10:49:00.000+02:00

Belén Rueda ha pasado de ser Lucía de Los Serrano a la nueva scream queen española. Lo malo es que la amiga Belén es, como suele decirse, mucho arroz pa tan poco pollo, y sus interpretaciones quedan muy por encima de lo que los productos en los que se embarca se merecen. Esta última es el mejor ejemplo que se me ocurre, porque el guión es una de las cosas más tramposas que me he tirado a la cara, y además parece querer plagiar la estética y ambientación de El orfanato, con lo que la sensación es de no saber muy bien qué película estás viendo. O sea, en ambas Belén interpreta a una mujer (eso es obvio, ¿no?) que tiene que investigar sobre un familiar, aquí su hermana suicidada; tiene un marido gilipollas, aunque aquí salimos ganando interpretativamente porque cambiamos al subnormal carapalo de El orfanato por Lluís Homar, que si bien no es santo de mi devoción, es un actor con todas las letras; y al final, todo acaba en drama en ambas pelis, si bien aquí no hay ningún elemento sobrenatural y los papeles del drama se invierten (ved las dos pelis para entenderlo y así no os las jodo). El punto original es que Belén aquí tiene una enfermedad degenerativa en la vista que la está dejando ciega, por lo que el guión se permite momentos de plagio a Sola en la oscuridad al mismo tiempo que plagia Psicosis. Dos por uno. No diré que no haya momentillos de tensión, porque sería mentira, pero todo asquerosamente tramposo si nos fijamos. ¿Y por qué digo eso? Joder, porque sí. Si prestamos atención al asesino –un Norman Bates de pacotilla con madre asquerosa incluida–, al rollo de las “personas invisibles” y pensamos en algunas escenas en las que el malo camina tranquilamente entre la gente… vamos a ver, que una cosa es ser un don nadie y otra llevar puesto el puto anillo único en modo invisibilidad, no me jodas. Nadie se creería eso, y pretenderlo es un insulto a la inteligencia del espectador. Además, igual que en El orfanato, vuelven a considerarnos a todos los espectadores gilipollas y a menospreciar a los discapacitados. Sí, sí, como lo cuento. Si en la otra establecían la obvia y clarísima (nótese mi sarcasmo) relación entre ser deforme y ser malvado y dar miedo, en esta hacen lo mismo con un grupo de pobres ciegas en pelotas en un vestuario femenino. ¿Por qué? Pues porque les ponen los ojos en blanco y las hacen parecer una manada de hienas buscando a su presa. Y se quedan tan anchos, los muy…

No obstante, la peli se deja ver, sí. El ritmo no es malo y Belén, como decía, sostiene ella solita con sus dos ovarios el absurdo guión y hasta lo interpreta con mucha más profesionalidad de la que merecía. Pero es que, para rematar, la escena final es más pastelona que ver Ghost y Love Story en San Valentín una tarde de lluvia. “En tus ojos veo el universo…”, meten un plano de Cosmos de Carl Sagan para acabar, y listos. Joder, estamos apañados con el cine español. ¡¡Que [REC] Génesis nos salve esta mierda de año, por favor!!

El esmoquin (Kevin Donovan, 2002)

2011-07-19T10:46:00.000+02:00

Bienvenidos al día en que Jackie Chan quiso ser James Bond y se quedó en Inspector Gadget. Esta es una de sus películas más chorras, seguro (y eso que no le he visto muchas), y más para todos los públicos. El chino saltimbanqui se pone en la piel de un taxista que acaba trabajando de chofer para un agente secreto que lleva un esmoquin supertecnológico que lo convierte en poco menos que Ironman, vaya. Y claro, como el personaje del Chan taxista es más tonto que pisarte el rabo, tiene que acabar poniéndose el esmoquin y cumpliendo una misión secreta para impedir uno de los planes más gilipollas jamás concebidos: el “malo” quiere envenenar toda el agua del mundo para que la gente tenga que comprar la que él embotella. ¿Y cómo hacerlo? Pues poniendo la bacteria en las patas de esos bichitos que flotan sobre los embalses y que se llaman como el subormal retromongol de nuestro presidente del gobierno (con perdón de todos los deficientes mentales, que le sacan 15 o 20 puntos de coeficiente seguro): zapateros. Un plan digno de que el guionista fuera directamente ejecutado después de escribir el guión, pero sin embargo esta gilimemez recaudó 105 millones, en otro ejemplo de que la gente somos, por lo general, imbéciles.

Acompañando a Chan en el reparto mientras hace sus piruetas, sus bailes a ritmo de James Brown y pega alguna que otra hostia, está la maciza de la Jennifer Love Hewitt, que aquí aún estaba delgada y tenía un viaje de ida y vuelta. No lo negaré, la chavala está gracioseta (aparte de muy buena) y hace bien su tópico papel de comparsa. En fin, película de tarde de domingo, entretenida, con algo de acción y divertida, dentro de la era del Chan hollywoodiense reconvertido más a cómico que a artista marcial. Si lo que quieres es ver a Jackie Chan haciendo kung fu de verdad, ponte Armor of God. Fliparás.

Barco Fantasma (Steve Beck, 2002)

2011-07-18T10:36:00.000+02:00

Esta película es como esa tía que te follas a las cinco de la mañana yendo un poco perjudicado. Pasas el rato, pero luego no pienses demasiado en ella ni la vuelvas a ver, porque puedes arrepentirte. Pues lo mismo. En su época, en su momento, me lo pasé bien con Barco Fantasma, quizá porque tiene un inicio inusualmente bruto y contundente para lo que es el cine comercial de estreno en salas, y eso ya te clava en el asiento y hace que le des la oportunidad. Pero ahora, después de unos añitos sin haberla visto, me doy cuenta de que la peli es un refrito de muchas otras, con una historia poco original y que canta por soleares, y que solo se salva por los buenos efectos visuales y el escenario donde se desarrolla. Pero si os fijáis, en muchos momentos es un plagio de El resplandor, y todo el barco es una especie de Hotel Overlook flotante y mugriento, lleno de almas en pena. Y es que El resplandor y Horizonte Final se perciben como dos de las grandes inspiraciones de este guión, pero claro, hablamos de películas a las que hay que tratarlas de usted. Hay una escena en concreto, con el capitán interpretado por Byrne hablando con un fantasma mientras se toma un whisky, que parece un corta-pega de la de Kubrik. Pero luego, como decía, el director compensa con un buen ritmo y una dosis moderada de sangre y sustos, y un giro final con cierta originalidad que deja en el espectador esa sensación de derrota que tan bien le viene a estas películas. Así que en general es una peli entretenida para pasar el rato, cine de terror de la Dark Castle made in los 2000 (una época malísima para el terror, no nos engañemos) sin demasiadas pretensiones pero con lo suficiente para que te lo pases bien.

X-Men: Primera Generación (Matthew Vaughn, 2011)

2011-07-17T10:31:00.000+02:00

Toda historia tiene un comienzo, y el de esta saga de mutantes marvelianos nos es explicado aquí con bastante detalle. Para el que no haya visto nunca una película de los X-Men esta cinta es un perfecto punto de partida, ya que cuenta con solvencia una historia bien conexa y con personajes tridimensionales. Los personajes de Xavier, Eric y Mística son los mejor definidos, y el triángulo entre ellos es la relación mejor explorada en el guión. Yo no sabía que Xavier y Mística hubieran sido casi hermanos antes de enemistarse, ni que el futuro Magneto hubiera sido uno de los X-Men originales.

La primera hora de la película es tremendamente buena, tanto la parte de Eric en la Alemania nazi (con un malísimo Kevin Bacon por el que no daba yo dos duros en este papel y lo saca de maravilla), como la del acomodado Charles Xavier y la pequeña Mística. De hecho, la cosa se desarrolla perfectamente hasta que Xavier y Eric se conocen, empiezan a usar Cerebro y comienzan su búsqueda de mutantes por el mundo (con un cojonudo cameo de Hugh Jackman incluido), momento a partir del cual la cosa cae por una pendiente lubricada en aceite y sin frenos, para convertirse en su tercer acto en una película convencional dentro de este estilo. De hecho, el segundo acto solo lo salva la historia de Hank, el piesquesonmanos, y su transformación accidental en Bestia, un punto que está muy bien. Pero como decía, la última media hora tiene la consabida batallita buenos VS. malos con discursitos incluidos, personajes que cambian de bando, y el drama final de Xavier que, si has visto las otras pelis, tampoco es una sorpresa porque sabes que acaba en una silla de ruedas. Lo malo es que lo que arranca como un peliculón y se desarrolla como una muy buena película, se desinfla de tal manera en su último tercio que la sensación que deja es de una simple película entretenida, pero sin alma.

Adivina quién soy (Enrique Urbizu, 2006)

2011-07-16T14:57:00.000+02:00

La idea era medio buena, y por momentos la ejecución no está del todo mal. Pero a rasgos generales, este corte de Películas para no dormir (serie de películas que nos ha dejado algunas realmente buenas) es de los más flojos y prescindibles. Parte de una premisa interesante y que los primeros 10 minutos conserva el misterio. Una niña, aficionada al cine de terror a más no poder y que encima suele pasarse el día sola en casa mientras su madre curra en un hospital (y se prostituye con los celadores, o eso da a entender una grotesca y cortísima escena en un almacén de suministos), empieza a hablar con los personajes míticos de terror. Incluso llega a hacerse amiga de Leatherface (?), Nosferatu (??) y de un tipo calvo y vestido de negro que ella cree que es un vampiro. Pero un vampiro que sale de día y no arde (aunque tampoco resplandece, porque si vuelvo a ver a un puto vampiro brillante voy a coger un bate de béisbol y la voy a liar), con lo que este personaje se convierte en el eje intrigante de la historia. Así se descubre la verdad sobre la familia de la niña, cuyo padre había muerto supuestamente... y el resto ya podéis imaginarlo. Sí, el vampiro no es un vampiro, es su padre, un hijoputa delincuente y agresivo. Al menos esto da pie a una escena final que, si no es de terror, al menos es de buen thriller, y me refiero a la de la familia sentada a la mesa comiendo una pizza. Buen papel el del actor calvo, que clava su interpretación de malote. Eso sí, la resolución fantástica del final y el epílogo es una bizarrada que aún no entiendo. ¿Es todo mentira? ¿Es una metáfora a los malos tratos? ¿Es una mierda como un pino de alta? Opción 3 casi seguro.

Harry Potter y las Reliquias de la Muerte: parte II (David Yates, 2011)

2011-07-15T14:39:00.001+02:00

Escribo esta crítica desde la más absoluta de las ignorancias como muggle, o muffin, o como coño se diga. Habla una persona (sí, yo me considero a mí mismo persona, ¿qué pasa?) que no se ha leído ni un puto libro de la saga del gafitas, y que hasta la fecha solo había visto una película anterior, no sé ni cuál, y solo la vi porque proyectaban antes el teaser trailer de Superman Returns. Así de friki soy.

En fin, pero como iba diciendo, creo que de mi párrafo anterior se extrae sobradamente que no soy un experto en Harry Potter. Ni siquiera un aficionado. Ni llego a conocedor. Vamos, que no sé una puta mierda más allá de las cuatro cosas básicas: que es un niño mago estudiando en una escuela para niños magos, que siempre iba con un niño y una niña, que sus padres murieron a manos del malo malísimo (un tipo feo con cara de serpiente y sin nariz, como el malo de Blade II) y que juega a una especie de polo aéreo sobre escobas voladoras. Si me sacabas de ahí, no tenía ni idea de nada, ni de qué es un horrocrux, ni de hechizos imperdonables, ni de las innumerables salas de Hogwarts ni de los muchísimos secundarios de la saga.

Pero pese a todo ello, he disfrutado, y mucho, con el visionado de la que es precisamente la última parte de una saga dividida en 8 películas que comenzó unos diez años atrás. Y me he enterado de casi todo (siempre con apuntes oportunos de mi hermana en el cine, claro) sin demasiado problema. Pero el mérito de este final no es solo el de componer una película clara y coherente, con buena dirección, fotografía preciosa y espectaculares efectos especiales y escenarios (que por momentos me parecía estar viendo El señor de los anillos), sino que es una buena película de aventuras y fantasía, oscura y adulta, con un ritmo excelente y un montaje muy bueno. Incluso debo reconocer que con la escena epílogo final, 19 años después, es difícil no emocionarse un poco, incluso yo que no he seguido la saga estos diez años, o sea que comprendo la emoción de quienes sí lo han hecho y ahora han visto terminar su viaje. Y eso, queridos amigos, es la mejor crítica que se le puede hacer a una octava parte sin haber visto las otras siete.

El dragón rojo (Brett Ratner, 2002)

2011-07-12T11:34:00.001+02:00

Más luminosa y comercial que El silencio de los corderos, esta precuela que a su vez es un remake de una película muy anterior llamada Manhunter (que ya reseñé en este blog hace un tiempo) no tiene nada que envidiar al ya clásico film de Jonathan Demme. La historia engancha, convirtiéndose desde el primer momento en un thriller en toda regla, y aunque va cayendo por el camino en muchos de los convencionalismos del género, lo hace con estilo. Con un estilo que, claro está, tiene como abanderados a tres actores perfectos en sus papeles: Norton como el investigador Graham, Hopkins de nuevo como el Dr. Lecter, y un poderoso Fiennes como el asesino apodado "Duende Dentudo". Se nota que Thomas Harris, escritor de las novelas, no va precisamente sobrado de imaginación en lo que a construir asesinos se refiere, porque el patrón de su personaje malvado y de la propia trama de la investigación de la película se repite en esta y en El silencio de los corderos. No obstante, el ritmo de esta película me encanta, todo es más rápido, más animado, más frenético sin necesidad de impactantes escenas de acción, y además está cargada de buenas tramas secundarias como la protagonizada por el asesino y la joven ciega, todo un ejemplo de cómo su mente perturbada intenta luchar contra lo inamovible de su locura y despojarse de ella. La familia de Graham también pone ese punto de tensión cuando el asesino y Lecter estrechan el cerco sobre ellos, en especial en la escena final, muy bien construida y que resuelve estupendamente la historia. Aunque sí, yo también me quedé pensando que Will Graham es más difícil de matar que las cucarachas, porque aguanta una puñalada mortal y 3 o 4 tiros. Pero aún con eso, me parece una película excelente que aprovecha muy bien todo lo que tiene, que no es poco, y le imprime un buen ritmo. ¿Mejor o peor que El silencio de los corderos? Pues para gustos, los blogs, pero siendo películas muy distintas yo no sabría decir cuál me gusta más.

Un crimen perfecto (Andrew Davis, 1998)

2011-07-11T12:21:00.007+02:00

Un crimen perfecto es un film imperfecto pero notable. Y es que remakear un clásico de Hitchcock nunca es tarea fácil, y a menudo el resultado es casi insultante comparado con la fuente. En este caso, gracias a la correcta dirección y a un trío de protagonistas que se lo curra, el resultado (permitidme el chascarrillo) no es un crimen perfecto contra el cine. Si acaso, tan solo una falta leve, no por sí misma, que está bien, sino por lo innecesario de volver a hacer algo que ya se hizo casi 50 años antes, y se hizo muy bien.

No obstante, para el que no haya visto el clásico, esta revisión le resultará un buen thriller que se escapa de convertirse en un telefilme de sobremesa de domingo gracias a su buena historia y a, insisto, un gran trabajo interpretativo. Consagrado en aquel momento como el rey del thriller de los noventa, Douglas se cree su papel de empresario venido a menos que decide servirse del amante de su esposa para cargársela y cobrar la herencia. Nada podría relacionarlo, de ahí el título. Pero como siempre, si algo puede salir mal, saldrá mal, y los acontecimientos post-intento de asesinato se enredarán y malograrán hasta un desenlace algo cantado y poco creíble, pero correcto en el contexto de la película. Los cinéfilos de pro notarán las sutiles diferencias entre este remake y su original, sobre todo en las dos muertes masculinas que hay en una y en la otra no, y que consiguen que el film de Davis no sea una burda fotocopia del de Hitchcock. Obviemos que la buena de Gwyneth parece tan afectada por haber matado a un hombre como si hubiera pisado una hormiga, y obviemos lo cantado del final, y estamos ante una película para pasar el rato. Como curiosidad, el papel de Douglas se me antoja el mismo de casi todas sus pelis, y si lo pillo en un fotograma suelto no sé si estoy viendo Instinto Básico, Wall Street, The Game, o ésta.

Dark Water (Hideo Nakata, 2002)

2011-07-11T11:57:00.005+02:00

Seguimos con el ciclo de terror japo, y ahora es el turno de otra de las obras del reputado Hideo Nakata, famoso por ser el creador de The Ring, referente y credo de casi todo el resto de horror oriental posterior. En esta cinta, Nakata demuestra su buen hacer sin necesidad de tirar de su fantasma femenino tan típico, y a decir verdad se curra una historia intimista y bastante dramática protagonizada por una joven divorciada y su hija, luchando por salir adelante y encontrándose, de paso, en medio de una siniestra historia sobrenatural. Ojo, porque hay quien piensa que el rollo fantasmal de la peli es solo una metáfora de la lucha de la mujer por la custodia de su hija y por conservarla junto a ella, pero yo no logro verlo así, y mi interpretación del guión es totalmente sobrenatural. Con ese magnífico contrapunto dramático, pero sobrenatural. Es precisamente en ese elemento dramático donde reside el gran atractivo de esta película, a la que no le falta ya, por supuesto, un insulso remake americano. La historia de Yoshimi comienza con buen pie: encuentra piso para ella y su pequeña, Ikuko, encuentra un trabajo... pero con la primera mancha de humedad y la primera gotera empieza a desarrollarse lo extraño, lo aterrador, lo inquietante. Las coincidencias dejan de parecer tales, y los hechos parecen estar relacionados con la desaparición de una niña de edad similar a la de su hija. La clave de todo parece estar en el depósito de la azotea, y vaya si lo está. Por eso, cuando la madre descubre la verdad y comprende que solo hay una forma de mantener a salvo a su hija, no duda en actuar como actúa, y la película nos deja esa magnífica y triste secuencia, todavía mejorada por el epílogo varios años después con una ya más mayor Ikuko regresando al lugar de los hechos en una emotiva escena. Y la verdad es que es curiosa esa combinación de tensión, emoción y terror que brinda Dark Water, pocas veces bien conseguida, pero que cuando se logra da lugar a una muy buena película.

The Eye (The Pang Brothers, 2002)

2011-07-10T11:36:00.000+02:00

Interesante propuesta del cine japonés de terror que trata de alejarse de los convencionalismos creados y explotados por él mismo, a saber, la chica de pelo en la cara y camisón blanco. Aquí la historia parte como otra cosa muy diferente y mejor, con la premisa de una joven de 16 años que se somete a una operación para recuperar la vista que perdió cuando tenía 2. A partir de ese momento un nuevo mundo se abre ante sus ojos, un mundo de luz, colores, sensaciones nuevas... y fantasmas. Porque con las nuevas córneas trasplantadas venía un regalito no deseado: la capacidad de ver espíritus. La joven tendrá que comenzar una investigación para descubrir por qué ve lo que ve, lo que la llevará a averiguar más sobre su donante y descubrir toda la verdad del asunto, lo que lleva a un desenlace con giro final que personalmente no me imaginaba así y que me parece de lo mejorcito que he visto en terror japo. Además, los fantasmas son mucho más humanos de lo que nos tiene acostumbrados el cine de terror oriental, lo que contribuye a una mayor atmósfera realista (el pobre chiquillo que pregunta por su libreta de notas es tremendo), y la cámara se convierte también en un gran recurso muy bien usado. Gran tensión todo el metraje y memorables sustos (sobre todo si es la primera vez que ves la peli) con cierto regusto a lo El sexto sentido, completan un resultado redondo. El susto de la chica que se abalanza sobre la protagonista en el pupitre o el de la mujer en el pasillo del hospital son de los de hacerse caquita en dosis insanas. No es de extrañar, pues, que la película termine como termina y que aún así el final resulte relativamente feliz después de todo. Porque joder, para ver según qué cosas, hay veces que mejor quedarse ciego.

Transformers: El lado oscuro de la luna (Michael Bay, 2011)

2011-07-09T10:26:00.001+02:00

¡Me ha gustado una de Transformers, no me lo puedo creer!

Vayamos por partes. Desde luego, con la pasta que ha costado, los efectos visuales de esta tercera (y espero que última) parte de Transformers, tenían que ser bestiales. Pero igual no me los imaginaba TAN bestiales. Si en las anteriores la acción era a veces algo confusa y los robots parecían amasijos de hierros de un desguace, aquí Bay se falta con el recurso de la cámara lenta muy a lo Zack Snyder, y nos permite apreciar clarísimamente la mayoría de las transformaciones y de escenas de acción. Una acción brutal y sin descanso, pero muchísimo mejor rodada que cualquiera de las mierdas anteriores de Bay. Menos abuso de sus microplanos de medio segundo, menos abuso de la cámara giratoria... Menos abuso, en general. Y ese menor abuso se traduce en mayor claridad y fluidez, en menor desgaste para las córneas y las neuronas, y por tanto en mayor disfrute de una acción casi siempre clara y luminosa. Me atrevo a decir que la escena del edificio es, junto a la del hotel de Inception, la mejor escena de acción de la década. Y eso sin contar que la última media hora es, en sí misma, una larguísima escena de acción bélica y de ciencia ficción que resulta realmente buena pese a sus burradas (quedaos con el paseíto de Sam colgado de un cable sin que se le arranque, ni se le disloque siquiera el brazo...).

Pero fiel a su estilo, Bay repite muchas de las cagadas que firman su cine. Los personajes son todos estereotípicos, y los mejores son los robots, que aunque parezca mentira están dotados de más profundidad que la mayoría de los personajes humanos y te importa más que muera un robot que cualquier protagonista. Aunque también se incluyen un par de secundarios, sobre todo el de John Malkovich, que salvan su parte con creces y con risas. Los más ridículos de las anteriores se refinan un poco, como los padres de Sam. Y hasta LaBeouf me resultó tolerable en su papel, mucho menos insufrible y más chulito-heroico, aunque sigue resultando incomprensible que pueda ligarse a tías como Megan Fox o, en esta secuela, a la pedazo de rubia que lleva al lado y que sacia el apetito voraz de Bay por descubrir y filmar siempre a la tía más buena que puedas imaginarte. Por cierto, menudas indirectas que le sueltan a la Megan, si estáis atentos.

Pero bueno, poco más que decir. Blockbuster veraniego solo es una expresión: la definición es Transformers 3, una buena película de acción, ciencia ficción y comedia que hasta un detractor de Michael Bay y Shia LaBeouf como yo debe disfrutar. Es imposible no divertirse con ella, macho...

El chico de oro (Michael Ritchie, 1986)

2011-07-07T09:59:00.000+02:00

En los ochenta, Eddy Murphy molaba. Estaba en su apogeo, eran esos 6 o 7 años en los que sus gracias y su humor negro (negro de que es negro, porque de humor negro tenía bien poco) aún era divertido, y no la bizarrada inmunda hacia la que derivaría a posteriori. Y para mí, por muchas razones -supongo que la principal es la sentimental y nostálgica de mi infancia-, ésta, junto a El príncipe de Zamunda, es mi favorita, y no me canso de verlas de vez en cuando. Pero es que no puedo evitar partirme el culo con la mayoría de chascarrillos de esta peli, algunos de los cuales ya forman parte de mi repertorio paridero habitual con tanta normalidad, que ni me acordaba que salían de aquí. Desde el "bésame el culo", el "alabulibeya", al tono chulito de ciertas frases o el "sácate ese moco de la ropa antes de que se congele y te cortes con él". Brutal.

La historia es pura fantacomedia, ese extraño género mestizo nacido (y muerto) en los ochenta que fusionaba el terror soft, el fantástico y la comedia, aquí en una proporción de 10%, 30% y 60% respectivamente. Sin perder nunca el toque cómico, El chico de oro es la aventura de Chandler (Murphy), pintoresco detective buscador de niños perdidos (de quien no se sabe de qué cojones vive, porque parece trabajar por su cuenta sin que nadie le contrate ni le pague) que se ve convertido en el elegido para salvar al chico de oro en cuestión, un pequeño buda que representa al bien y que ha sido secuestrado por demonios. Por un demonio en cuestión, Sardo Numspa (Charles Dance), un malo bastante light para ser un siervo de Satán, pero dentro del canon de la época. La aventura llevará a Murphy y a su china acompañante al Nepal (donde la secuencia de la daga de Adjanti y la posterior en el aeropuerto son descojonantes), hasta la pelea final del detective y el niño contra Numspa ya transformado en demonio stop motion de lo más encantadoramente cutre. Pero no hay que juzgar la película con mano dura. Es lo que es, tremendamente entretenida, divertida, con 5 paridas por minuto y con un Murphy haciendo lo que mejor se le daba, cuando se le daba bien. Entretenimiento familiar intemporal y cachondeo ochentero garantizado.

Shutter (Banjong Pisanthanakun y Parkpoom Wongpoom, 2004)

2011-07-06T09:39:00.000+02:00

Con clara influencia del terror japo, esta producción tailandesa que ya posee su propio remake americano dirigido por un japonés (cágate), se eleva bastante por encima de la media de sus producciones. No por la originalidad de sus fantasmas (básicamente la misma chica en camisón y con la melena negra cubriéndole la cara, aunque ésta da bastante rollo), sino por lo bien hilado de su trama y por el buenísimo ritmo que posee y que te mantiene clavado al sofá.

Un accidente de tráfico de un hombre y su novia que atropellan a una chica, sirve como detonante para que la trama eche a rodar. Pero la verdad es que solo sirve como despiste, buen despiste, la verdad. Uno puede pensar que el fantasma del atropellad@ es el acosador del protagonista, pero con esta premisa lo que vamos es descubriendo un oscurísimo secreto del pasado del fotógrafo, precisamente con las fotografías siempre como segundas protagonistas. Escalofriantes algunas de las instantáneas en las que vemos las apariciones espectrales (algo que, ahora que caigo, también han usado en la más reciente y cojonuda Insidious), aunque el momento escalofrío total se lo lleva cuando descubrimos el por qué del dolor de cervicales del protagonista, que poco tiene que ver con el accidente de coche. Realmente es una imagen genial y aterradora, de la que vamos teniendo algunas pistas (como cuando se pesa en la consulta médica y la enfermera lo mira flipando), pero que aún así no deja de ser impactante. Lo mejor, el fluir de la trama y la revelación del secreto del fotógrafo, junto con la citada imagen en la que vemos el motivo de su dolor de nuca. Lo peor: que repite el típico fantasma a lo The Ring. Pero aún con eso, una de las mejores representantes del horror oriental y una excelente muestra de lo que es que tu novia se te suba a la chepa, jeje.

El maquinista (Brad Anderson, 2004)

2011-07-05T09:11:00.000+02:00

Christian Bale da aquí toda una lección de lo que es ser un actor del método. Aunque el método en sí pueda estar a punto de matarte, porque vaya tela. Para meterse en la piel (y nunca mejor dicho, porque es todo piel) del protagonista, Trevor Reznik, Bale perdió unos 30 kilos de los habituales 75-80 que suele pesar, quedándose en 48 kilos para la película (y subiendo después en pocos meses a los 100 de puro músculo para Batman Begins, o sea que la palabra camaleónico ni se le aproxima). Un peso peligrosísimo para un tipo de 1,83 y complexión fuerte como él, lo que le confiere en la película un aspecto que, más que explicarlo, hay que verlo:

Escalofriante, ¿verdad? Quizá la peor transformación física que le he visto a un actor para meterse en un papel, y algo que muy pocos se atreverían a hacer por propia salud. Con razón dicen que Bale fue un tipo huraño y hosco durante el mes y poco de rodaje, sin hablar con nadie ni relacionarse con el equipo y comiendo solo una manzana y una lata de atún diaria. De hecho, cuenta Aitana Sánchez-Gijón (coprotagonista de la cinta) que en la fiesta de fin de rodaje, una vez que Bale pudo volver a comer con normalidad, todos descubrieron a un nuevo hombre simpático y hablador.

No obstante, el aspecto de Bale, aunque extremo, es perfecto para su personaje, el de un hombre que lleva un año sin dormir y que empezará a sufrir de una extraña manía persecutoria que le hará creer que toda su fábrica y todas las personas de su entorno están conspirando contra él. Con un pulso excelente, un guión que da dosis de información justas poco a poco, y una fotografía oscura que contribuye a la trama, vamos descubriendo la realidad de Trevor y todos los personajes, reales y ficticios, que le rodean. Quién le deja esos post-its en la nevera. Por qué no duerme jamás. Y al final todo queda claro como solo sucede de vez en cuando en los grandes thrillers. El desenlace de El maquinista (título que, por otro lado, no me gusta para esta película) está a la altura de grandes finales como el de Seven o El club de la lucha, y resulta tan demoledor como coherente y, por qué no decirlo, incluso esperanzador. Porque pese a todo, Trevor es un buen hombre al que llegas a coger cariño. Un buen hombre que comete un error terrible, sí. Y la historia te enseña que, en un buen hombre, la culpa puede llegar a devastarte y consumirte. Literalmente.

Hulk (Ang Lee, 2003)

2011-07-04T08:48:00.000+02:00

Yo mismo me confieso culpable de no haber sabido ver lo bueno de esta película en su momento. Lo poco bueno, pero bueno al fin y al cabo. Y es que está claro que cuando uno va a ver una película de un "superhéroe" como Hulk, lo que se espera es destrucción a mansalva y hostias como panes de hogaza. No un atormentado personaje con una historia extraña de trasfondo, un Hulk que tarda casi una hora en salir y que cambia de tamaño constantemente en lo que es toda una violación al personaje, y la pelea final más absurda desde Catwoman. Que ya es decir.

Pretendiendo dar un pequeño giro a la historia de siempre de Hulk, Ang Lee y sus guionistas se equivocaron. La radiación gamma es la causante no de la transformación del Dr. Banner en Hulk, sino de despertar en él los efectos de un experimento genético llevado a cabo por su padre. Aquí quiero hacer un apunte a la gente de Marvel: la radiación gamma TE MATA, señores. Te deja calvo, chorreando sangre por todos los orificios y tosiendo pulmón hasta que te mueres. No te convierte en superhéroe. Pásense por un lugarcillo llamado Chernóbil y me lo cuentan.

Pero en fin, cuando Banner (un sosísimo Eric Bana que no me gusta nada para el papel) ya ha despertado su mutante interior, la cinta empieza a animarse un poco. Pero en dirección errónea. Porque no me jodáis que es muy normal que Hulk tenga una pelea contra tres perros (uno de ellos un puto caniche) mutados como él; tres HulkDogs, vaya. Vale, la escena mola, pero es en sí un enorme WTF de proporciones fétidas. Después la escena de la huida por el desierto y los tanques está chula, quizá la más luminosa y hulkesca de la cinta, aunque tanta luz permite también apreciar mejor sus enormes carencias de FX, unos FX que cantan excesivamente a ordenador en lo que era un mal común en la época y que convertía al personaje y a las escenas de acción en un jodido videojuego. No obstante, la mayor cagada es que la película dura 2 horas y 20 minutos, un metraje exageradísimo al que, encima, le sobra toda la última media hora. Si la película hubiera acabado cuando el ejército pilla a Banner después de que Betty lo calme y lo deshulke, aún hubiera pasado. Pero no contento con eso, Lee nos brindó media hora de pelea final entre Hulk y su papi, pelea que consiste en que se griten y se reprochen y que acaben en un lago entre más CGI. Ni una sola hostia verás.

Pero en cualquier caso, le reconozco a Lee un buen pulso narrativo y una dirección y montaje imaginativos partiendo la pantalla en plan viñetas de cómic. Vale, no es suficiente para que Hulk destaque, y desde luego su secuela-reboot con Edward Norton le pega mil millones de patadas, pero viéndola con un criterio cinematográfico algo más refinado, Hulk no es una mala película del todo. Lo que pasa es que no es la película que necesitaba el gigante verde para debutar en el cine.

El tiburón del pantano (Griff Furst, 2011)

2011-07-02T17:37:00.000+02:00

El canal Syfy le está haciendo una dura competencia a The Assylum en la carrera por convertirse en los mayores productores de basura infecta (NOTA: Y ahora que veo quién es el director de esto, me doy cuenta que también ha dirigido alguna de las mejores perlitas de The Assylum, o sea que ¡¡¡encima se retroalimentan!!!). Con presupuestos paupérrimos, actores recolectados del arroyo más cenagoso, guiones delirantes y un becario con Windows Movie Maker al cargo de los efectos visuales, este canal se alza como dignísimo adversario película tras película. Pero es esta la que más hilarante me ha parecido por muchísimas razones, comenzando por su premisa, título, monstruo protagonista y entorno de ambientación, todo resumido en el propio título: El tiburón del pantano.
Joder, para meter como monstruo de una peli a un tiburón de las profundidades en un pantano de Louisiana hay que tener una muy buena idea o muy poca vergüenza. ¿Adivináis qué es lo que tienen los de esta película? Si tu respuesta ha sido "una buena idea", fuera de mi blog. Si ha sido "muy poca vergüenza", sigue leyendo. Porque al tiburón se le mete con calzador, explicando de cualquier manera que un tiburón de las profundidades puede aguantar muchísima presión y que por ello es casi indestructible, y además argumentando que los tiburones pueden sobrevivir un tiempo en agua dulce.
Pero lo mejor de todo no es el tiburón digital al que apenas se ve y que canta a ordenador de manera casposa, nooooooo, no nos llamemos a engaño. El tiburón es una puta obra maestra comparado con los protagonistas, un grupo absolutamente imbécil de personajes que no importan NADA. Es más, no se importan ni entre ellos, porque cuando el novio de la protagonista muere devorado por el tiburón (de la forma más imbécil que podáis imaginar, claro), ella se hunde, grita, se queda completamente destrozada y deshecha por la pérdida de su amor... durante medio segundo. Después jura venganza contra el tiburón (¿¿¿) y a los 5 minutos ya está flirteando con el agente del FBI, de modo que al final de la película ni siquiera recuerdas que el personaje del novio hubiera existido. Alucinante.
Pero no menos alucinantes son los demás personajes: un gordo chino que hace las veces de personaje explicación, un negro borrachín que muere en una de esas epic scenes que seguro andan por YouTube, una hermana medio lela de la protagonista y el agente del FBI más chorra que podáis imaginar. Todo aderezado con un villano de segunda, el sheriff local, que trafica con animales exóticos y al que solo le falta acariciar compulsivamente a un gato y morderse el meñique en cada aparición para demostrar lo malote que es. Nauseabundamente tópico y carente de sentido.
En cualquier caso, recomiendo el visionado de esta película para pasar un rato de hilarante entretenimiento. Disfrutarás con sus errores de racord, con sus frases ridículas, con sus personajes absurdos y con el inherente surrealismo que la trama ya le da per se. Además, el final homenajea (por no decir parodia) al de Tiburón, aunque acaba de forma... un poco distinta. Os invito a verla para descubrirlo, pero eso sí, tened en cuenta que mi recomendación es absolutamente cómica y que la película es exactamente lo que parece: una jodida bazofia.

Los puentes de Madison (Clint Eastwood, 1995)

2011-07-01T17:15:00.002+02:00

Este telefilmero pastelón se salva de ser ignorado gracias a la presencia de los dos monstruos que lo protagonizan y del monstruo que lo dirige. Porque reconozcámoslo, la película es una moñada de dimensiones épicas, pero con una pareja como Clint Eastwood (a la dirección y protagonizando) y Meryl Streep, hay que darle una oportunidad incluso a un melodrama como este.
La historia es en sí un enorme flashback con dos o tres momentos en tiempo presente, sobre todo el principio y el final. Pero es el flashback lo que contiene la historia principal de ese amor tan puro que brota en el perdido condado de Madison, entre sus arboladas, sus puentes, sus granjas y su ruralidad tan rutinaria. Es en esa rutina en la que el personaje de Streep se encuentra sumida, una ama de casa abnegada y entregada a su familia, pero ya carente de esa chispa romántica que le diera la vida en su día. En esas, durante un fin de semana en el que su marido y sus hijos se marchan a un certamen de esos de condecorar a las vacas, es que aparece un apuesto hombre que lo tiene todo para conquistar a la pobre mujer. Es guapo, inteligente, fotógrafo y aventurero con mil historias que contar y todo el mundo a sus espaldas, y encima se enamora de la ama de casa hasta las trancas. La verdad es que pese al pastelonazo que es, los dos protas lo llevan muy bien, y su relación semiprohibida resulta muy bonita y está cargada de una química que atraviesa la pantalla, una química nada sexual y absolutamente romántica. La película contiene, además, uno de los finales más hermosos de la historia reciente del cine, ese momento en la camioneta bajo la lluvia en el que Streep tiene que decidir qué hacer, y aunque decide lo que decide, ese fin de semana junto al amor de su vida siempre la acompañaría. Igual a mí como marido que también soy me repatea un poco ese final (pese a lo bonito, insisto) en el que ves que una esposa ha sido capaz de pasarse la vida a tu lado amando a otro. ¿Gran gesto de amor o cabronada sin parangón? Pues depende de para quién. El caso es que es inevitable que esta cinta no arranque emociones al más pintado, y que no resulte más tierna que el pan Bimbo. Moñeta, sí, pero cinematográficamente hermosísima y con una historia de amor de esas que hacen historia.

Sé lo que hicisteis el último verano (Jim Gillespie, 1997)

2011-06-30T15:18:00.006+02:00

La verdad es que ya no puedo ver estas películas sin partirme la caja. Qué cabrones los hermanos Wayans y sus Scary Movies, que han convertido que todo el cine de terror que han parodiado pierda toda su capacidad de asustar. Anoche, viendo esta película, no podía evitar descojonarme en escenas como la del atropello (recordando la mamada de la parodia), la del gimnasio y la foto ("¡¡¡un pene pequeño es una discapacidad!!!") y sobre todo en la que Jeniffer Love da vueltas sobre sí misma gritando "por quéeeee". Yo esperaba que el autobús la embistiera, pero tuve que recordarme a mí mismo que esta era la versión seria.

Joder, pero cómo cuesta considerar seria a una peli como esta. Vale, es entretenida dentro de su truñismo, y los protagonistas son todos conocidillos, pero el argumento es un copy-paste de esa revisión del género que introdujo Scream en los noventa. A saber: grupo adolescentes guapos y triunfadores + suceso trágico random + asesino en serie vengativo de pintoresco disfraz + muertes a cholón + descubrimiento de la verdad + muerte aparente del asesino + protagonista femenina que se carga al malo y final SIEMPRE abierto a una secuela. Si lo pensáis, el slasher teen desde Scream es todo así. Aquí tenemos como aliño rico-rico a la jamona de la Jeniffer Love Hewitt y a Buffy Cazavampiros, perseguidas por un asesino que, reconozcámoslo... tiene un atuendo de lo más gilipollas. O sea, yo veo a Jason Voorhees o a Freddy Krueger y estoy corriendo calle abajo hasta que se me lijen las piernas a la altura de la cadera. Pero en cambio me cruzo con el capitán Pescanova este, y ¿qué va a hacer? ¿Contarme las propiedades nutritivas de la merluza?

Pero bueno, esta peli tuvo su público (y su secuela), no es una basura técnicamente hablando aunque nos haga tragar toooooodos los clichés del mundo (quedáos con la Buffy, que no se quita la corona de reina del baile durante toda la escena inicial, por favor...), y en conjunto resulta entretenida como cine de consumo rápido y olvido más rápido aún.

La noche del Diablo (Robert Resnikoff, 1990)

2011-06-30T14:43:00.004+02:00

Tras el prometedor inicio de su carrera con La Bamba y protagonizando después un par de películas de culto de Arma Joven, la carrera de Lou Diamond Philips nunca despegó como podría haberse augurado. Así, poco a poco, este actor quizá se vio perjudicado por su aspecto étnicamente indeterminable (en serio, ¿qué coño es? ¿Chino? ¿Indio? ¿Mutante?) y relegado cada vez más a producciones televisivas y cine de segunda división... cuando no de tercera regional. Encontramos al bueno de Lou en mierdas como Bats, Aguas Sangrientas, El triángulo de las Bermudas o Carny, en una fulgurante carrera que no salva ni su pequeña participación en En honor a la verdad.

Pero bueno, el cine siempre necesita obreros (¿eh, Bardem, bocachancla?), y Lou es uno de ellos. No es una estrella, es un rostro conocido que brilló momentáneamente y que se resiste a desaparecer como tantos otros, y que sigue viviendo de la "interpretación" aunque sea a base de películas de mierda.

En los noventa, supongo que cuando se dio cuenta de que su tren había pasado casi sin verlo, Lou comenzó a protagonizar películas como esta. Típica hasta la saciedad y con un argumento que mezcla lo policíaco con lo demoníaco -muy en la línea de la época que otros como Harrison Ford, Chuck Norris y un poco más tarde Schwarzenegger también se atreverían a cruzar-, la peli cuenta la historia de un asesino en serie que obtiene poderes demoníacos para poseer cuerpos vivos después de ser ejecutado y poder seguir en el oficio. Se notan reminiscencias de Muñeco Diabólico, de The Hidden, y de otras muchas pelis de las que el guión toma esto y lo otro. Los estereotipados personajes y el previsible desarrollo no impiden que la cinta sea totalmente disfrutable sin pretensiones, y tomada como un ejercicio de cine de serie B según los cánones del momento. Lo mejor: el final. Lo peor: que todo está muy visto y repetido, antes y después.

Pactar con el Diablo (Taylor Hackford, 1997)

2011-06-29T12:58:00.005+02:00

Esta es otra de esas películas que marcaron mis años 90 y que me cautivaron instantáneamente. No es para menos, porque Al Pacino se marca uno de sus habituales papelones, estupendamente secundado por un competente Keanu Reeves y una sufridísima Charlize Theron. A todo esto hay que añadirle un ritmo que atrapa, una historia excelente que bien podría definirse como un thriller judicial sobrenatural demoníaco (¡toma ya!), y un cuidadísimo diseño de producción. No resulta extraño que los 150 minutazos de su metraje no parezcan estirados, y que la cinta pase en un suspiro, con subidones de tensión insoportables y escenas realmente indelebles.

Y es que todo en Pactar con el Diablo es atrapador. Atrapa, de primeras, la guapa y joven pareja protagonista, con cuyos sueños de una vida común recién comenzada no resulta difícil simpatizar. Atrapa el personaje de Pacino, un abogado rico, experimentado y sin escrúpulos, que ofrece al joven Reeves la oportunidad de su vida. Atrapa la historia secundaria del asesino de su esposa, de la que vamos descubriendo datos y atando cabos hasta comprender la verdad de ese oscuro bufete. Y en este punto ya estamos totalmente atrapados por la historia, pero es que es entonces cuando empieza a ponerse interesante de verdad, cuando comienza a desarrollarse la parte terrorífica que gira en torno al personaje de Al Pacino y que hasta el momento solo intuimos o sabemos por el título. Quizá se pierde un poco de realismo y hay escenas que chirrían (como cuando Pacino mete el dedo en la pila de agua bendita), pero luego hay otras que elevan el guión a las nubes (como los monólogos que se casca Pacino cuando están matando al otro abogado o durante la escena final). Escenas terribles como la de la muerte del personaje de Theron dan gran impacto a la cinta, que en su tramo final es un auténtico tour de force que culmina con el enfrentamiento entre el diablo y su hijo y el descubrimiento de todo el pastel. Y entonces, cuando respiramos aliviados, la última secuencia, pese a su morphing cutrón, nos da otra bofetada en la cara y nos recuerda lo malos que somos y que siempre acabaremos cediendo a las tentaciones. Una lección real como la vida misma y contada en una excelente película que no te deberías perder, y que sin duda ha pasado a la historia por mucho más que ser la película en la que le vimos a Charlize Theron la chotera.

The Stuff (Larry Cohen, 1985)

2011-06-28T10:26:00.001+02:00

No se me ocurre nada más ochentero que esta película. Ni los mullets, ni los calentapiernas, ni las hombreras, ni los walkmans, ni Thiller. Esta película debería ilustrar por sí sola cualquier ponencia sobre cine de terror chusco de los ochenta, porque es un manual punto por punto. La verdad es que yo por su sinopsis me esperaba algo mejor, pero aún con todo me resultó moderadamente entretenida, aunque titubea un poco entre lo serio y la comedia sin ser totalmente procedente. Pero claro, hablamos de una película sobre una sustancia que brota del centro de la Tierra y que a un par de lumbreras se les ocurre comérsela en la primera escena, en todo un requetewhatthefuck, descubriendo que está buena y decidiendo comercializarla. Pa flipar. Tras esa escena inicial, saltamos un poco en el tiempo para tener ya comercializado y triunfando el Stuff, postre delicioso a base de la asquerosidad esa. Pero claro, si todo fuera así de simple no tendríamos película, así que ¿qué es lo más normal que te pase si te comes una sustancia viscosa y palpitante que brota de las grietas del suelo? ¡Pues que te ~~mueras~~ conviertas en zombi, hombre! Bueno, zombi, zombi, no, pero sí en una especie de siervo de la sustancia interconectado con más siervos como tú. ¿No os suena al argumento de otra cojonuda película?

Lo malo de The Stuff es que el argumento de base no se tiene en pie, y que sus personajes estereotipados no contribuyen a la seriedad, desde el protagonista reshulon hasta el general del ejército, pasando por "Chocolate" Chip Charlie, que por si no lo habéis deducido aún de su nombre, sí, es el imprescindible negro gracioso.

Pero bueno, 80 minutitos no dan para mucho aburrimiento y la peli se deja ver. Me hace gracia también el desvarío final con la venganza de los protas contra los empresarios, y sobre todo el último plano en el que vemos que el Stuff se ha convertido en la droga de moda. Una vez más, los ochenta demuestran que siempre nos queda algo de ellos por ver, y que normalmente no está mal del todo.

NOTA: Buscando director y carátula, he visto que Larry Cohen también dirigió Regreso a Salem's Lot, secuela de la genial película de vampiros de los ochenta. Y no me sorprende, porque el papel del niño en las dos películas es muy similar, igual que la escena final de venganza en la que vemos al niño con una actitud muy madura forzada por su situación. Se nota el paralelismo de ambos personajes.

Hellboy 2: El ejército dorado (Guillermo del Toro, 2008)

2011-06-25T09:53:00.002+02:00

Guillermo del Toro nos vuelve a brindar uno de sus claramente reconocibles trabajos, lleno de esa impronta fantástica que le caracteriza y de esos personajes tan... tan... tan guillermodeltorescos, vaya. En este caso todo es absolutamente apropiado dentro de la temática de la película, nada menos que las aventuras de un equipo especial de luchadores contra fuerzas sobrenaturales, pertenecientes a una organización secreta (la Agencia de Investigación y Defensa de lo Paranormal), y liderados por un demonio reconvertido al bando de los buenos: Hellboy.

¿Quién mejor que Ron Perlman, con ese careto que Dios le ha dao, para hacer de Hellboy? Enfundado en un logradísimo -y supongo que harto incómodo- traje musculado, Perlman se convierte en el personaje y le da un adecuado tono socarrón a lo Lobezno, pero salvando las distancias. En esta secuela la misión es más épica e incluye a una raza ancestral de reyes y a un ejército que podría arrasar a la humanidad, algo que Rojo y los suyos se esforzarán por impedir. Perlman está muy bien acompañado de buenos secundarios que repiten de la primera cinta y otros nuevos: Abe Sapien (genial personaje interpretado por Doug Jones, que también fue el Fauno de El laberinto del Fauno), la novia piroquinética de Hellboy, Liz, el divertido jefe de la AIDP y el ectoplasmático Kraus, que con el doblaje español de Santiago Segura aún es más divertido. Sin olvidarnos del villano, el príncipe Nuada, que con su seriedad y su mala uva nos hace olvidar un poco a su gemelo ridículo interpretado por Jeremy Irons en La máquina del tiempo.

En fin, acción, fantasía y buenos efectos especiales se aúnan en esta producción sin demasiada violencia y con un auténtico universo de cuento alrededor, buenas peleas y excepcional maquillaje. Casi dos horas de entretenimiento demoníacamente divertido que, si no recuerdo mal, es incluso mejor que su predecesora, con la que además no guarda demasiada correlación y permite disfrutarse por sí sola.

Atrápame si puedes (Steven Spielberg, 2002)

2011-06-22T16:05:00.003+02:00

Al final habrá que perdonar a DiCaprio por Titanic y todo. Porque este chico ya se ha redimido con creces con muchos buenos papeles, y se ha ido convirtiendo progresivamente en un actor versátil que ofrece mucho más que su aniñada y ya distante imagen de guaperas rubiete con la que encandiló a las carpeteras de los noventa.

En esta película, el amigo Leo demuestra una vez más su talento en un papel que maneja bien todo el largo metraje, y que hace que casi nos olvidemos de que el otro protagonista es nada menos que Tom Hanks. Pero claro, el personaje de DiCaprio también contribuye, porque es uno de esos que calan. Y es que el bueno de Frank, siendo menor de edad, se convierte en uno de los falsificadores más buscados por el FBI (concretamente por el agente interpretado por Hanks), y en un tío capaz de hacerse pasar por piloto de líneas aéreas, médico o abogado. Todo esto con una competencia y una credibilidad tales que llega a engañar, y no pocas veces, a un montón de auténticos profesionales. Lo que se dice un farsante de aúpa, vaya, pero uno de esos que te caen bien.

La parte melodramática del film la pone la historia familiar de DiCaprio y sus relaciones rotas con las mujeres, algo comprensible cuando hablamos de alguien que tiene que salir corriendo de cuando en cuando para que no lo pillen. En ese tira y afloja entre perseguidor y perseguido es donde se forja la bonita amistad entre los personajes de Hanks y DiCaprio, una amistad que lleva al agente a acabar dando trabajo a ese ladrón que, como bien queda claro, llega un momento en el que es un yonki de sus propias mentiras. En fin, buen ritmo, buena historia, buenas interpretaciones y un final feliz nada edulcorado hacen de esta película un estupendo rato de buen cine made in Spielberg.

Ouija (Juan Pedro Ortega García, 2004)

2011-06-20T15:30:00.009+02:00

Tras la "Uninvited Experience", mi cinéfago interior se moría y mataba por una buena película de terror. Y la otra noche, la televisión pública pareció querer acudir al rescate con una producción cuyo sugerente nombre no podía resultarme más atractivo: Ouija.

Pero joder, era cine español.

A los 5 minutos de película ya tenía claro que aquello iba a ser una puta mierda que no tendría por dónde cogerse. Los actores, totalmente desconocidos -se ve que la falta de presupuesto impidió incluso rescatar a ~~putos fracasados en el arroyo~~ viejas glorias de Al salir de clase o Compañeros, como mandan los cánones del espanis jorror-, estaban de patíbulo. La fotografía no podía ser más amateur. Las localizaciones parecían el pueblo del guionista, y los interiores eran poco más que un garaje donde, en un alarde de originalidad, los protagonistas tocaban música. Y lo peor era el guión: con una típica historia sobre adolescentes de 35 años que juegan a la ouija e invocan a un demonio llamado Audscias (que por cierto, vaya mierda de nombre para un demonio que más bien parece una marca de coche) que les va puteando haciéndoles escuchar música de violín, puta excusa para meter referencias a la leyenda del violinista Paganini, de quien se decía que había hecho un pacto con el Maligno. Con este pretexto se desarrollan diálogos imbéciles fatalmente interpretados (y peor doblados) por la banda de criminales que conforma el reparto. Las muertes son penosas. Las apariciones demoníacas, inexistentes. La tensión, nula. Y el aburrimiento, extremo. Bueno, no, al menos es tan chunga y tan burdo intento de calco de Muertos del pasado (mediocre cinta que aún así le da 20 patadas giratorias a lo Chuck Norris a ésta) que hasta entretiene. Y perdonad, corrijo: sí que aparece el demonio. De esta guisa:

Parece el primo digital de la Langosta de El infierno ardiente (película que solo Cinecutre se atrevería a reseñar porque se juegan su alma inmortal):

En fin, no hace falta decir más. Cine español de terror, brother. No solo la Fantastic sabe hacer basura infecta.

Uninvited (Greydon Clark, 1988)

2011-06-13T12:40:00.008+02:00

El mal se presenta de muchas formas. La investigación genética con animales que en los años 80 sirvió de base para muchas casposas películas (como mi adorada Shakma), no conocía límites ni había oído hablar de comités de ética animal ni hostias en vinagre. Y en esta cinta adquiere una nueva dimensión de horror al convertir en monstruo incontrolable a... un inofensivo gatito persa. ¡¡¡¡Chan-chan-chaaaaaaaaaan!!!!

"Como el aguaaaaaaaaaa... ay como el aguaaaaaaaa..."

No, en serio, qué hijos de puta, ¿no? Si ya me daban rollo los gatos, ahora más. Porque ¿cómo no temer a un animal capaz de sacar por su boca a un monstruo de gomaespuma tan cutre? Yo... no sé qué decir, esto me supera. Los primeros 5 minutos de la peli son auténtico infracine de manual. Atención a la manipulación de los dos doctores al gato, tan tranquilos; a la chorra forma en la que el animalico se escapa, provocando el pánico (¿¿¿) de sus hasta entonces relajadísimos manipuladores, que despliegan un protocolo de código rojo (¿¿¿¿¿) y operarios armados y con trajes de contención biológica (¿¿¿¿¿¿¿¿¿¿¿¿¿¿¿¿). Pero claro, no es para menos, porque el gato puede... puede... puede... No lo cuento: LO PONGO.

En fin, una vez visto esto y cuando has dejado de partirte la caja, el resto de la peli va a peor. Tías buenas ochenteras ligeras de ropa y haciendo aeróbic, tíos guaperas vestidos de forma sonrojante y con pelazos cardados, un malote de motivación gilipollas, un yate, y el gato, todo batido para que la gente vaya muriendo cutremente y se produzcan más apariciones del gato-monstruo marioneta. El final vuelve a ser caspa del mayor nivel, con el gato salvándose flotando sobre un maletín y llegando a una playa... pero resulta que es otro gato, porque es de otro color y otra raza... ¿Entendéis algo? ¿No? Yo tampoco. Pero la intro de esta peli es HISTÓRICA, amantes del cine cutre. Miau si lo es.

Insidious (James Wan, 2011)

2011-06-13T12:03:00.005+02:00

Casi todo lo bueno que podáis leer sobre esta película es absolutamente cierto. Insidious es una película de las que deja el cine con olor a caquita, con eco de gritos y con suspiros de alivio cuando las luces se encienden. El director James Wan, artífice y creador de la primera (y claramente mejor) entrega de la alargada saga de Saw, firma aquí una película de terror absoluto, sin vísceras ni casquería innecesaria, valiéndose de fantasmas, interpretaciones convincentes, un sólido guión con reminiscencias de muchos grandes clásicos, y de una banda sonora estridente y acertada. El inicio ya es una declaración de intenciones, y cuando las letras rojas del título aparecen ocupando toda la pantalla a golpe de chirrido estridente, inmediatamente me vino a la cabeza El exorcista, película que está muy presente en todo el metraje. Como también lo está Poltergeist, el segundo gran referente de este guión que narra la incursión en el más allá de un niño cuyo cuerpo espiritual se ha separado del físico, quedando a merced de que otros entes diabólicos ocupen su carcasa vacía. Lo que comienza como una Amityville cualquiera, pronto hace honor a su slogan de "no es la casa lo que está maldita", ya que los sucesos paranormales no se detienen al marcharse. Las presencias fantasmales y los golpes van cobrando más fuerza, hasta que nos llevamos el primer gran susto con el fantasma en la cuna, y el segundo con el que ataca a Renai en su cama. De nuevo percibimos otra referencia: El sexto sentido, en la forma de introducir los sustos fantasmales tan escalofriantes. La banda sonora tipo "exorcista" también contribuye a ese clima de tensión que solo se ve interrumpido por la pareja de frikis que acompañan a la médium, interesante y nada disonante aporte cómico en una película que da mucho miedo. En toda la parte de la sesión parapsicológica, el claro referente es de nuevo Poltergeist, e incluso el director se permite un toque Raimi en la secuencia de montaje del material que me arrancó una sonrisa, y que los frikis como yo captaréis enseguida. Lo único cuestionable es que la película se flipa en su última media hora, con toda la parte de la incursión del padre en el más allá en busca de su hijo, capturado por ese demonio con pinta de Darth Maul y señor de un mundo tipo el de La celda. No obstante, el finalón logra recuperar ese último tramo de convencionalismo y nos deja con el culo prieto otra vez, con lo que te alegras de haberte gastado el dinero en ver una peli de miedo, miedo, en el cine. Por una vez.

The Fighter (David O. Russell, 2010)

2011-06-12T11:34:00.001+02:00

Micky Ward no era Rocky Balboa, eso está claro. Pero su historia, la de un gran boxeador que logró alcanzar el nada fácil título de campeón del mundo del peso Welter, supera con creces la del Potro Italiano porque es absolutamente real y, por lo que he visto, recreada con una fidelidad cuidada al detalle. Si alguien tiene alguna duda, le invito a buscar en YouTube la pelea de Ward VS. Sanchez y sorprenderse ya no solo de la estrategia de Micky (y de su hermano), sino de la exactitud de la recreación fílmica en The Fighter. Hasta la caída de Sanchez, hincado de rodillas, es idéntica.

The Fighter funciona porque sus actores sobresalen. La historia es la clásica expresión del sueño americano: Micky Ward (estupendo Mark Wahlberg en un papel que callará bocas de quienes lo consideran un actor mediocre) es un boxeador muy mal llevado y asesorado por su familia (auténtica panda de aspecto de sureños endogámicos, sobre todo las hermanas), y bajo la larga sombra de su hermano, entrenador y también ex-boxeador, Dicky, héroe local por haber "tumbado" a Sugar Ray, ganándose el apodo de "El orgullo de Lowell". Dicky, interpretado por Christian Bale en el papel que le ha hecho ganarse su primer Oscar (con razón, porque está soberbio no solo por su aspecto, sino por su apabullante interpretación de ese personaje nervioso y entrañable), sin embargo, tiene un "problemilla": es adicto al crack. Y entre boxeo, drogas, el malvivir de los personajes, la entrada de Dicky en prisión y el inicio de la relación de Micky con Charlene (una guapísima y estupenda Amy Adams), la película nos mete en ese mundillo y nos hace parte de esa colla de personajes tan bien construidos y tan cercanos, para bien y para mal. Aunque el que roba la película es Bale, el resto del elenco también está excelente en sus papeles, y la película toca muchas fibras distintas y deja en el espectador una sensación de triunfo a muchos niveles. Triunfo deportivo, triunfo personal, triunfo del amor y triunfo de la superación y de la familia. Un canto a la vida misma a golpe de puñetazos sobre un ring.

El resplandor (Stanley Kubrik, 1980)

2011-06-11T10:33:00.001+02:00

Buena, tensa, atmosféricamente genial, angustiosa y claustrofóbica, aterradora a momentos... Y, sin embargo, quizá la peor película de Kubrik -salvo la insoportable Eyes Wide Shit. Shit NO es una errata- en mi opinión. Opinión que fundamento en haber visto el resto de sus películas, ante las que ésta se me antoja algo flojilla, y también en haber leído el libro de King en el que se basa, del que se omiten demasiadas cosas que, por ejemplo, la versión televisiva de Mick Garris protagonizada por Steven Weber sí contaba con todo lujo de detalles. Pero bueno, para gustos los colores.

Una vez más, eso sí, encontramos en una obra de Kubrik su característica maestría para construir atmósferas. Aquí, la atmósfera es de soledad, de desamparo, de angustia, de tensión insoportable. No es para menos cuando estás literalmente encerrado en un monstruoso hotel, aislado por la nieve e incomunicado de todo el mundo, junto a un marido que pierde la cabeza a merced de malvados espíritus que habitan en el lugar. Qué decir de la interpretación de Nicholson que no se haya dicho ya. Este hombre de rostro inquietante y expresividad sin par, nació para interpretar papeles como el de Jack Torrance. No puede decirse más. Todo lo contrario de su compañera de reparto, Shelley Duvall, cuyo personaje, más allá del vergonzoso doblaje de Verónica Forqué (a decir verdad, todo el doblaje español de la peli es insufrible), me parece absolutamente lamentable. Es débil, atontada y llorica hasta la náusea. Solo hay que ver la escena en la que Jack va subiendo las escaleras hacia ella, que las sube de espaldas lanzando estúpidos golpes al aire con un bate de béisbol mal cogido. Un ejemplo de lo torpe e inútil que es, ya que solo le da en la cabeza a Jack por casualidad.

Las escenas que involucran fantasmas como el de las niñas o al pobre niño Danny diciendo el mítico "REDRUM" son estupendas, cargadas de genuina tensión que no es solo sobresalto. Lo único, quizá, que se me hace un poco larga y que aquel especial de Halloween de Los Simpsons le ha hecho mucho daño a la escena final. "Ganas de matar aumentando..."

Señales (M. Night Shyamalan, 2002)

2011-06-10T09:39:00.001+02:00

Jamás una película sobre una invasión extraterrestre se gastó menos dinero en efectos especiales. Y ahí radica la magia de Señales, una película en la que, fiel a su estilo, Shyamalan interioriza y profundiza en los personajes, esa familia que aún está digiriendo una fuerte desgracia y que se ve inmersa en algo demasiado increíble para dar crédito, como es el que una raza extraterrestre esté invadiendo la Tierra.

Con el habitual ritmo lento pero constante del hindú, la historia empieza con esas señales en los campos de maíz de las que tanto se ha hablado siempre en los programas de lo sobrenatural. Mel Gibson interpreta a lo contrario de sí mismo: un sacerdote sin fe después de haber perdido a su esposa en un accidente realmente terrible provocado por un pobre hombre que se duerme al volante. Curioso ver al ultracatólico de Gibson diciendo que Dios no existe y que estamos solos, aunque supongo que la escena final de él con el alzacuellos sería toda una catarsis para su personaje tanto como para él. Acompañándole están Joaquin Phoenix como su hermano, personaje algo borderliner que interpretativamente Phoenix borda, y dos niños que escapan de lo horrendo de los niños del cine y no dan ganas de matarlos. Pero como siempre, el auténtico personaje principal de la película es la historia, motor de todo lo que vemos y oímos. La tensión inicial se torna en desconcierto, el desconcierto vuelve a tornarse en tensión cuando la invasión ya es inminente (excepcional y aterradora la escena del alienígena que pasea en un cumpleaños brasileño, ¿no creéis?) y al final, como siempre, queda un espacio para la emoción en el clímax de la película, donde bajo el subidón musical del compositor habitual de Shyamalan, James Newton Howard, la familia tiene que afrontar su gran reto físico y espiritual. Destacar también aquí el uso de los flashbacks como elemento crucial para esta historia que tiene una parte tan importante en el pasado (toda la de la muerte de la esposa y sus últimas y aparentemente incoherentes palabras) como eje resolutivo de la trama del presente. Un nuevo ejemplo de que este Orson Welles hindú es un excelente cuentacuentos tradicional que hace lo que le da la gana en una industria tan difícil como es la Hollywood.

Batman Begins (Christopher Nolan, 2005)

2011-06-09T09:17:00.001+02:00

Deslumbrante relato de cómo un hombre puede convertirse en un símbolo, y de la motivación, el duro camino y el entrenamiento requerido para ello. Un duro camino lleno de enemigos y de algún que otro aliado, enmarcado en una ciudad que da una nueva vuelta de tuerca a la palabra "corrupta". Y lo más fascinante es que esta historia tan humana, cruda y absolutamente realista, sea la del origen de uno de los personajes de cómic más conocidos: Batman.

Christopher Nolan da una lección de dirección comercial en este peliculón sobre los orígenes del Caballero Oscuro, empezando desde el cero más absoluto y haciendo caso omiso de que Batman ya tuviera una buena retahíla de películas filmadas. Conocemos a un Bruce Wayne (genial Christian Bale, como de costumbre) autoexiliado a los rincones más violentos del mundo para luchar contra criminales, sumido en una espiral de autodestrucción y violencia tras el asesinato de sus padres a manos de un ratero de poca monta. Tras aquel momento, el joven Bruce supo que su destino sería combatir a los criminales, pero vemos a un personaje consumido por el odio y la venganza. No obstante, todo cambiará cuando conoce a Ducard y a Ra's al Ghul, líderes de la Liga de las Sombras, que lo entrenarán en el arte de los ninja y tratarán de convertirlo en un verdugo, algo que separará sus caminos drásticamente. Ya de regreso en Gotham, Bruce empezará a crear su nueva identidad de justiciero de la noche con la ayuda de su fiel mayordomo Alfred, de los artefactos de Lucius Fox, y del apoyo del sargento Gordon, único policía honrado en una ciudad que agoniza de decadencia.

Hasta aquí, la película es una obra maestra. Toda esta primera hora de origen de de personajes, entrenamiento y preparación, es simplemente magistral. A partir de este momento, ya con Batman en escena y enfundado en su traje, podría decirse que la cinta se resiente un poco de sus personajes ya más estereotipados, pero como nunca cae en lo fácil y sigue siendo un festín de acción con acertados toques de humor, continúa siendo un espectáculo. Pero hay que recalcar que esa primera hora es de absoluta referencia, y que la dirección, las interpretaciones, la acción, la historia y la BSO, convierten a Batman Begins en el merecido referente actual de cómo hacer una película de superhéroes seria y realista.

Gattaca (Andrew Niccol, 1997)

2011-06-08T08:59:00.000+02:00

La buena idea que plantea el guión original de Andrew Niccol es lo que convierte a Gattaca en un soplo de aire fresco dentro de un género que me encanta como es la ciencia-ficción. Y Gattaca es ciencia-ficción en estado puro. Imaginaos su contexto: la Tierra, un futuro indeterminado pero no demasiado lejano, un futuro de esos creíbles y en los que resulta fácil situarse. Un tiempo en el que la sociedad está formada por niños concebidos a la carta, diseñados genéticamente perfectos. Y aquellos que nacen con algún defecto o enfermedad, son directamente considerados "no válidos", y descartados igual que se descartaban a los niños débiles en la sociedad espartana. Así, los "no válidos" se ven relegados a los trabajos más bajos, mientras que los "aptos" pueden ascender como la espuma. Gattaca cuenta la historia de Vincent, uno de esos pobres descartados (un correcto Ethan Hawke) que no se resigna a no cumplir su sueño de ser piloto espacial pese a una dolencia cardíaca que prácticamente tiene a su corazón convertido en una bomba de relojería con cuenta atrás programada para los 30 años de edad. Pese a todo, Vincent no cejará en su empeño y burlará la dura seguridad de la base de entrenamiento aéreo de Gattaca con otra identidad perfectamente planeada junto a Jerome (estupendo Jude Law), un "apto" que quedó paralítico tras un accidente. Así, Vincent se convertirá en Jerome para poder cumplir su sueño, aunque el camino no será fácil. Aquí la historia introduce de forma muy conveniente un necesario romance con la chica de la película, Uma Thurman, y la trama de un asesinato que a todas luces parece haber cometido el propio Vincent para salvaguardar su mascarada. Del mismo modo, la identidad del policía que investiga el caso también podría ser considerada una sorpresa, y aunque para mí no lo fue (no lo digo porque vaya de listo, simplemente me lo olí, ya está), me pareció muy coherente, si bien la escena de la carrera en el mar se me antoja innecesaria. De todos modos la película nunca se hace aburrida, el guión es brillante y las interpretaciones muy correctas. Al final, la sensación es la de haber visto un gran ejercicio de ciencia-ficción de los que ya no se hacen, y eso siempre es de agradecer.

Tenebre (Dario Argento, 1982)

2011-06-07T08:42:00.003+02:00

A mí, el argumento de esta película me suena. Muchas películas posteriores -y supongo que alguna anterior- han jugado con la idea de un libro sobre asesinatos cuyos crímenes trascienden del papel y se trasladan a la realidad, igual que con que el asesino esté aquejado de una locura homicida, disociación de personalidad, o de haber visto demasiado "Sálvame". Pero lo que distingue a Tenebre de otras películas similares son tan solo dos palabras, pero dos palabras que hay que pronunciar con respeto: Dario Argento. Sí, amigos, porque este cineasta macrocéfalo, feo como un pie sin uñas y ahora en horas bajas no, bajísimas, sigue y seguirá siendo siempre el máximo exponente del giallo, así que presentemos nuestros respetos ante él. Es como George Romero, sus grandes logros para el cine de zombies en los 60-80, justifican (o, al menos, hacen tolerables) los crímenes que ahora perpetra contra ese mismo género.

Pues del mismo modo, en Tenebre encontramos a un Argento en su momento álgido. Su hábil narrativa salpicada de sangre y su buen pulso para contar una historia manteniendo el interés, convierten a esta película en una de sus obras magnas. Con la acción desarrollada en Roma, la historia trata sobre ese escritor que, promocionando su última novela de misterio y asesinatos, se ve convertido en el confesor del supuesto asesino. Así, entre crimen y crimen, salpicados de la sangre de Titanlux de la época, Argento juega con el espectador dándole pistas para desentrañar la identidad del malo, algo que tampoco resulta muy difícil, pero que igualmente deriva en una gran secuencia final. Y es que siempre digo lo mismo, pero es verdad: hay películas que pertenecen a una época, que la definen. Quizá no estén hechas para nuevas generaciones más acostumbradas a lo digital y a lo puramente comercial. Pero Tenebre, Argento, Fulci, Romero, Carpenter, Craven... son todos dinosaurios que dominaron la Tierra y que, algunos todavía, se resisten a morir.

Vanilla Sky (Cameron Crowe, 2001)

2011-06-04T12:08:00.000+02:00

Tesis era buena, vale. Y Abre los ojos no estaba mal, vale. Pero de ahí a que la crítica especializada tenga tan encumbrado a Amenábar, va un trecho. Me parece un director soso como él solo. No obstante, Tom Cruise (Tomás Crucero, que no tenéis ni puta idea de inglés), debió quedarse flipado con Abre los ojos, tanto como para pagarle a Amenábar un pastizal por los derechos de su guión, e incluso llegar a un pacto entre ~~homosexuales~~ caballeros para dejarle a su parienta como protagonista de su primer ~~plagio~~ film hollywoodiense. Qué gracia me hacen, por cierto, los críticos que se meten con Cruise por "plagiar" Abre los ojos en Vanilla Sky. Al menos él pagó los derechos...
El resultado de la compra de Cruise fue esta película, copia casi plano a plano del film original, pero con mucha más pasta y con actores de los buenos. Salvo Penélope Cruz, que repite su mismo papel con idéntico resultado: vagar por los planos más perdida que una puta en cuaresma. La historia, que ya conoceréis, es la de un joven ricachón que tras un accidente queda desfigurado, y todo se va contando a saltos entre flashbacks y el tiempo real, un tiempo real en el que supuestamente está en prisión por haber asesinado a su novia. El guión nos va hilvanando la trama hasta llegar a un final donde la criogenización y los programas tipo Matrix nos dan una sorpresa agradable, aunque siempre muchos puntos por debajo de los finalones tipo Shyamalan que Amenábar tanto intenta imitar con tan patético resultado. Cruise defiende su papel como sabe y como puede, y la dirección también se las arregla para que la película resulte entretenida. Es más, incluso te diría que, si no has visto Abre los ojos, te olvides de que existe y veas directamente Vanilla Sky. Como se suele decir, "caballo grande, ande o no ande".

El regreso (The return) (Asif Kapadia, 2006)

2011-06-03T11:46:00.000+02:00

Solo la presencia de ~~Buffy~~ Sarah Michelle Gellar eleva a esta producción un poco por encima de lo que sería cualquier telefilm de Antena 3 o cualquier infracinta de Uwe Bowl con Tara Reid como protagonista. No porque la Gellar sea mejor actriz o más guapa, sino porque su experiencia en el cine de terror, del que ya se ha convertido en una moderna scream queen, sirve de sustento para que su papel nos resulte algo más creíble y que soporte el peso de la trama. Pero en cualquier caso, la historia de thriller sobrenatural de El regreso es muy convencional y no tiene ni la más mínima sorpresa. Las visiones del asesinato que conducen a Sarah a ese pueblo donde empezará a descubrir la verdad son un recurso demasiado usado y fácil. Los personajes, demasiado tópicos, acusan también de incomprensibles fallos de caracterización, sobre todo el protagonista masculino, para quien han pasado 20 años y que está igual que si hubieran pasado 20 minutos. Tampoco hay tensión en el conflicto final asesino-protagonista, que se resuelve como todos esperamos. Y el propio clímax final de la historia tampoco acaba de ser ninguna sorpresa. En definitiva, otra de esas películas de consumo y olvido, de las que pasan por los cines un par de semanitas y nadie las recuerda. Con razón.

El bosque (M. Night Shyamalan, 2004)

2011-06-02T11:39:00.000+02:00

¿Os he dicho ya alguna vez que me encanta el cine de M. Night Shyamalan? No he visto Airbender, y no creo que la vea para no romper el encanto, como cuando te acuestas con una fea a oscuras. Pero salvo esa, el resto de sus películas me parecen excelentes. Unas mejores que otras, pero todas poseedoras de una maestría sin parangón a la hora de narrar la historia, dotadas de personajes profundos y bien desarrollados, de bandas sonoras poderosas y de estupendos giros finales. El bosque, cuarta gran película del cineasta hindú, cuenta la historia de una pequeña aldea rural de Pennsylvania, en la que los habitantes subsisten con el miedo a unas extrañas criaturas que viven en lo profundo del bosque y atacan esporádicamente a los aldeanos. Pero la realidad es la historia que se esconde detrás de ese pueblecito aparentemente bucólico y anclado en el siglo XIX, la historia de su nacimiento, de su propia existencia. Y como siempre, fiel a Shyamalan, la historia de sus habitantes y sus relaciones. La preciosa Bryce Dallas Howard interpreta a una joven invidente, enamorada del personaje de Joaquin Phoenix (que repite bajo las órdenes del hindú tras Señales), una joven capaz de adentrarse a ciegas en el bosque y desafiar a lo que quiera que haya con tal de salvar la vida de su amado, todo de una forma muy fabulesca, como si de un cuento de los hermanos Grimm en carne hueso se tratase. Todos sabréis el final, pero es una gozada descubrirlo. Igual que disfrutar de la sutileza con la cámara que imprime el director, de esos planos tan personales e imaginativos, de esas largas conversaciones repletas de miradas y silencios, de esa formidable manera de crear tensión y emoción, de jugar, en definitiva, con nuestro espectro emocional. El color rojo, igual que en El sexto sentido, vuelve a cobrar un gran protagonismo en esta historia con una última media hora maestra. Y eso que reconozco que cuando la vi en el cine me quedé decepcionado, pero cuanto más mayor me hago y más veces veo las pelis de Shyamalan, más me doy cuenta de que su manera de contar historias me tiene totalmente fascinado.

Voodoo (René Eram, 1995)

2011-05-30T15:20:00.002+02:00

Otra de esas pelis que me dan la impresión de haber sido rodadas a principios de los ochenta por su malísima calidad técnica, pero que viendo su fecha resulta ser de mediados de los noventa. Fue la primera y única película dirigida por René Eram, porque una sola película le bastaba al insufrible Corey Feldman para hundir a cualquier director. Vamos, el chaval este llega a ser el niño de E.T. y Spielberg estaría barriendo las aceras. Aquí, Feldman interpreta a un chico que acaba viviendo en una fraternidad de 5 miembros que resultan ser una secta vudú de la que él va a ser el próximo incorporado forzoso. Así, entre novatadas, fraternidades, campus universitarios y la estupidez de la novia de Feldman, la película discurre por una línea demasiado plana. No tiene terror, ni tensión, ni gore, los momentos de uso del vudú son muy light, y la verdad es que uno no sabe muy bien cómo poner el culo en el sofá. En ochenta minutitos escasos te levantas a hacerte un café, unas palomitas, a coger algo de beber y trasteas con el iPhone, lo que sea por hacer más corta y menos aburrida esta película en la que todo va a ritmo de caracol. Así que al final, una historia sobre hermandades diabólicas que podría haber dado juego (recuerdo alguna película de ese palo que no ha estado mal), acaba siendo un coñazo olvidable por completo. Je, como Corey Haim. O Feldman. ¿Cuál demonios era? Qué más da. Los dos eran unos petardos, aunque creo que uno ya reventó por el camino...

PD: Atención al póster, con la aguja de vudú atravesando las letras en plan Conan... Yo es que flipo.

Piratas del Caribe: en mareas misteriosas (Rob Marshall, 2011)

2011-05-30T15:12:00.000+02:00

Jamás he llegado a conectar con la saga de Piratas del Caribe, y eso que recuerdo la primera como bastante divertida. Pero supongo que la extraña fusión de Bruckheimer y Disney es más de lo que puedo soportar, y nunca he acabado de verles la chicha a estas pelis. Eso sí, reconozco que Johnny Depp es un genio a la hora de interpretar personajes histriónicos o extraños, y hace totalmente suyo a ese pirata amanerado lleno de contradicciones: cobarde pero valiente, vago pero incombustible, difícil de ver pero atractivo… Un personaje construido desde cero al que Depp imprime su toque maestro y convierte en lo mejor de todas las películas. Pero claro, con cuatro partes ya se empieza a notar el desgaste, y Jack Sparrow ya no es tan divertido, ni tan sorprendente, ni tan gracioso. Es más de lo mismo, y tras casi 500 minutos de películas, ya cansa. No ayuda tampoco que, en esta cuarta entrega, aparezca mi odiada Penélope Cruz. Ella está de horca, como siempre, aunque los amantes del cine español se empeñen en elevarla a los altares a los que yo también la elevaría, pero para tirarla después. La química entre Pe y Johnny es la misma que entre un zapato y una lámpara, y la española lastra todavía más con su malencajado papel -se ve que Marshall la coló como pudo porque había trabajado con ella en Nine- una producción que se resiente. Porque personalmente no me ha parecido una película divertida ni con buen ritmo, se me hizo muy pesada a momentos, los personajes son unidimensionales y la fotografía extremadamente oscura casi todo el rato. Y no hablemos del 3D, casi tan fulañero como el de Furia de Gañanes, y que además solo sirve para hacer más oscura una película ya oscura. Lo único bueno es la banda sonora de Hans Zimmer, como siempre, y alguna esporádica escena de acción como la persecución en Londres o alguna también esporádica parida. Pero todo lo bueno de esta peli es esporádico, y lo malo persiste durante casi todo el metraje. ¡Ah!, y no os perdáis a Óscar Jaenada haciendo de comandante español. Sí, sí, Jaenada, el mismo que ahora está “triunfando” con la serie Piratas (muajajajajaja), en la que plagia descaradamente a Jack Sparrow. Si es que de verdad… Spain is different, pero casi siempre para mal.

Frankenhooker (Vicios Diabólicos) (Frank Henenlotter, 1990)

2011-05-25T15:06:00.000+02:00

Todavía me sorprendo con el cine de los ochenta, aunque este sea tardío y esté fechado en 1990. Si es que era otra época, coño. Una en la que todavía podía hacerse comedia de terror gore y que quedara bien. Y no solo eso, sino que algunas se convirtieran en pequeños clásicos como éste, del que no tenía ni pajolera idea y que me hizo pasar un buen rato el otro día. La historia parodia en gran parte el clásico de Frankenstein, pero no obviemos el toque Re-animator ni tampoco ese humor negro tan típico del momento y que tan bien plasmó después Peter Jackson en su Braindead. Así, todo empieza cuando un electricista aficionado a los experimentos neurológicos (SÍ, NO ME HE VUELTO LOCO, LA FRASE ANTERIOR ES ABSOLUTAMENTE CORRECTA) pierde a su novia en un accidente de cortacésped (SÍ, DE NUEVO ES CORRECTO). Para resucitarla, además de sus conocimientos sobre anatomía y electricidad aplicada (¿¿¿), necesitará partes de mujeres para recomponer el cuerpo maltrecho de su churri. Y claro, digo yo que ya que hay que recomponer a la parienta, hazlo con un buen par de tetazas, ¿no? Pues ahí que se va nuestro mad doctor de chichinabo a lo que sería el barrio chino de su ciudad en busca de fulanas a las que secuestrar, matar y descuartizar para reconstruir a su amada. Sí amigos, una bizarrada de argumento, pero deja momentazos de gran diversión y gore de baratillo, como la orgía de putas explotando por un crack adulterado (OTRA VEZ TENGO QUE INSISTIR EN QUE NO ME HE VUELTO LOCO Y QUE TODO ESTO ES CONFORME SALE EN LA PELI, NO PRODUCTO DE MI ENAJENACIÓN MENTAL), o el festival final de miembros de goma mutantes a la caza del proxeneta cachas. Muy divertido todo, con ese encanto de la serie B y un gran punto de cachondeo (la “Frankenputa” resultante del experimento es un despiporre) que convierten a esta casposa cinta, para mí, en otro de esos clásicos instantáneos del género que tanto me gusta.

La posesión de Emma Evans (Manuel Carballo, 2010)

2011-05-20T15:01:00.000+02:00

Hay cine de Clint Eastwood, cine bueno, cine malo y cine de mierda. Luego está el cine de The Assylum, que son al infracine como Eastwood al cine convencional. Pero luego hay extrañas piezas que descolocan, supuestas producciones con pasta de por medio y medios técnicos más que aceptables, que terminan siendo un puto esperpento. Entendedme: en The Assylum trabajan aquellos a los que, por borrachos y/o deficientes, no les han dado trabajo en ninguna otra de las casposas productoras. Además cuentan para sus películas con actores olvidados, actrices porno intentando dejar de tragar sables y saltar al “cine serio” (¡¡¡buajajajajajaja!!!), y presupuestos similares a lo que me queda a mí en la cuenta corriente a día 25 de cada mes. Con esto, es normal que hagan mierda, y además no engañan a nadie, habiéndose ganado el estatus de los más grandes divulgadores de basura infecta.
Y si os cuento esto, es porque no me apetece hablar de la película en sí. Es un bodrio infumable que, tratando del demonio (un tema que siempre da rollo) no da nada de miedo, con una historia tonta, un montaje de mierda con los flashbacks peor usados de la historia, personajes absurdos (la actitud de los padres es totalmente inverosímil y el motivo de la posesión ni digamos) y repleta de topicazos como la muerte del hermano pequeño. Sin mencionar el giro final, digno de haber sido escrito por un orangután. Ahora resulta que las posesiones demoníacas son una vendetta personal que puede provocarse. El padre Karras tendría que levantarse de la tumba e hinchar a hostias al Carballo este.
En fin, de todo lo anterior se deduce que, si ves La posesión de Emma Evans, puede ser por dos razones: 1) Eres un masoca, te va sufrir, seguramente te anillas los huevos y te pones pinzas en los pezones; o 2) Quieres comprobar por ti mismo si es TAN MALA como digo. En cualquier caso, lo siento por ti. Estás jodido.

Black Dynamite (Scott Sanders, 2009)

2011-05-15T14:56:00.000+02:00

Black Dynamite es una de esas películas que estás deseando ver con los colegas, con una buena cena y toda la cerveza posible. La premisa es prometedora: un genial actor de artes marciales como Michael Jai White (genial por sus aptitudes marciales, no interpretativas, se entiende) metiéndose en un papel cómico de acción, en una cinta que es una parodia-homenaje a la extinta blaxploitation setentera, aquel cine de negratas (dicho con todo el respeto), pelos afros y pantalones de campana, que disparaban tiros que no salían, pegaban hostias que no daban y eran muuuuuuuuuuuuuuuuuy, muuuuuuuuuuuuuuuuy chulos. Y de entre todos los chulos, el que chulea a todos los chulos de entre los chulos es Black Dynamite. Él es el que más pega, el que más sabe, el que más folla. Pero lamentablemente, el que más aburre. Porque me esperaba que la peli fuera un festival de burradas y paridas, pero vistos los primeros veinte minutos se hace enormemente repetitiva y lenta. Ya sabemos que Dynamite es el más guay, que todas las tías se lo quieren calzar y que nadie le puede, pero estar repitiéndolo todo el rato acaba siendo un coñazo. Además, al final todo se me antoja una bizarrada demasiado grande incluso para una parodia de la blaxploitation, con ese enfrentamiento contra esa especie de Fu Manchú (otro homenaje-parodia al cine de artes marciales de la época) y sobre todo con que el villano final sea el presidente Nixon y que su plan sea reducir el tamaño de la polla de los negros. Por eso, cuando suena por enésima vez “Dynamite” y la peli acaba con la posturita de turno, te quedas con cara de decir: bueno, me he reído un rato… pero esperaba haberme partido la caja. Así que decepción a medias que justifica que la peli aún no haya encontrado distribuidora en nuestro país. Si a mí, que entiendo de qué rollo va, no me ha parecido gran cosa, salta a la vista que su público sería muy reducido por estas lares.

Muñeco Diabólico (Tom Holland, 1988)

2011-05-12T14:49:00.000+02:00

Chucky tiene la culpa de que una generación de niños hayan crecido mirando con recelo a sus muñecos por si en un momento dado se levantaban con un cuchillaco y un improperio, dispuestos a empezar el asunto del muere. Y es que este tipo de cine de terror, de factura absolutamente ochentera, quizá ya no impresione a nadie, pero en mi época lograba su cometido. La historia comienza con una persecución policial que pronto deriva en un rápido rito vudú, una especie de transfusión de alma que el malherido asesino Charles Lee Ray (nombre compuesto por nombres de asesinos reales) realiza a lo que tenía más a mano: un muñeco Good Guy. Muñeco “Buen chico”, para más ironía del asunto. Por azar del destino y del guión, el muñeco acabará en casa de Andy, un niño de 5 años obsesionado con los dibujos Good Guy (que debían ser los Teletubbies de la época), y Chucky tendrá tiempo limitado para pasar de nuevo su alma a la del niño antes de quedarse encerrado para siempre en el cuerpo de plástico del juguete. La peli juega mucho con la tensión de lo que no vemos, con nuestro conocimiento VS. la ignorancia de la madre, la niñera o el resto de personajes, para quienes el muñeco es solo eso: un muñeco. Pero ser pequeño no impide a Ray seguir asesinando, provocando que el pobre Andy parezca un niño perturbado. Destacar también la interpretación de Chris Sarandon, el mítico vampiro de Noche de miedo, actor que despuntó y desapareció en los ochenta y a quien le auguré una carrera más prometedora de lo que fue después. Eso y, claro está, los artesanales efectos especiales que convierten a Chucky en un acojone. Tirando de animatronics, maquetas, enanos y niños, la película se lo curra en una época en la que los ordenadores estaban en el alba de los tiempos. Con todo, excelente película de tensión-terror y gran referente de esa época en la que se exigía menos al cine y se obtenía más.

Bajo el sol de la Toscana (Audrey Wells, 2003)

2011-05-02T15:23:00.004+02:00

Para películas como esta existen las sobremesas de domingo. La siempre correcta y guapísima Diane Lane protagoniza este telefilmero largometraje que se regodea en todos y cada uno de los tópicos del cine de mujeres maduras despechadas en busca del amor de su vida. La protagonista es una escritora (sigh), divorciada, que se marcha a pasar unos días a Italia como terapia para recuperarse de su mala racha, y que se compra, de volazo, una villa medio en ruinas en la Toscana. La clase de cosas que, si las piensas fríamente, son más imposibles que un extraterrestre superpoderoso o un dios nórdico con un martillo. Por supuesto, en la Toscana conocerá a una serie de pintorescos personajes secundarios que enriquecen el reparto de tópicos, mientras que nuestra escritora va haciendo eso que tanto se hace en este cine y que no tengo ni idea de qué significa: descubrirse a sí misma.
No falta romance, claro, ni toques de comedia (la primera noche de tormenta en la derruida casona es muy divertida con la entrada de la lechuza), pero siempre con esa sensación de irrealidad que transmite semejante argumento. Eso sí, la belleza de la fotografía es indiscutible, pero ¿cómo va a ser de otra manera en un entorno como la Toscana? Imposible, hubiera sido un crimen. Los paisajes italianos dan vida y color a una película luminosa y optimista, que al menos no recorre el camino del tópico por completo y se distancia un poco al final, pero muy poco. En fin, como decía es la típica película que parece creada para verse en las largas y comodonas tardes del fin de semana, y que se salva por su belleza natural y por Diane Lane, que siempre resuelve sus papeles. Creedme, si esto lo hubiera protagonizado Julia Roberts, me hubiera sacado los ojos a la primera frase.

Thor (Kenneth Branagh, 2011)

2011-05-02T13:32:00.000+02:00

Hasta el momento, esta es la mejor película de Marvel que he visto. Antes me quedaba con las Ironman, pero Thor tiene un algo más. Aparte de su acción trepidante, de sus dosis de comedia totalmente apropiadas y de su universo superheroico, aporta ese toque épico del personaje (no en vano es un héroe adaptado de la mitología nórdica) del que otras carecen. Y ahí, como director, Kenneth Branagh se encuentra muy cómodo, porque la historia de traición y poder de Thor, Odín y Loki, no dista mucho de esas tragedias shakespirianas que tantas veces y tan bien ha dirigido este cineasta.
Otro valor añadido es que cualquier neófito podrá enterarse perfectamente en esta película de la historia de Thor, ese arrogante guerrero que es desterrado por Odín (un excelente Anthony Hopkins) de su Asgard natal a la Tierra, por su desobediencia y su afán de guerra. Desposeído de su poder y de su martillo, el Mjolnir, Thor comenzará una nueva aventura para volver a ser él mismo, al tiempo que aprenderá los valores que le faltan para ser un rey: humildad, obediencia, y preocupación por su pueblo. Un viaje de autodescubrimiento que Chris Hemsworth interpreta con soltura, dándole al personaje todos los matices necesarios, desde su chulería inicial a su heroico altruismo y sacrificio final, pasando por momentos de auténtico abatimiento y otros de comedia que también borda. Toda una sorpresa este Hemsworth, que se ha currado el papel mucho más allá de haberse metido 15 o 20 kilos de músculo ~~y de cepillarse a la Pataky~~.
El ritmo de la película es casi perfecto. El inicio es buenísimo, pasando después a una primera parte en flashback en Asgard totalmente arrolladora, un segundo acto en la Tierra que es la parte más humana y cómica del personaje, y de nuevo un final en Asgard igual de trepidante que el comienzo. Los efectos visuales están muy a altura, así como el vestuario y el diseño de personajes, y algunas de las escenas de acción son realmente sobrecogedoras. No falta el toque de romance entre Hemsworth y la chica de la peli, una correcta Natalie Portman, aunque es un romance muy sutil pero muy bien tratado. Y es que, en definitiva, aquí se trataba de presentar al personaje al mundo y de mostrarnos ese viaje del héroe para descubrir que no todo es ganar batallas y dar martillazos, aparte de seguir allanando el camino para Vengadores, película muy presente en ésta a través de personajes como el agente de SHIELD. En definitiva, estupenda película que demuestra, muy a mi pesar, que a día de hoy Marvel no tiene rival en cuanto a cine de superhéroes, y que Kenneth Branagh sí que era el director perfecto para esto.

La habitación del pánico (David Fincher, 2002)

2011-05-02T12:50:00.005+02:00

Trabajar en espacios cerrados siempre es complicado para el director y para los actores, pero en esta película ambas partes pasan la prueba con solvencia. Del lado que no se ve, el experto director David Fincher, que ya nos había dejado peliculones anteriores como El club de la lucha, Seven o The Game, se las apaña muy bien para crear tensión tanto en lo que sucede dentro de esa habitación impenetrable como fuera, en el inestable grupo de intrusos que penetran en la tranquila morada de Meg y su hija Sarah sin motivo aparente para ellas. Poco a poco, como espectadores omniscientes vamos recibiendo la información en sus dosis justas, y entendiendo el por qué del asalto mientras que, además, la situación en el interior de la habitación antipánico se va complicando con la enfermedad de la hija, creando una creciente atmósfera de tensión y claustrofobia que vives junto a las dos protagonistas. Los momentos de mayor tensión, no obstante, se producen en las contadas ocasiones en las que Jodie Foster abandona la seguridad de esa cámara inaccesible para aventurarse al exterior a merced de los tres asaltadores, sobre todo en su segunda salida engañada por el plan de los malos. Hablando de los malos, quizá es donde la película recae en mayores tópicos, con tres personajes cortados por un patrón muy típico: el cerebro (un correcto Jared Leto), el malísimo malísimo malísimo (que no sé quién es) y el "bueno" (Forest Whitaker), siempre teniendo en cuenta que los tres son asaltadores de casas y que sus motivos personales no justifican un acto así. Destacaría también, aparte de la muy bien conseguida tensión y atmósfera claustrofóbica, las interpretaciones de Jodie Foster, estupenda como siempre, y de la entonces niña Kristen Stewart, que ofrece una interpretación infantil mejor de lo que suelen ser. El final de la peli vuelve a caer en el tópico más habitual del cine de este estilo y con estos personajes, pero en resumen, como todo es un gran tour de force muy bien llevado e interpretado, la película se convierte en un conjunto absolutamente disfrutable.

Furia Ciega 3D (Patrick Lussier, 2011)

2011-05-01T12:30:00.000+02:00

Nicolas Cage vuelve a embarcarse aquí en uno de esos tres o cuatro locurones que viene rodando cada año desde que pasa por su "delicado" momento económico. En este caso, un locurón del quince, de esos que no se toma en serio a sí mismo porque sería imposible. Pero no carente de diversión dentro de su cutrismo, eso también.
La verdad es que para dar una idea general de qué va esta película, podríamos decir que es El cocherista fantasma. Y no, no me he equivocado. Esto es como El motorista fantasma + El cuervo + The Fast and the Furious remeneado con dosis de road movie y con un prominente elemento grindhouse (esas pelis de terror de serie Z de los años 70), todo pasadísimo de vueltas y totalmente disparatado en el conjunto y en la forma. El personaje de Nicolas Cage es extraño hasta el final (bueno, es extraño todo el puto rato), siendo una especie de alma escapada del infierno para vengar la muerte de su hija y rescatar a su nieta recién nacida de un ritual satánico llevado a cabo por el padre de Bella en Crepúsculo. Pero mientras que él sigue la pista de la secta que tiene a su nieta, tras su propia pista va el mejor personaje de la cinta, alguien que se llama a sí mismo "el contable" y que es una especie de chupatintas del infierno que quiere asegurarse de que Nicki vuelve a donde tiene que estar. Acompañanado a Nic, la chica de la película es la preciosa Amber Heard, que aporta el elemento agradable de ver en cada plano y que compensa con creces el tener que tragarnos a Cage, inflado y con un hilarante pelucón a mechas rubias. Además, todo sea dicho, Heard hace lo que puede con su papel, llevándolo con más solvencia de la que Cage lleva el suyo.
De la película, me quedo con su ritmo trepidante, su cierto puntillo de intriga hasta el final y con su desmedida violencia, sexo y toque de serie Z. La escena del motel en la que Cage tiene un tiroteo mientras se folla a una rubia neumática sin sacársela, no tiene desperdicio (aunque creo que Vincent Cassell y Monica Bellucci ya hicieron algo parecido), pero solo es una muestra más de qué palo va esto. ¿Buena? Ni de coña. Pero al menos pasarás el rato entre persecuciones, tiros, y acción satánica tridimensional.

Indiana Jones y el templo maldito (Steven Spielberg, 1984)

2011-04-26T09:22:00.006+02:00

Spielberg, Lucas y Ford regresaron a la carga con esta segunda parte que en realidad es precuela de En busca del arca perdida. Esta es la primera película de la saga en la que, al más puro estilo de los seriales cinematográficos antigos, el título es el nombre del protagonista + el nombre de la aventura en cuestión. Y así tenemos Indiana Jones y el templo maldito, la menos querida de las tres películas buenas de las aventuras de Indy (veréis que la cuarta ni la cuento) y que, sin embargo, a mí me gusta un poco más que En busca del arca perdida, pero claro, bastante menos que la sobrehumanamente buena Indiana Jones y la última cruzada. Siempre teniendo presente que todas las de Indy son geniales.
Aquí las aventuras del arquéologo más famoso del mundo le llevan a la India tras un prólogo magnífico en China, con otra de esas secuencias en las que tensión, acción y comedia se aúnan de maravilla mientras el Dr. Jones trata de recuperar el antídoto para el veneno que le acaban de endiñar. Conocemos a sus compañeros de aventuras, la torpe y urbanita Willy y el pequeño Tapón, una especie de protegido de Indy del que, ahora que lo pienso, nunca más se supo ni de su carrera post-Indy y post-Goonies, ni de su personaje, que no se vuelve a mencionar en las posteriores entregas. Pero es igual. Jones acabará lidiando contra un culto ancestral con poderes oscuros que dejan las mejores secuencias de la peli, todo por recuperar una piedra sagrada para la aldea y salvar a todos sus niños secuestrados como esclavos. Vamos, Spielberg como siempre haciendo denuncia, y aunque no repite a los nazis como malos, los sectarios de Kali, comandados por una especie de Lex Luthor diabólico, un malo absolutamente de serial, son casi tan malvados. Igual que el prólogo, la acción, romance, comedia y aventuras imposibles son la constante en una cinta imparable: el pasillo de los bichos, la escena del bote salvavidas, la huída en las vagonetas, el puente colgante... Amén de otras escenas ya míticas como el peculiar banquete asqueroso o la breve transformación de Indy en Evil Indy. Acción increíble con el sello de la saga, pero aún así mucho más creíble que lo de la puta nevera, no me canso de decirlo. Será que los héroes aventureros como Indy nacieron para resplandecer en los ochenta, donde destacaban. Ahora, quizá, traerlos de vuelta es un ejercicio desfasado.

Invasión a la Tierra (Jonathan Liebesman, 2011)

2011-04-25T17:15:00.004+02:00

Coge el guión de Independence Day y elimina lo más bochornosamente pseudocómico y pro-yanqui, y sustitúyelo por la acción bélica de Black Hawk Derribado o En tierra hostil, todo ello protagonizado por un actor (Aaron Eckhart) cuyo talento demostrado no le impide embarcarse en producciones que otros desdeñarían por irrisorias. Si mentalmente ya has realizado esta pequeña simulación, ya tienes una idea general de qué es y qué es lo que ofrece Invasión a la Tierra, así que ya es tu responsabilidad verla.

Yo debo reconocer que me lo he pasado bien. Sin apenas prólogos ni explicaciones, la historia enseguida nos presenta la amenaza de esos meteoritos que frenan al entrar en la atmósfera y cuyo corazón es metálico, y pronto salta el ataque extraterrestre con una única misión: arrasarnos a nosotros como población indígena y colonizar nuestro acuoso planeta, como Colón hizo más o menos con los nativos americanos. Como protagonistas tenemos al típico grupo de marines americanos, duros pero sin llegar al nivel de los de Aliens, y capitaneados por un teniente hispano y por el sargento que interpreta Eckhart, que arrastra un pasado turbio por una misión en la que perdió a un par de hombres. Argumento de relleno, vaya, porque su historia importa un pimiento, pero había que tratar de dotar de profundidad a los personajes, y de paso dejar que Eckhart luciera sus siempre correctas aptitudes interpretativas. Hay acción a raudales aunque a veces un poco mareante por la cámara, explosiones, robots alienígenas, más tiros que toda la serie de El equipo A y las típicas dosis de dramatismo y heroicidades tipo Pánico en el túnel. Por supuesto, al final los americanos siempre dan con la solución (aunque aquí, al menos, es mucho más física y creíble que el virus informático que se inventan en ID4), porque ellos son los mejores y son marines americanos, como Eckhart repite cincuenta veces en la película mientras grita: "¿Retirada? ¡Y un cuerno!" Pero todo esto no impide que sea una película totalmente disfrutable y entretenida dentro de ser una colección de clichés y repeticiones (como la pobre Michelle Rodriguez interpretando por enésima vez a la misma soldado machito de Resident Evil o Avatar), pero al menos clichés bien conducidos y con ritmo.

El sexto sentido (M. Night Shyamalan, 1999)

2011-04-25T16:35:00.004+02:00

Podemos decir tranquilamente que esta es la mejor película de terror de los años 90. Pese a que muchos lo pensamos, esta no fue la primera película de su realizador, pero a efectos de casi todo el mundo como si lo fuera. Esta es la cinta que lo dio a conocer, y en la que demostró todo su talento para contar historias e imprimirles su ritmo y su personalidad. Algo dificilísimo y que separa a los buenos cineastas de los que nunca pasarán de ser del montón. Quizá solo por El sexto sentido tenemos que perdonar a Shyamalan haber filmado Airbender, porque una película así de buena ya justifica el resto de tu carrera.

Cuando se estrenó, no faltaba el típico hijoputa que iba diciendo por ahí que Bruce Willis es un fantasma todo el rato, pero la verdad es que esa parte de la historia, la más sorprendente, sirve para dejarte alucinado la primera vez que la ves, pero después es puramente anecdótica. Os puedo asegurar que disfruto de El sexto sentido en cada visionado, observando sus pistas, sus matices, su empleo del color rojo como elemento anunciador de un momento crucial, con la interpretación fascinante del niño Haley Joel Osment y la pesadumbre e impotencia de Toni Collette como su madre. Pero sobre todo, no deja de fascinarme cómo Shyamalan teje la película como una araña su tela, sin que le sobre un plano, narrando con una soltura y un tempo inusuales, y con planos y escenas brillantes en las que prácticamente se burla de nosotros tirándonos a la cara el que es el gran impacto de la película, algo que es muy fácil ver cuando ya la has visto, claro. Vemos a Willis con la misma ropa constantemente, lo vemos acompañar al niño a todas partes pero jamás interactuar con nadie que no sea él, vemos la relación muda con su esposa y creemos que atraviesan una crisis... son tantos los detalles que a veces pienso que soy idiota, pero el caso que Shyamalan supo jugar con el espectador como nadie lo hacía desde hacía mucho tiempo. Por otro lado, aparte de la intriga, el drama y el suspense, tampoco le falta terror del bueno a esta película. Las apariciones de los fantasmas son escasas pero perfectas, llenas de tensión espeluznante, y sentimos el terror del niño y su angustia de vivir así (que no tiene que ser tan bonito ese don como lo pintan en Entre Fantasmas, serie que plagia descaradamente a este argumento... aunque no hablemos de plagiar argumentos, ¿eh, Amenábar?). Y el final, sorprendente la primera vez y perfecto todas las demás, no puede ser más adecuado. Shyamalan redefinió el thriller sobrenatural y todo lo demás es historia.

Pin (Sandor Stern, 1988)

2011-04-25T16:02:00.006+02:00

Salta a la vista que Psicosis sirvió de inspiración a Sandor Stern para escribir el guión de esta película que él mismo dirigiría. El eje argumental es bastante similar, tomando como punto de partida una enfermedad mental (esquizofrenia paranoide) que el protagonista va dejando de manifiesto conforme avanza el metraje. Pero donde esta película se distancia del clásico de Hitchcock (además, por supuesto, de que Hitchcock era un genio y Stern no) es en la introducción de otros elementos añadidos y en una mayor profundización sobre la locura del protagonista. Así, se nos muestra la vida de Leon desde pequeño, junto a su disfuncional familia: su hermana Ursula, sus padres (el padre, médico, es el actor Terry O'Quinn, Locke en Perdidos, y la madre una obsesa de la limpieza que mantiene el mobiliario plastificado) y el desconcertante muñeco anatómico Pin, del que su padre, experto ventrílocuo, se sirve par darle lecciones a los niños y crear un clima agradable con sus pacientes. El problema es que Leon siempre considera a Pin como un ser realmente vivo (por su locura y por la influencia de su extraña familia y ciertos acontecimientos como presenciar a la enfermera de su padre montárselo con el muñeco), y dentro de su enfermedad lo considerará su consejero. La muerte de los padres de Leon acaba de desencadenar su descenso completo al infierno de la locura, convirtiendo a Pin en un miembro más de la familia, dándole ropa, rostro y hasta un puesto en la mesa para cenar. Está muy bien llevada la relación con su hermana, quien ya mayorcita ha aprendido a buscar el cariño que le faltó de sus padres en la bragueta de los hombres (queda claro que él está obsesionado con ella de una forma bastante poco fraternal), y el cómo Ursula aguanta estoicamente como puede la locura de su hermano, tratando de restarle importancia y de llevarlo bien. Evidentemente, no siempre es posible, y al final Leon comienza a volverse peligroso y a desarrollar esa doble personalidad de Pin, asesina y descontrolada, desencadenando el apropiado final de la película también claramente influenciado por Psicosis. El caso es que me esperaba un truño como un puño y esta es una película indigna del Canal Buzz, porque es una buena película bien narrada, con dos interpretaciones principales muy buenas y un desarrollo inteligente de personajes y situaciones, que convierten a la película en una serie B solo de presupuesto.

Demons II (Lamberto Bava, 1986)

2011-04-25T11:40:00.005+02:00

Dario Argento y Lamberto Bava están detrás de esta producción estereotipo del terror italoamericano ochentero. Y digo italoamericano pese a que la película es totalmente de producción y dirección italiana, pero su elenco medio yanki y su clarísima influencia del cine yanqui en el ritmo y otras cositas así lo requieren.
Demons presentó a los zombies-demonios recluidos en el reducido espacio del cine Metropol, pero en esta secuela toman un edificio de apartamentos lleno de personajes pintorescos. Muy a lo Poltergeist, el primer zombimonio (vamos a llamarlos así) surge de una televisión en la que se está proyectando un documental sobre la anterior noche de los demonios (supuestamente, la primera película), y a partir de ahí toma posesión de una chica muy a lo Evil Dead y comienza la masacre. La peli tarda en arrancar, eso sí, pero es relativamente original que se alterne el documental con la acción de los inquilinos del edificio, todo con ese encanto ochentero repleto de guateques con música de sintetizador, ropa cutre y peinados vergonzosos. Los zombimonios están graciosos, el maquillaje es exagerado y bueno (¡¡qué dentaduras, por favor!!), y el estilo visual me recordó también a Raimi en algún que otro zoom y algún que otro movimiento divertido de los poseídos, confirmando las fuentes de las que esta película bebe en esa americanización de la que hablábamos. No falta la dosis generosa de gore de la época, aunque se hace de rogar hasta su última media hora, pero llega. En definitiva, un gran ejercicio de serie B de dos de los grandes nombres del género en una cinta que se deja querer.

La invasión de los ultracuerpos (Philip Kaufman, 1978)

2011-04-24T22:24:00.000+02:00

La ciencia-ficción tiene muchos padres y madres, y cada uno le ha dejado como quien dice un pequeño rasgo definitorio, igual que nuestros padres nos dejan el hoyuelo en el mentón, el pelo rizado o los ojos azules. Este remake del clásico de Don Siegel de los años 50 (considerada una de esas madres de la sci-fi) parte con la desventaja, precisamente, de versionar a una película tan referencial. Pero podemos afirmar que no solo sale airosa de tamaña empresa, sino que en muchos aspectos, sobre todo en uno que luego comentamos, es arrolladoramente superior.

La invasión de los ultracuerpos (título ya brutal) presenta la perspectiva de una invasión alienígena en toda regla, pero alejadísima de convencionalismos del género. ¿Dónde están las naves espaciales y los hombrecillos verdes, o los monstruos de tentáculos y los robots armados de láseres desintegradores? La amenaza del espacio llega aquí en forma de esporas que viajan con las tormentas solares, y que llegadas a un planeta, lo cubren, lo fecundan, y lo toman. En el caso de los seres humanos, las esporas crean dobles perfectos de cada persona, conservando sus recuerdos, sus costumbres, pero eliminando su personalidad y convirtiéndolos en partes de una comunidad que es como un solo ser interconectado. Cuando el personaje de Donald Sutherland, el de Brooke Adams o el de Jeff Goldblum empiezan a tomar conciencia de la inconcebible situación, ya es demasiado tarde. San Francisco está ya prácticamente tomada por esas réplicas no humanas, y solo unos pocos quedan para resistir a base de ocultar sus emociones para no ser descubiertos mediante un grito que helará la sangre de tus venas. El reparto es de lujo, como habréis leído, y me faltan nombres como el de Leonard Nemoy, Veronica Cartwright o, en un papel muy pequeño, también Robert Duvall. No le falta de nada a esta película de ritmo perfecto, tensión insoportable y todo el buen hacer de la mejor ciencia-ficción, rematada por lo que comentábamos al principio que es lo mejor de la cinta: un final pesimista, trágico y espeluznante que te deja, mientras caen los títulos de crédito, con los ojos como platos y el alma a los pies. PE-LI-CU-LÓN, amigos. Si aún no lo has visto, no sé qué demonios haces perdiendo el tiempo leyéndome.

Buf, qué final, no me digáis que no.

Daylight (Pánico en el túnel) (Rob Cohen, 1996)

2011-04-23T20:06:00.000+02:00

Entre 1996 y 1998, Hollywood se empeñó en destruir el mundo o, al menos, en demostrar la pupita que nos puede hacer la propia naturaleza. Entre esos dos años vieron la luz películas como Twister, Armageddon, Deep Impact, Volcano, Un pueblo llamado Dante's Peak... o ésta. Ésta que, dentro del género de catástrofes, no presenta una catástrofe natural sino una derivada de un accidente, en una historia con toques de ¡Viven! (pero sin comer chicha humana de por medio) y reminiscencias típicas del género catastrófico.

Tras una presentación de personajes y del entorno, pronto pasamos a la acción. Los protagonistas, cada uno de un padre y una madre sin que falte casi ningún cliché (presos, abuelos, familia medio rota y hasta un perrito que se salvará en el último momento, como mandan los cánones), se quedarán igualados a un mismo estatus cuando el túnel que une Nueva York con Manhattan queda sellado por una explosión. Ahí entra nuestro tópico número X, el personaje de Stallone, Kit Latura (otro nombre molón de esos tipo Gaetano Dragonetti o Herkemer Homolka), un ex (inserte aquí lo que se quiera, por ejemplo... sanitario de emergencias) con un pasado turbio y que entrará a guiar a los supervivientes a la luz del día. No faltarán heroicidades, dramas, pérdidas, tragedias y acción por el camino, e incluso algún toque de moralina religiosa y la típica e imprescindible relación amorosa incipiente entre Stallone y la chica de la película, todo mientras el variopinto grupo aprende la lección de que "unidos saldremos, separados palmaremos". O algo así. El caso es que a mí me gusta esta película, pese a sus incontables clichés y su trilladez argumental, pero es entretenida, con toques justos de acción y drama y una banda sonora poderosa, en una muestra de que incluso en lo más trillado, de vez en cuando, Hollywood sabe hacer algo que destaca.